美术课程教学研究:高校美术专业民间美术课程教学的思考

“民间美术”是对某一民族古老文化的忠实而具象的表达,她在展现某地域传统文化的同时,也在塑造着某地域的今日文化。“文化”不仅是名词性的,也是动词性的。在这一过程中,许多的传统文化正面临着消失。值得欣喜的是,正当社会各界都在为日益衰退的民间美术品类嗟叹不已的时候,许多高校已开设了民间美术课程,甚至设置了本、硕民间美术专业,这无论是对于高校的特色专业发展,还是对于民间美术的发展与创新而言都是及时的、也是必需的。但无论是作为一个学科,还是作为一门课程,如果没有科学的教学体系、严谨合理的教学过程设计将无法保障学科的可持续发展和有效教学的实现。

一、高校美术专业设置民间美术课程的目的

高校美术课程的设置是跟随时代的发展而不断地完善的。专业基础课作为高等美术教学体系的重要环节,强调通过科学的训练方法使学生的审美倾向和思维模式得以逐步形成,可以说基础课程目的的有效实现直接影响着学生以后的艺术发展方向。但由于历史的原因,我国高等美术教育在现阶段基本上还是沿用西方的美术教育结构模式和方法,尤其是美术学科的专业基础课,如:素描写生、色彩写生、平面构成、色彩构成等,多源自传统的美术教学内容和理念。在这种教育模式中,教师与学生基本上都是处于一种西方文化的思维状态之中,传统的中华文化在相当长的一段时期都备受冷落。这种状况自上世纪八十年代,中央美院在 “年画连环画系”基础上创建了“民间美术系”后开始发生改变。国内许多高等美术院校相继开设了“民间美术”课程。但直至2005年教育部颁布的《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》中才将 “具有人文精神和现代教育理念,具有较高的艺术素养和审美水平,文化视野开阔,具有传承和弘扬中华民族文化艺术的使命感,具有终身学习的能力和善于探究的学习态度。”[1]确定为培养规格的具体要求之一。在这种培养目标与要求下,民间美术课程终究有了一个正当理由登入高校美术教育的殿堂。但是,只有目标与要求并不能解决所有的问题,民间美术课要达到有效教学的目的,还有很长的一段路要走。

当下,随着国际间经济、文化交流的不断加强,世界文明的趋同性特征越发显着。在建筑、服装、日用品、文化用品、工业产品等方面所充斥的西方元素使得中国年轻的一代自幼年时期便多方位地接受了西方的文化,而对于中华民族文化,尤其是地域文化的传承却显得局促多于镇静,困惑多于清醒。今天,高等教育所面对的正是深受西方文化影响的一代,能否在教学中吸引这些年轻人,成为有效达成教学目标的关键。

二、基于美术专业教学背景下的民间美术课程不可浅尝辄止

美术专业教学体系,是一个包括专业教学知识结构、教学内容、教学方法、教学过程和教学评价等教学要素的统一整体。民间美术作为专业基础教学环节的一门课程,其设立的目的就是将源于西方思维方式的传统的美术专业造型、色彩训练,与中国传统文化精神和艺术思维方式相结合,共同为其后的美术创作奠定基础。一、二年级是美术专业学生艺术思维形成的关键阶段,基础训练课程对于学生掌握科学的绘画表现方法会起到至关重要的作用。近些年来,尽管高等美术教育的改革工作也在大跨度地向前推进,教学方法,教学模式的当代性与实用性都有了很好的进展,但总体框架仍囿于西方传统模式之下。而民间美术进入专业教学环节的重要性、必要性虽然得到了业内的充分认同,但高校美术专业的民间美术课程依然较多地局限在考察、欣赏的层面,并没有在更深层次上得到践行。

显见的是,作为广大劳动民众在长期生产劳动实践和日常生活中为了满足自身的物质生活需要和精神需求而创造的艺术形式,许多民间美术品类在中华大地上已传承千年,其所反映出的并不仅仅是美伦美奂的形态与色彩,而更多是它充分体现着的中华民族的宇宙观、价值观和审美观。因此,浅尝辄止的民间美术教学对前、后置课程的衔接作用、对美术专业学生基于民族精神内涵的艺术思维方式的训练,以及对新一代美术人才文化自觉观的养成并无裨益。

民间美术具有典型的地域性特征。所谓的地域文化是指某一特定地理区域内经过长期的历史发展所形成的独具特色、传承至今并不断发展、变化的一种文化。它在某段历史阶段会呈现相对的稳定性特征,并与特定地域的自然生态与文化生态、民俗文化与民族文化等紧密关联。然而多数院校的民间美术课程多强调通过课程使学生了解中国民间美术的特征与分类,而对如何引领学生更加深入地探究某一地域内的民间美术品类则多有不同程度的忽略。大而全的教学,在具体的教学时间限定下必然只能是泛泛而谈,且多于空谈。因此,结合本地资源与专业特色,强化民间美术教学过程的设计是必不可少的。

