国画教学论文篇1

作为民族艺术的中国画，与中国文明的形成与发展有着密不可分的渊源关系。“意象”思维正是中华民族经过长期思考与实践所创建的一种了解世界、创造文明的认识观与方法论，也是中国传统文化的思维大观。写意画以“意象”构成的方式来表现客观事物，在艺术创作中实现对自然物象的超越而达到一种主体情感的流露，并不是对客观事物的漠视和否定，而是更加深入地把握客观事物的本质。它有自己的审美理想和表现形式，是传统绘画中的精华，它渗透着深厚的民族文化底蕴和中国艺术精神。以“意象”构成的方式来表现客观事物，在艺术创作中实现对自然物象的超越而达到一种主体情感的流露，并不是对客观事物的漠视和否定，而是更加深入地把握客观事物的本质。它有自己的审美理想和表现形式，是传统绘画中的精华，它渗透着深厚的民族文化底蕴和中国艺术精神。可以说，写意画是中国艺术精神的具体体现。以“写意”为宗旨的中国画在选择其“达意”的表现形式时，是以重“神”轻“形”为原则的，它不注重物象的明暗体积；不追寻物象的写实关系，而是确立了“墨线”——这一古老又纯朴的“意象”符号，并赋予它更加丰富的情感内涵，形成中国画与西洋画从形式到本质的区别。不同的思维方式，造就着不同的艺术表现；不同的艺术表现，又体现了不同的思维观念。中国画受特定思维影响所造就的“写意”式造型表现，正是中华民族的理想、愿望以及“民族精神”的真实写照。写意画在长期发展中，造成了主客观结合的独特方式，在再现客观世界和表现主观世界的结合中，主观世界的表现成了主导方面，画家是用“写意”主导“传神”的所谓“妙在似与不似之间”的造型观，要点是不走极端，既抽象又具象，“似”是像对象，是重客观，“不似”是像主观感受，也更重视主观，既不与照相机争功，又不是绝对不似，总之是重在主观表现。石涛说过“画者从于心者也”。画家虽然要以客观世界为依据，但不是被动地模拟对象，画中的客观对象已经经过了画家心灵的陶融，注入了自己的感受，而且不同的人感受也有所不同。

三、培养学生的“写意”造型观

中国画表现物象、反映生活，都有自己的认识和方法。中国画家对生活中的实体形象在提炼、概括当中，运用的不是写实手法，它追求的不是形象的真实性、典型性；而是形象的概括性和类型性；通过形象的“意似”和神韵，揭示其本质特征。在表达作品的思想内容时，注重含蓄，强调的是寄寓性、曲折性和抒情性。那么，中国绘画艺术审美意识物化形态的特征是什么？简单说来，就是“写意”。以“写意”为宗旨的中国画在选择其“达意”的表现形式时，是以重“神”轻“形”为原则的，可以说，写意画是中国艺术精神的具体体现，不同的思维方式，造就着不同的艺术表现，不同的艺术表现，又体现了不同的思维观念。在中国画笔墨练习教学中，墨色的交融，干、湿、浓、淡、清构成水墨淋漓的情趣世界，使学生在这种笔墨的变化中得到无穷的乐趣，这对学生既是一种美的启迪、情操的陶冶，也是一种国画技法训练。中国画教学以引导学生的“意象”思维及“写意”造型为主，并不是不学技法、脱离技法，而是依此指导技法的正确运用。因此，在中国画这一特定性的教学活动中，正确引导和培养学生的“意象”思维，让学生掌握“写意”的造型观，并依此去指导技法，驾驭技法，才能使中国画教学的目的得以正确贯彻。

全方位多角度的教学方法是成功完成国画教学的重要组成部分，国画教学不仅局限于课堂内，也可以课内课外相结合，如定期举办学生的美术作品展览和开展美术第二课堂活动。中国画博大精深，是我们美术教学取之不尽的艺术源泉，怎样更进一步地搞好中国画教学，使我们的民族艺术发扬光大，后继有人，还有待于我们在教学实践中不断地探索、研究，并为之不懈地努力。

内容摘要：中国画在美术教学中占有很大的比重。中国绘画在其形成、继承和发展的长期过程中，始终紧紧依附于中国传统的哲学思想和文化理念，加上中国画所用材料的特有功效，形成了其特有的艺术风格，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲，也是中国画教学的重要任务。

关键词：中国画意象教学

中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，经历了自身发展的辉煌岁月，它不仅为我国历代各族人民所珍爱，同时也对世界艺术产生了深远的影响，它在漫长的发展中经过对自身表现形式的反复锤炼、升华而日臻完善。

参考文献：

[1]王华新.高师美术教育的反思与策略.美术.2005.7

国画教学论文篇2

如《熊猫》一课，首先是让学生观看熊猫的图片或让学生讲述一些有关熊猫的故事等，在学生了解了有关熊猫的结构后讨论一下用墨的处理。再让学生分析熊猫的生活习性，或者讲述熊猫有关的动画片等，最后把自己所想表现的形象以及周围环境作进步的练习，并且完成一幅作品，这样学生有一个自由发挥的余地，给予创作的空间。

二、改变形式，提高学生的兴趣。

传统的教学中是以教师传授技法为主，重视画面的构图，每位学生在已有的框式下进行临摹，学生最终只能成为画匠。学生间的联系较少，缺少互相比较共同进步的机会。我在课堂教学中如《猴子》一课，是让学生观看猴子在现实生活中的录像，在分析猴子的结构特点以后再对用墨做了相应的要求，通过示范，学生对猴子的画法了解了，再让学生进行分析自己如何来完成一幅有趣的作品，通过练习，最后要求全班同学在一张长卷上共同完成一幅画。这时学生的自主性得到发挥，同学间的协助精神得到培养。通过共同作画学生能够相互取长补短。绘画水平得到提高，同时学生的绘画兴趣也越来越高。

三、多渠道，培养创新意识。

教育家陶行知先进言：“世界上人人是创造之人，时时是创造之时，处处是创造之地。”康德言：“人是借助令人惊异的能力——想象力创造文化的生物。”培养创新意识，首先需要以下几个条件：①创设一种宽松的教学气氛，使学生充分开展创造认知活动，产生乐于创造要求。②民主、亲密、平等与和谐的师生关系，是进行创造教学、培养儿童创造性的前提。③在创造教学的内容安排上，必须具备准确的有利于产生联想的指导理论和有利于创造思维的充分活动。

1、我在课堂教学中是这样安排的，如：学生之间或师生间共同讨论如何完成一幅画，例《公鸡》一课，在表现了公鸡以后，背景的处理可让学生各抒已见，进行讨论，教师尊重学生的选择，这样学生能够创造出丰富多彩的作品。

2、采用国画中的各种表现方法，如：①揉纸法，作画前先将纸揉成一团，然后轻轻展开，使皱纸平整后才能作画，也可有部分利用揉皱，用这种方法画出来有一种肌理效果，例画树干等。②没骨法、填色法、点染法、晕色法、平涂法、擦染法、洒落法、拓印法、加剂法等等，这样使学生能利用各种表现手法来对心中的事物进行描绘，使之能获得得成功感，提高学生的创作热情。

四、内容形式多，学生热情高。

传统的国画教学内容不外乎山水、人物、花鸟以传统的单墨进行着，小学的国画教学内容的选择应符合儿童的心理特征，贴近他们的生活。如描绘“我的家长”、“窗前”、“校园”等，这些对他们来说是非常熟悉的，所以绘画起来非常有劲，这对学生的创造思维也得到培养，同时学生在进行绘画时经常考虑到如何用笔、用墨和用色，这对学生绘画综合能力的提高是非常有益的。

五、工具材料的更新，使学生产生新奇。

受到传统国画的影响，学生头脑中绘画国画的材料是毛笔、墨汁、国画颜料。而我在教学中允许学生用水粉颜料，并且能用水粉画的方法作画，还可以用油画棒等材料来作画，这样学生在材料的应用上是多种多样的，学生乐意利用其它各种材料来进行绘画，效果也十分理想、兴趣很高。

美术教育家勒温费尔特说过：“儿童只要被给予充足的时间、帮助，获得与创造性材料接触的机会，而不被强迫接受成人的模式和规范，那么每个儿童都能成为艺术创造的能手”。在教学形式上我是这样做的。

（一）游戏引入，激发兴趣。

皮亚杰认为：“兴趣是能量的调节者，它的加入便发动了储存在内心的力量。”当学生刚进入课堂，教师进行教学时，由于学生对水墨画十分地生疏。若以传统的模式进行教学，机械地临摹老师的范画，学生易产生厌烦，从而讨论画画，使他们失去一次良好的学习机会。我是这样进行教学的，先让学生听一则有趣的故事，即：“吴大帝孙权，让曹不兴画屏风，曹误落笔为素，因就作蝇，既进，权以生蝇，举手弹之。”来调动兴趣，然后在纸上示范点上一点墨，让学生想可以画些什么？（如蝌蚪、甲虫等）再进行合理的示范，随即让学生来尝试。这样学生的兴趣调动起来了，学生也乐意用水墨画的形式来进行绘画，从学生的作业中可看到学生丰富的想象力，也让学生体会到水墨画的优越所在。