三、民间美术教学活动的组织

在美术专业教学中设置民间美术课程的目的就是传承中国传统文化精神、开拓艺术思维、丰富艺术语言、提升艺术创新能力等。因此,引导学生走出校门,关注身边的民间美术形式,到民间采风是必须的。我们常说“透过现象看本质”。通过采风,我们不仅可以使学生深层次地接触民间文化,亲历民间美术品的制作过程,搜集原汁原味的民间美术形态,而且可以结合前、后置课程引导学生对丰富的民间艺术语言进行必要的整理、归类与提炼,并能够运用现代的构成规律和方法,赋予民间美术形式以新的创意。这个过程正是教师带领学生从对民间美术的感性认识上升到理性认识的过程,透过丰富的民俗活动抓住民间美术的本质与规律;在认识的基础上,引导学生参与实践;在实践与认识的相互作用中,切实提升学生认识问题、发现问题、解决问题的能力。

此外,美术专业课程具有短学程化、技能化等特点, 教学活动的场所也具有非课堂化和多样化的特点。对此就要求我们必须积极拓展教学空间,开发新的教学资源。民俗博物馆、民间作坊,以及参加民俗活动并参与制作民间美术品等,都可成为有效开展民间美术教学的空间。这种现场实践教学与案例教学的形式不仅符合美术专业教学的特点,也可以更加有效地利用有限的教学时间。需要注意的是,这种形式的教学活动离不开严谨、科学的教学过程设计。从一定程度上来说,校外教学形式会对教师提出更高的要求。民间美术课程教学内容的合理性、可操作性、灵活性都需要教师做好充分的课前准备工作,能够根据教学目的与具体的教学内容有 计划、有节奏地合理组织民间美术课程的各个教学环节,并具有引导学生学习和参与民间美术实践活动的能力。

结语:

在高校美术专业教学体系中逐步融入中国的文化精神,是高校美术专业人才培养过程中需要一以贯之的教学理念与教学行为,更是我们必须慎重对待的迫切任务。基于此,高校美术教育工作者有责任在现有的民间美术研究成果基础上进行筛选、整理、比对和总结,提取出符合视觉艺术表现基本原理并有着浓厚民族精神的民间美术形式规律及特点,并与现有美术专业基础课程内容相结合,取其与之相适应的核心造型特点和形式法则,进行融入和替换,进而建立或改进部分美术专业基础课的训练内容,以期达到在基础课程中潜移默化的进行中国文化及民族精神的培养和熏陶。

美术课程教学研究:园林设计薄弱美术课程教学

摘要：

园林美术是园林设计专业的基础课程，担负着培养绘画能力和提高审美水平的任务，但是对于园林设计薄弱专业而言，往往面临着课时少，任务重和学生基础差的教学尴尬。因此，园林设计薄弱专业的园林美术教学应根据实际情况,做好各个教学环节的衔接，同时采用各种激励手段，提高教学的效率，以在较短的时间内提高教学质量，保障教学效果。

关键词：

园林美术；园林设计；效率；教学

风景园林建设时间较晚，但它作为涉及到环境心理学、社会学、艺术学、动植物学、经济学、建筑学等众多知识的综合类学科，包含的学科门类却很多。在这样的情况下，园林美术课程作为设计类的基础课，常面临课时不足的困境，尤其在园林设计的薄弱专业，在课时、资源、基础等方面都面临很多困境。因此，在新的形势下，如何抓大放小、提高效率是广大教师需要思考的问题。

一、园林设计薄弱专业美术课程教学现状

园林设计的薄弱专业是指办学历史较短、条件较弱、影响力较低、生源较普通、通常不位于设计资讯和工作机会云集的省会城市和特大城市的专业院系。这类院系的园林美术课程的教学面临很多困境，较大的教学困境在于学生多、基础差、课时少。另外，学生获得座谈、辩论、讲座、展览等校内提升的机会也是有限的。在这样的情况下，要想保障教学效果不容易，需要教师本着高度的责任心，做更多的工作，从现状出发，把握各个教学环节，充分发挥学生的主体能动性，用明确的目标和较好的训练方法使学生树立信心，知不足而勇进。

二、教学对策

（一）做好引入工作，针对新生心理，上好及时堂课

园林美术课程是针对新生而开设的，对于力量薄弱的专业而言，学生往往没有美术基础，对整个课程体系不了解，而且教师面对的学生较多，后期无法像强势专业那样给予较充分的辅导。因此，及时节课要从思想入手，不直接教绘画，而是先分析其专业形势、就业渠道，展示往届学生毕业作品，特别是展示学生不同阶段的绘画作品。以此来激发学生的斗志，让学生明确自己的差距及努力方向，并坚信差距通过坚实的训练是可以赶上的。就好像射箭，应首先绷紧弦一样，用一点时间先谈差距和方向，学生才有动力，可谓磨刀不误砍柴工。