（二）用“玩”来训练绘画的技法

玩是每一个儿童的天性，他们生性好动，敢于去画，教师应抓住他们这一特点，巧妙地进行利用，使他们在玩的过程中掌握技能。如：画“瓶花”利用破墨的方式进行教学，先用浓墨（或色）画各种不同的线描的画，然后用淡墨或水（色），点在画的中间，利用水的张力，以及宣纸的特征，使画产生了漂亮的肌理效果，由于水份的多少或时间的长短产生了不同的艺术效果。学生对这种效果，表现得非常兴奋，而且胆子也大，在这个玩的过程中，让学生感受水份的多少对画面产生的效果的作用。再如，利用写字的游戏让学生在玩的过程中锻炼中，侧、逆、顿锋的应用以及色彩知识的掌握。即，让学生用平时写字的方法在宣纸上用墨写上字，可以把字拆开、叠加、拼合等方法进行书写，写时也可用各种运笔方法，然后在不同的空间填上颜色。通过训练学生对各种用笔、色彩间的关系、疏密关系等知识有了一定的了解。这样，学生的主动性很强，每个学生都有自己发挥的余地。这也是我们中、小学生校的美术教育的要求，不是惯常的“抓两头，带中间”的所谓“正态分布”式的教育，而是让每个受教育的学生都能获得“最近发展区”的发展或“跳一跳，吃苹果”的润泽和成长的完善化教育。

（三）故事的导入，提高学生的知识

中国画发展的历史悠久，名人辈出，名人轶事也多，这对提高学生的知识面，领略国画艺术的优秀有着很大的作用，如：“吴带当风，曹衣出水”、“吴道了一日之间绘成嘉陵江300余里的壁画，而李思训几月足不出户”的故事、“黄家富贵、徐熙野逸”、“马一角，夏半边”、八大山人的“墨点无多泪点多、泪眼中的旧江山”、“哭之、笑之”、齐白石的“不倒翁”等故事，让学生感受中国画艺术的博大精深，以及各种不同的表现方法和笔墨的巧妙之处，拓宽学生的知识面。加深学生对画画的影响，让他们感受到学国画的乐趣。

（四）利用范例，提高学生的表现力。

地质学家李四光说：“观察是取得知识的重要步骤。”观察对低年级的学生来说尤为重要，他们往往看得少，对事物极其生疏，如在画“老虎头”这一课，老师对老虎的各个结构分析清楚，然后让学生感受分析不同情况下老虎的各种神态，再让学生进行创作，这时学生表现出来的老虎各不相同，发火的老虎用红色。也有用各咱颜色，如在画老虎头四周的毛时，有的学生用干笔来画，体现出了笔的质感，这说明他们是用自己的感受来进行创作。每个学生有着自己的理解，他们能够用笔墨来体现自己内心的感受，利用各种不同的范例的比较，让学生选择自己较满意的作品，从而传授些构图等知识，让学生较容易地接受绘画的基本知识。

（五）在内容选择上，力求多样化

传统的教学模式是让学生来临习梅、兰、竹、菊等花卉、山水、鱼虫等，一节课是临习为主，而学生自己主观意念受到限制，只能根据老师的要求做着机械的练习，严重损害了学生的身心健康。我在课堂教学上采用多元化的内容供学生选择，这样既体现了教学以学生为主，也为学生的自由发挥提供了广阔的天地，如画“脸谱”，我让学生先看几十种不同的京剧脸谱和其他不同形式的脸谱，然后让学生自由选择进行绘画，这样学生的积极性很高，创作出来的作品吼十分新颖。再如画“猴子”，先讲清猴子的结构，老师进行示范，强调用笔的方法，然后让学生进行模仿各种猴子的动作表演，再讲述有关猴子的有趣的事情，如母子情等，可观看录像让学生对猴子有更深的了解，再让学生进行创作，这样课堂气氛活跃，学生在一个愉快的环境中学习到了知识，也表现了自己的长处，使得每个学生都看到了自己的进步。

国画教学论文篇3

2.1以线为主，突出国画艺术

素描讲究的是以线条来表现直观世界中的事物，这种线在实质上是不存在的，它只代表物体的边界，给人们展现一种视觉上的幻觉。在我国国画专业基础素描教学中，以线为主来表现国画的艺术感，在我国国画当中，名族风格比较重，反应了我国各地人民的慷慨激情[2]。在教学过程中，学生应当根据我国国画所反映的客观事实，利用线对物体结构进行塑造，从而表现出我国国画的艺术本质。例如在仇东的《论道》中，运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来，色彩明暗凸出了主体与部分之间的关系，从而将我国国画的整体艺术感展现出来。