（二）瞄准专业训练，规划教学内容

园林专业的美术主要为将来的规划设计做准备，它是设计表达的衔接课程。应使同学们掌握以绘画的方法储备设计素材，用审美的眼光观察绘画作品和周围景观环境，进而为提高设计水平打下基础，因此，教学的重点在于绘画技法和审美水平。薄弱专业的课时量往往较少，在教学内容的安排上，要以点带面，突出重点，不可与强势院校一样花很多时间来夯实美术基础，而应该根据自己的特点，重视入门级的线条和调色练习，把重点放在专业风景画的学习之上，大幅减少静物写生练习，尽早进入专业风景画的技法掌握中。具体的课程安排可以大致包含：线条练习、色盘练习、素描石膏几何体、风景要素单体的素描练习、素描风景画、风景要素单体的水彩表达、色彩风景画、观看画展这几个方面的内容。其中素描风景画和色彩风景画是重中之重，需对植物、石头、水景、建筑、配景等风景要素有侧重的分块练习和组合练习各几次，并通过临摹、照片写生和实地写生来进行多方位的锻炼，从而扎实专业基础，与后面的设计课程无缝对接。在教学方法上应该将示范教学、讨论教学、作业教学、列书单、观视频等多种方式结合，授之以渔.于侧重传统美术，另一些专业教材虽有较好的风景画的内容，但阶梯性不强，不适合初学者的入门和进阶。所以在教学中，教师需要根据学生实际水平和课时多少，合理安排教学内容，增加线条训练和色盘训练使学生掌握入门级基本的用笔和调色方法，增强对园林要素和景观绘画的阶梯性专业表现。每一次授课要有阶梯性的目标，同时，要符合认知心理学，尽量选择熟悉的题材及关键的内容。如树木的种类繁多，要选取最有代表性，出现最多的树种，以及好掌握最常规的画法来教，同时介绍少量其他的树种或画法，让感兴趣的同学自行学习。而建筑题材要选择最能表现透视关系和分区明确的典型建筑来画，兼顾其他的建筑装饰和形态，让学生以点带面，触类旁通。对相关的绘画技法和练习方法要讲透，多示范和举例。并且每次的课堂练习从内容上要彼此衔接渗透，前一次的练习要有下一次练习要表现的主要内容作为伏笔，下一次练习的主要内容在前一次出现的基础上有较大提高，并再次包含后面的主要内容，如此连续推动学生的认知和理解，确保针对性教学，有效把握上课时间。

（三）重视巡堂指导的效率，充分利用教学时间

园林美术课程的课堂练习和教师巡堂指导是很重要的教学环节。教师通过巡堂指导，可以发现学生的绘画方法和习惯上的不足。以给学生修改画作的方式，近距离示范，帮助学生掌握教学要点，对学生来说是好的提高绘画水平的机会。对于薄弱专业的教师来说，受师生比的影响，一个教师往往要面对40名以上的学生。所以跟强势专业的小班上课不同，为了保障教学质量，使更多的学生获得较大的提高，不能均匀用力，否则无法满足任何同学的需要。进行巡堂指导时，必须要在指导的普遍性和重点性之间找到合适的结合点。1.个别指导要和分组指导、集中指导相结合，既要以点带面又要各个击破。2.个别指导时，要充分控制指导的时间，挑其最薄弱的地方，深入指导，甚至手把手地教学。对其他问题，则带过处理，口头讲解。3.对于专业风景画练习的课堂点评可以让学生适当参与，可以根据作业完成的情况分级用力，比如对绘画水平较好的学生详细评讲和修改，并让他们指导其他档次的学生。这样既可以形成一定的竞争机制，也可以调动这部分学生的积极性，从而使全部学生尽可能多地得到指导和评点。

（四）作业环节紧密相扣，充分调动学生能量

由于教学的时间有限，充分调动学生的学习积极性可以极大地提高课堂的学习效率，因此也是课程设计的重点。首先，课堂教学要有明确的练习目的，每次练习要限定时间，对于按时完成练习的给予表扬和展示，其他同学给予鼓励。其次，保障绘画的连续性。每次课程均要留有课堂作业，作业量要布置合理（以能够做完，略感压力为宜）。为明确作业量，需先应弄清同时开设的其他课程的作业量和完成时间，合理安排。作业点评也要及时，为节省批改时间，可采用A、B、C、D为评分层次，详细批改两次（指出每个同学在作业中的问题和优点），逐渐只评分，不逐个批改。再次，对作业要分类讲解，比较突出的共同问题的作业放在一起，集中点评。全班出现的普遍问题要做成PPT，详细分析。同时，每次作业中的作品可以粘贴在墙上供大家观摩，促进学习气氛的形成。，要及时表扬进步快的学生，鼓励学生相互评画和交流学习，既使课堂气氛轻松又能树立学习的榜样，发挥榜样的力量。

（五）充分掌握学生心理，大力借用外部力量

由于薄弱专业课内讲座、大型展览的条件不如强势专业，教师需要想尽一切办法利用已有条件，明确内需，增加外援，增强学习效果。有如下方法可供借鉴：1.把握学生课程学习中的各个心理阶段。学生在学习过程的不同阶段，其理解能力、主动性和绘画速度都是不一样的，教学过程中要遵循先易后难，先讲求趣味性、后讲求专业性的方式来安排进度和组织教学。2.有条件的话，可以请高年级的学生客串教学。请他们讲解园林美术和其他课程的关系，学习园林美术的体会，推荐园林美术的学习资料。此举既可充分利用学生的课外时间，又可建立他们和高年级学生的联系，形成更好的学习氛围。3.与此同时，也可以与学校的相关机构和协会甚至是校外的机构合作开展相关的专业竞赛，促进学生的学习积极性（如我校的手绘比赛等），使学生的课堂学习、课外比赛和训练结合起来。4.关注专业网站的相关竞赛，合理的组织学生参加，促进和校外同学的专业交流。

三、结语

园林设计薄弱专业课时少、学生多、基础差、教学条件一般等是很多教师面临的问题。面对这样的困境，园林美术的教学不能采取强势专业的传统方法，一味地追求高大上，而要根据自己的特点，制定较为切实的教学策略，把握各个教学环节的衔接，讲求教学的效率，抓大放小，调动学生的主观能动性和学习积极性。

作者：杨盛 张鸿 单位：广东省肇庆市端州区肇庆学院生科院园林教研室

美术课程教学研究:艺术设计美术课程教学体系的构建

一、构建适应当代艺术设计师基本素养培养的教学模式

（一）当代艺术设计与设计师的素质

杰出艺术设计师应具有两方面的基本素养，即知识的素养和创意的能力。知识的素养包括设计专业的知识、视觉艺术的素养，还有科技、消费心理等方面的知识。创意的能力是指具有敏锐地把握当下流行的元素，并将各种信息加以艺术综合和创造的能力。艺术设计是一种创意活动，其不同于工程领域中的设计之处就在于创意性。创意性首先体现的是设计者的个人观念，其次是在艺术设计产品中彰显出设计者独特的综合能力和创造力。飞利浦（中国香港）设计公司创意总监肖恩•休斯曾说过，其设计哲学就是，如果不能充分理解消费者、商业本身和工业科技这三大市场支柱，就不能生产出有意义的新产品。而对着三大支柱的综合考虑，如果不能增强产品结构的创新性，就会阻碍它的创新性。为了设计出有意义而又实用的产品，作为设计师，我们有责任去理解并应对这些分散因素所带来的挑战。

要应对挑战，就必须进行创新，即对设计者所面对的各种信息进行综合，创造出不同于其他产品结构的作品。因此当代杰出艺术设计师，仅仅具有纯粹的艺术设计专业技术是远远不够的，应具有谙熟当代艺术设计语境的素质以及综合创造的能力。当今是信息的时代，是大数据的时代，是互融、交互的时代。艺术如此，艺术设计同样如此。正如新媒体艺术家阿斯科特所认为的那样，我们正在走向融合的艺术，其反映和建设在现实中的融合的文化。融合思想的应用具有独特和积极的影响。它加速了技术智力的进化、消灭正统思想、挑战代表性、打破教条、直面唯物主义、要求参与、杂交身份、舒缓社会交往并重新排列时间和空间的秩序。杰出的当代艺术设计师应适应当下融合时代的要求，将综合各种信息，并且能够加以重组，进而进一步创意，是为综合创意的能力，这就是当代艺术设计师所具有的素质。如何应对培养和提高未来艺术设计师素质的挑战，是每个从事艺术设计的教育者首要解决的问题。这个问题的解决取决于课程教学模式的改变，构建新的教学模式，这种模式是围绕着当代艺术设计特点，培养艺术设计专业学生艺术设计的基本素养，着眼于培养对信息的综合能力和创造能力，或可以认为这些能力的培养是产生设计大师的必由之路。

（二）以“作”为行为方式的美术欣赏课程的教学模式

开设不同课程，给学生建立了学习和掌握不同知识信息的平台。就美术欣赏课程而言，它为艺术设计专业的学生提供了艺术形式、观念、艺术思潮、社会、美学等方面的信息，这些知识信息是艺术设计师具有的基本素养。美术作品本身就是多种信息的组合体，这些信息包含着艺术家的观念、审美以及创作定式，同时还打上艺术家所处的那个时代的烙印。传统的美术欣赏课程教学注重对美术作品的信息解读，尤其强调对美术作品的感知，强调个人性情的陶冶，即便是艺术设计专业的美术欣赏课程（包括近期出版的一些艺术设计专业美术欣赏的教材）也强调美术欣赏的共鸣，教学方法是着力于知识的把握、作品内容和意义的解读、形式和技巧及表现性的讲解。这种教学模式是一种知识传授，是一种“述”的表达模式，是一种由作品到作品的解说方式，这种模式下的教学充其量只是达到个人修养的目的，在当前这个强调艺术创新的时代远不能满足艺术设计师对于艺术设计基本素养和创新的要求。

对于学习艺术设计专业的学生来说，要构建不同于传统讲述式的教学模式，建立新的以“作”为行为方式的美术欣赏教学模式，所谓“作”，即做、创造，即关注如何引导学生学会重组信息、如何建立再创造的观念和方法。在提高艺术设计专业学生的视觉素养的同时，培养学生的再创造思维能力，这种能力是将美术作品中所含的各种信息进行重新组合排列，并将自己的认识融入到美术作品中，进行再创造，从而赋予美术作品新的意义，在此基础上衍生出不同于这件美术作品的全新的艺术信息，即新的形式和评价，这种新的形式与评价是能与艺术设计建构起某种关联关系。学生能通过这种关联，将这个新的艺术形式和评价应用于自己的艺术设计中。因此，艺术设计专业的美术欣赏课程教学模式不是停留于“述”的层面上，不是仅仅对美术作品的解读，而是在“作”的层面上，这种“作”的方式就是重组与再创造，即对信息的重组和再创造，这种教学模式是思想行为的方式，其教学方式是培养艺术设计专业的学生树立独立分析、解构的行为观念，养成重新组合艺术、观念、社会等信息的行为方式。

二、行为观点和方式教学模式下的美术欣赏课程教学

艺术设计的主要要素是图像形式和媒材，这也是纯艺术作品所具有的要素。如果说纯艺术强调个体的主观表现，那么艺术设计更强调实用的原则。以“作”为行为方式的美术欣赏课程教学模式，主要观点是强调行为的观念，即要求艺术设计专业的学生在课程学习中树立自我创造的观念，具体到课程教学设计上应围绕如何引导学生将重组的艺术的信息，并由学生独立思考或团队合作来解决如何将思考合议的结果，应用到他们解决设计中遇到的问题，从而提高他们的创造能力。

（一）解构、比较、综合艺术的信息

艺术“很大程度上是自由发展的思想，以及创造包含着它们的形式与结构”。美术欣赏课程教学中首先是解构，即对不同作品中点、线、面、结构进行分析、理解，找出其中的各种关系；其次是比较，将作品包含的艺术信息进行对比研究，探究艺术信息的关联性与延伸性，寻找反映这些信息的目的性。例如，在美术欣赏教学中可以通过解构和比较毕加索与其他艺术大师的作品，引导学生认识、了解图像的形式和观念，理解艺术大师是如何综合艺术的信息。立体派大师毕加索曾研究过塞尚等大师的绘画，通过解构毕加索的作品，以及对比其他大师的绘画作品，可以看到毕加索修长人物的造型受到了西班牙画家格列柯的影响。被称为现代艺术之父的塞尚对现代艺术的贡献，不仅是改变人们艺术观察与艺术思维的方式，而且用全新的艺术表现手法来诠释艺术。毕加索几何化表现方法，正是在这个基础上发展而来。毕加索同样也吸收了黑人艺术的元素，他的艺术是在分析解构他人艺术信息的基础上，激发了创作的灵感，进行了重组与再创造。美术欣赏教学中将各名家作品中所涵盖的信息加以比较，正如在欣赏毕加索的艺术时，可以将他与格列柯、塞尚等大师的作品联系起来加以比较研究，找到艺术大师分析、综合信息的方法，为下一步进行重构艺术信息做好准备。

（二）重新建构艺术的信息，结合现代艺术观念，激发设计的灵感

美术欣赏课程教学中，首先是引导学生解构作品的形式、色彩、构图、空间等关系，其次是联想与重组。当一幅作品展现在学生眼前时，学生作为美术作品的观众需要融入其中，了解作品的建构，究其原因，延伸艺术作品的意义，从中寻找出可能激发学生设计创意的灵感，将零散的、不规整的元素重新组合起来。将现代艺术的形式、观念引入到艺术设计中的方法是现代艺术设计大师的主要手段，无论是西摩•切瓦斯特、冈特•兰堡还是福田繁雄，无不是将艺术信息、现代艺术观念加以综合与创造，进而成就自己的设计风格。艺术贵在创新，而创新贵在对信息的综合与创造。现代艺术无论是观念还是形式上都给予人们许多启发，激发其他艺术家的创作灵感。现代艺术大师波洛克通过描绘漩涡、循环、联系，以及色彩和线条的融合来模仿连接性，也为现代绘画带来了更高吸引力的网络世界中的形象。

波洛克是及时个将牢牢固定在画框中的画从艺术馆的墙上摘下来的人，他开始关注的是大地艺术，为行动和交互提供场所，为的观察方式、想象和构筑奠定基础，并形成全新的艺术美学态度，直接影响着我们这些数字空间中的主要继承人和受益人。现代主义艺术思想对艺术设计思想有着很重要的作用，以现代平面设计为例，立体主义的形式、未来主义的思想观念、达达主义的版面编排、超现实主义对插图和版面有着很大的影响。他们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养，或是在形式上提供了改革的借鉴。时代已经打破了唯艺术至上的神秘光环，人人皆是艺术家，生活为艺术提供了所有的一切，艺术与设计、艺术与科学相互渗透、相互融合、互为启发是当代艺术的特征之一。分析艺术现象、艺术观念的形成发展，可以清晰地显现出艺术作品与艺术设计间的相互影响，这种分析综合在美术欣赏课程教学中的运用，能够对当代艺术观念有深层的认识，能够启发学生的进一步思考，从而激发艺术设计的灵感。

（三）创造能力的培养

美术欣赏课程的教学模式根据不同的教学对象而建立，对于艺术设计专业的学生而言，教学模式应围绕创造力的培养而设置。这种创造力是能创造出新的图像形式、观念的能力，对学生在设计专业实践中起到引导作用。这种创造力的培养是在“作”为行为方式的美术教学模式下，进过分析、综合、重组信息的基础上产生的。正如塞尚，他之所以成为现代艺术之父，就在于他对以鲁本斯、德拉克罗瓦，以及威尼斯画派、巴洛克风格绘画，还有印象派的绘画进行了大量的研究，发挥其色彩的敏锐感，将分散于各派的形式、用色这些元素进行重新组合，延伸其中的艺术意义，构成了其独具个性的结构形式。这是一种创意的行为，是设计专业学生必备的素养之一。

日本设计师谷口广树谈到自己的艺术设计学习过程时说：“大学时，我选择了造型设计的研究室，而不是可以直接学习平面设计的研究室。我们学过漆艺和型染，也学书法、铜版书和网板书（绢印）等课程。当时学习的王羲之和颜真卿的书法，成了我拓展表现领域的杀手锏。此外也受教于当时的新锐画家有元利夫先生，通过云繝彩色习得日本画的基本知识，有助于了解有元利夫作品的方法论，而我在感受到这些不可思议的因果关系的同时，也激发了创作的热情。创意的灵感来自主客观的契合，这些契合是在艺术设计方面为有意识和有行为的人准备的。有了创意的灵感，即可为创造打下基础，培养和提高创造能力。

三、结语

以“作”为主要特征的美术欣赏课程模式的建立，是适应艺术设计专业特点，力图培养和提高学生艺术设计的创造能力，是培养艺术设计专业学生创造力的一种方式，或可以认为，艺术设计专业的本科学生通过对美术欣赏课程的学习，能通过作品解构艺术思潮和艺术形式等各种信息，并能对这些信息进行重组，进行再创造，诱发进行艺术设计的设计灵感。这一模式是培养学生能独立思考，激发学生独立创意的行为方式，是改变传统的美术欣赏课程重知识信息传播的观念行为，是重新构建重组信息、进一步再创造的创意行为。

作者：钱锡仁 单位：南京晓庄学院美术学院

美术课程教学研究:民间美术课程教学

摘要：文章通过分析指出民族高校民间美术课程在文化遗产保护中的地位与作用，并针对民间美术课程教学的现状，提出一系列亟待解决的问题，深入探讨了民族高校民间美术课程的教学方法与课程设置。

关键词：民间美术课程教学

2005年3月,国务院办公厅下发的《关于加强我国非物质文化遗产保护工作的意见》，正在成为当前我国文化教育事业的重要导向。高等教育特别是民族高校的民间美术教育，在保护文化遗产的崇高事业中，发挥着积极而又巨大的作用。

一、民族高校民间美术课程的地位与作用

民族高校的作用及其性质，决定了其在保护民间美术遗产的过程中，具有“继承”和“传播”的天然优势与特殊功用。

民族高校是通过对专门知识的系统传播和综合修养的规范培育，是在造就高等级专门人才的过程中，进行文明传承，推动社会进步的系统工程。对于“非物质文化遗产”的保护来说，不仅民族高校拥有的丰富智力资源即专业师资力量，可以为之提供相应充足的专业指导，而且其行业长期形成的高等级人才培育生产机制，包括教育内容的体系化、教育方式的集约化和教育手段的规范化等。无疑通过人才培养，从根本上解决传统文化传承人后继乏人的状况，具有无可比拟的优势。所以民族高校民间美术课程及时参与到民族文化遗产的普查、研究和教育工作中去，不仅仅是现实的选择，更是民族高校教育责任和义务的必然。

民族高校的美术专业，较之纯美术性的专业院校而言，由于人才的培养方向不是过分的“高精尖”，但学校的学科建制较全，资源背景的依托面较宽，可以在虽然相对“平面”的教学机制中，融入并且加大对于民间美术文化的保护与传承性教育力度。不仅使民间美术的教学内容进一步充实和扩大，而且有意识地进行民族文化遗产传承与保护性的专门课程设置。从而使自己的专业教育，不在“创新”与“发展”的意义上与纯专业性的美术院校去争雄，而是在“继承”与“传播”的意义上，确立自身美术专业民族高校的特殊地位，打造自身依托本校的综合性学科资源，进行民族民间美术发掘与文化传统弘扬的独特品牌。

二、民间美术课程教学的现状及问题

1.在传统的美术教学中，学生接受的都是西方三大构成的造型体系和色彩观念，而对本民族土壤中的民间造型和色彩体系知之甚少，除了教师的认识不足外，更重要的是从高校教学大纲上就未能给民间美术以应有的说法。这并非是说美术教学中都必须拿出大量的学时来学习民间美术，但作为一种造型和色彩观念的训练还是大有裨益的。因为民间造型观念是有着自身独特的观察和思维方式的，是区别于西方的一种造型体系，对它的学习将有助于拓展学生的观察和思维方式。民间艺术以其造型质朴，宽泛开放的内涵与现代设计艺术的某些观点形态息息相通，对它的认知和解读也必将使学生加深对艺术的理解。

2.对民间美术的研究多流于局部性的研究，缺乏宏观感，尚未对一个民族和地域的文化与美术教育的关系进行较为整体的研究。

3.民间美术的教学一直是个薄弱环节，缺乏适用的教材，多媒体课件教材更是一个空白。目前已出版的相关多媒体软件尽管也具有学术价值和欣赏价值，但与该课程现行教学大纲和教学内容不相适应，欠缺学生自主学习的交互系统及网络系统。

正是针对这些特点，我们强调民间美术课程应站在一门独立学科的角度，建立民间美术自己的教学体系，关键是教学内容的定位、更新和优化，通过精选教学内容、优化教学过程、合理选择教学媒体，教学力求有很鲜明的特色和很强的针对性，这样才能达到有效地提高教学效果和教学质量的目的。

三、民间美术课程教学方法和步骤安排

作为一门独立的学科体系，民间美术应该具有自身的教学方法和系统的教学步骤安排。

1.课堂教学：民间美术课程教学主要是基本理论讲授和课堂组织讨论、答疑两大部分。基本理论讲授主要是通过介绍、讲解、评价民族民间美术的起源、发展和沿革，欣赏民间美术作品，使学生了解民族民间美术产生的文化背景、时代特征、材料和制作工艺。让学生在有限的课堂学习中，较系统地了解和掌握民族民间美术发展的基本线索和基本概貌，遴选民族民间美术中数百幅代表作进行鉴赏，从具体作品在历史潮流中的发展和具有超越历史的审美价值的“构造”两方面，明确世界艺术多元化存在的必要性，明确一件艺术作品的生成，往往体现着创作者的美学意识与外在环境呼应的关系，无论是为艺术而艺术，或是为社会而艺术，创作者的选择，均与个体之于社会的判断有关，在时代的转轮之下，艺术图像的显影，如破碎晶片般反射出年代烙印下的不同人文角度，也因此，在同一年代，我们可以看到许多不同风貌与风格的作品。创作者的选择，已是艺术形成的一环，而民间美术，正是由这许许多多不同的选择而积累成型。在教学过程中组织课堂讨论是教学互动的体现。通过提问、讨论、答疑，启发学生进行思考，让学生主动完成课题，同时还能帮助教师改进教学内容和方式，起到教学相长的积极作用。2.利用现代信息技术：教学使用多媒体技术，采用专题及个案研究的体例，将民族民间美术中不同地域的器物造型、艺术造型、代表人物、代表作品系统完整地以文本、图像、动画、声音、背景音乐等资讯资源以一定数位化格式存储并传播。在文本上以简明扼要的文字勾勒出在政治、社会与文化交织影响下的民族民间美术发展的概貌。在图像上以宏观的方式，随着年代和观念趋势的发展，介绍和赏析民族民间美术与现实环境互动下的艺术作品。对民族民间美术的沿革、具代表性创造者的生平和创作的人文背景及作品作剖析并结合艺术作品的风格合成相关的背景音乐。创设一种情景交融的艺术氛围，让学生的视觉、听觉在欣赏过程中达到共鸣，在轻松、愉悦的气氛中得到美的享受，达到的欣赏效果。

建立我们自己设计的“民美教育在线”网站，实现资源共享。这些资源的表现形式包括文本、图像、音频、视频等。进入“DIY论坛”进行展示、跟帖点评等方式，引导学生相互交流、展示，使学生的分析问题能力、合作能力、操作技术能力等在不知不觉中有很大提高。我们的教师还可利用大学生的特点设立民间美术课程的教学博客，将教学内容、课外阅读资料到网上供学生学习和参考。同时，还通过博客讨论区与学生继续探究对课程的理解和看法。学生的作业也可以通过网络提交，既有展示的作用，又可以让学生互相观看评价彼此的作品。

3.专题讲座：专题讲座是把抽象的理论知识化为具有代表性的具象“点”的深化研究过程。聘请国内外的民间艺术家来学校讲学、授艺，针对民间美术的某个专题或个案做深入地讲解。(转第57页）(接第49页）这样既可以弥补课堂笼统教学的不足，学生又可以直接从民间艺术家身上学习精湛的技能和的人文精神。

4.社会调查研究：在校外建立民间美术实习基地，教师可带领学生考察博大精深的民间美术，拓宽学生视野。民间美术的传承性教学，如果没有对民族文化内涵的掌握和对民俗风情的了解，不但无法学到精髓，而且无法原样传承。民间美术大都与特定的民俗节日、风俗礼仪和宗教信仰有关，结合民俗节日和风俗礼仪活动，带领学生走出校门，参观、采访，进行人文内涵的考察，了解那些民族民间美术的文化渊源，感受环境、观察民情、体验生活，引发学生的创作灵感。在采风发掘和录像以编写教材，并积累教学素材的过程中，要特别注重对这些民间美术的存在方式及其文化意蕴进行深入地考量，使之能够作为传承性教育的重要内容。

5.研究机构：在校内创办民间美术工作室或研究机构，例如中南民族大学就成立了南方少数民族美术研究所。民族高校由于受地域、信息等诸多因素的影响，不同院校相比还存在很大的差距。如能立足本地、因地制宜，以本地区文化遗产普查、研究作为切入点，利用自身在地域上的优势和其他高校以及科研机构建立信息和技术合作，必将有助于科研和学术的深入和提升。同时科研的深入也必将带动教学方式和内容的进一步改革。通过对地方民间艺术的普查、研究，可借助其资源来丰富和完善民间美术课程教学。

民间美术课程的教学，除了培养和加强学生对中国传统文化的认知外，同时也有助于民族文化遗产普查和研究的深入，因为民族高校的生源大多数来自于本地市州或所辖的县、乡、村等少数民族地区，而地方的民族文化遗产又都集中遗存在这里，所以民族高校在发展民族文化遗产普查研究工作中能够得到学生及时、的田野信息反馈。当学生掌握了这些民间造型和色彩运用规律，又能够很好地把握中国传统文化的精神内涵，就有理由抛开文化形式的束缚，尽可能用现代艺术语言去创作能够传递文化内涵的符号，到那时，我们能够自豪地说，我们继承和发扬的是中华民族传统文化的灵魂与精髓。

结语

笔者在近几年教学实践过程中，综合运用以上教与学的方法和步骤，已经取得了较好的教学效果，学生最初由被动转为主动，对民间美术课程普遍产生了很浓厚的学习兴趣。此外，在民族高校中，将民间美术课程设置为全校学生必修的公共课，关于民族民间美术文化的知识普及会得以实施，对于未来学生在各自的专业领域，适时适当地进行与民族民间美术有关的工作和教育活动，也会有所裨益。有关民族民间美术文化的传承性教育手臂，也在无形之中得以延伸。只要我们根植于民间美术这块肥沃的土壤，民族高校的美术教育，一定会在这场空前的“非物质文化遗产”保卫战中，做出自己应有的贡献，共同赢得美术文化丰富多彩的美好未来。

美术课程教学研究:高校美术课程教学

内容摘要：美术课程的编写逐渐从单一的绘画,向多门类、多方面、多层次发展,高等美术院校美术课程设计要针对不同的教学目标具体问题具体分析，做到因“材”施教。完善高校美术课程设计，突显美术教育对人才培养的意义。

关键词：师范美院设计应用类美术课程设计

人类从开始懂得用教育发展自己以来,经历了艰难而沉重的跋涉。如今,人类自身的发展也日益显示出美术教育的隐性价值。而高校美术教育的关键是使美术所包含的相关各科相互联系,相互融合,通力合作。因此,我们需要构建新的高校美术课程体系。

美术课程的设计,通常是指学校设置美术课程类型和对不同的美术类型课程的教学目的、内容、进程、评价等设计的总体方案。美术系在长期的办学实践中，逐渐形成了独特的课程编制理论，即“以美为魂，以术为本”，使美术人才培养目标的脉络逐渐清晰，即以学生的健康发展为目标，培养学生基础美术理论，培养学生熟练地应用技术的能力,培养学生的先进教育教学理念。

随着社会进步,美术课程编制也有所发展,不再只拘泥于传统国画、油画、书法、中外美术史、教育学、实习等课程,还设置有工艺、版画、创作与写生、染织、动画、考察等课程。由此来看,美术课程的编写逐渐从单一的绘画向多门类发展。高校美术的课程可以分类为师范、美院、设计应用类美术课程设计三个大方面。以下几点是笔者对高校美术教育课程设计的一些思考。

一、师范类美术教育课程的设计

随着网络运用与普及，美术学科教育不再是单一的知识与技能传授，而是传递美术文化与育人相统一的社会实践活动，它还具有促进感知力、观察力、表现力的发展，开发右脑思维与创造力发展的多种教育功能。因此,师范院校是为普通美术教育输送美术教师的摇篮,对于提高全民族的素质教育有着杠杆性作用。

高师院校承担着高中和中等师范学校的师资的培养,因此,做一个热爱美术教育事业、甘当人梯的普通老师是师范类高校的教育目标。其次,其专业设置面广,无论是国画或是西画,无论是实践还是理论,无论是工艺还是实习等均为必修课，其目的是使师范生根据教学目的及其特点，掌握美术知识和技能。高师课程设置应该以各门美术技能专业为主,与教育学、心理学、中外美术史等相结合,形成立体交叉的思维、教育模式。以下是几所师范美术系的课程设置对比:

由此得出结论:高师教育是以多门课程为基础,技法课和理论课相结合,与教育学、心理学等相关学科相互结合、渗透、融会的一种学科。

二、美院类美术课程设计

有史以来,各类美术人才的培养基本上是在师傅带徒弟的传授中进行,所以它的发展是缓慢的。随着社会进步,改变了美术发展缓慢的轨迹,产生了规模更大的皇家美术教育机构——画院,即现代美院的前身。

自东汉时期洛阳鸿都门学创办,到五代十国的南唐画院和西蜀画院,以及宋代的翰林图画院的兴起,画院规模已经很大,人才众多。清代由于西画家进入中国,透视、结构、色彩深深地影响了中国美院课程设置的发展。与此同时,外国的美院教育也有所发展,1498年的达·芬奇学院,1562年的佛罗伦萨绘画学院,1648年的法兰西皇家绘画雕刻学院,都最早形成了一套较为完善的组织形式,成为各国美院的楷模。

在课程设计上，美院主要特点是课程设置的专业性，从入校开始就明确了油画系或国画系,四年专攻一个专业。美术院校注重的是美术技巧的培养和训练，培养的是专才。以下是美院的课程设置的对比:

专业美术教育是国家专业教育不可缺少的一部分，由上表可以看出，课程设置主张学生专攻一个学科，相关的鉴赏课、史论课等开设的很少，相对于师范，缺少了教育学、心理学等学科。美院追求的是在某个画种方面有独特的研究和创造，或在某一个领域的理论有独特的见解，所以美院的课程设置也应该与之相适应，发展和培养学生的艺术感知能力和造型表现能力，使学生在未来能成为真正的艺术家。

三、设计应用类美术课程设计

设计应用类美术简称工艺美术教育,由于流传方式单一，很难形成教育规模。由于工艺美术与经济密切相关，而工艺美术的发展要依赖于工艺美术教育，所以说，高校工艺美术教育的发展间接地影响着经济的发展、社会的进步。科学的课程设计对于高校工艺美术教育的发展是至关重要的。

由于工艺美术教育是面向现实生活的设计教育，其范围之广，加大了高校的课程设置的难度，它大到飞机、整个城市的设计，小到商标、纽扣的设计。工艺美术教学的基本原则是培养具有创造性的设计人才。以下是两组关于大学工艺美术课程的课程设置表格：

我国的现代设计教育起步较晚，但发展很快，所以不可避免地出现一些问题。高等设计院校培养的学生的设计作品中应该体现出更高的文化修养。设计课程应与市场相适应。现在，国内的设计教育与市场出现脱节的情况，忽略了教学体系的科学性、完整性。加强理论课、选修课的教育，重视交叉学科和电脑的教育，是我国课程设计要解决的重点问题。

课程设计教学是一种全新的教学，必然存在各种需要解决的问题。从实际问题入手，以解决在教学中的普遍问题为立足点。新课程教学法必须是在课程实践过程中发展和获得广泛认同的教学法，必须结合课程改革中的具体问题，通过以上三个方面的思考，高等美术院校的美术课程设计要针对不同的教学目标具体问题具体分析，编写不同的教材，做到因“材”施教。