2.2采用多元化的教学方法

随着科学技术的发展，计算机多媒体技术被广泛的应用到当前高校教学当中，在我国国画专业基础素描教学中，利用现代多媒体技术，进行多样化的教学，利用大量的素描图片和资料进行素描教学，不断扩宽学生的视野[3]。同时，高校还应适当的鼓励学生走出画室，亲近自然，在自然环境中熏陶学生的思维创作能力。从而开阔学生的创作思路，从而创造出更优秀的作品。

2.3加大素描教学材料的运用

在当代素描所用的工具有铅笔、钢笔、炭笔，铅笔在用线造型中能够很好的塑造成物体结构，将物体的造型完美的展现出来，同时还能随时的修改，钢笔在素描中可以将所要表达的物体展现的纤细流利，收放自如[4]。而炭笔可以很好的表现出画质的色彩感，在我国国画专业基础素描教学中，加大这些材料的应用，可以有效的激发学生的创造能力以及创新能力，同一幅素描作品利用不同的画笔进行塑造可以表达出不同的艺术感，作为高校老师，首先自己应该多进行绘画材料的运用，从中找出有效的方法，从而进行素描教学的时候有效的提高教学效率。加大这些绘画材料的运用，不仅可以培养学生敏锐的观察力，提高学生的自我表达能力，同时还能将国画专业素描表现的更加深刻。

国画教学论文篇4

早在魏晋南北朝时期，宣扬“老、庄”的宣言诗就发展到一定程度并成为政治说教，所以变革势在必然。于是自宋初谢灵运始，山水诗开始了历史之旅。“宋初文咏，体有因革，老庄告退。山水方滋”，文人士大夫们为追求象“老庄”哲学那样超脱红尘，净化心灵、清静无为的美学思想。于是，独往烟霞，模山范水，放情林壑。成为“澄怀观道”者的修养之道。千百年来经过历代画家的前赴后继，不断实践，完成了对自然景物由“应物象形”，到“表心写意”这一质的飞跃。画家对大自然有了崭新的视角。

唐人著作中将中国画分为六门，山水列为其中之一，可见早在隋唐时期山水画在中国绘画中已经形成了一个独立的画种，同时，山水画具有复杂的传统技法和完整的传统理论，所以我们在教学过程当中必须遵循循序渐进的原则，以确保学生对山水画的认知与实践能力。我认为山水画学习应经历“临摹——写生——创作”三个必不可少的阶段，下面就从这三个方面谈一谈：

一、临摹

中国画主要是利用毛笔的特性，宣纸的渗透性。把画面表现的淋漓尽致。Www.133229.CoM在表现领域，它的关键取决于自然的感受能力和对笔墨语言的把握能力，两方面把握得好，能绘制出一副很好的艺术品，否则反之。用毛笔对景直接写生。对于学生来说难度是很高的，如果在学校里没有经过一定的训练，学生在写生时将束手无策，无从下笔。所以我们在对景直接写生之前，必须先要让学生进行大量的临摹练习，从中学习、了解山水画的诸多传统技法，感悟前人山水画中的的精神境界，以便提高学生对景写生的能力。

从北宋的范宽到明清的龚贤，流派很多，技法也很多，但都要经过大量的临摹学习，所以在临摹的过程中还要善于总结、研究，了解每一朝代不同时期画派的特点，人文思想和绘画技法。知道画面好在什么地方，哪些地方值得我们学习，哪些适合自己重点研究。说到作画的表现技法，山水画中主要是利用各种皴法来表现山之起伏、树之繁茂的，较常用到雨点皴、混点皴、披麻皴、大小斧劈皴等，其中以线为基本表现形态的披麻皴运用颇广，有长、短披麻之分。这种皴法由五代董源开创，适宜表现江南山水的秀润之态，而荷叶、解索、卷云、牛毛等皴法亦是由其演化得来。我们利用这些皴法加之对古人的理解，吸取他们的精华，整体把握，这样临出来的画。既有古人的精神，又有自己的想法，这就为下一步写生打好基础。

五代山水画家荆浩在自己的理论著述《笔法记》中特别强调了对于自然物象的“真”和“似”的区别，即临摹和写生的区别，提到“似”是“得其形而遗其气”：而“真”则为“气质俱盛”，想要再现真实、生动地艺术形象就必须对真山真水进行深入地观察和研究，明确了对景写生的重要性，同时，也客观的表明了临摹和写生的承接关系。

二、写生

从我们熟悉的城市来到新鲜的大自然，空间的变换给了我们不同的感受，身处自然，感触自然。才能更深刻的表现自然，画家石涛就曾久居深山数十载，之后在自己的画作上无限感慨的题写：“搜尽奇峰打草稿”的字样，其意在于，告诫后辈在进行绘画创作之前，一定要有大量的实践积累作为基础，做到成竹在胸，这样才能创作出生动而丰富的作品。下面是我这几年写生教学中的几点体会：

1、感悟自然

我每年都要带学生到山区写生，在写生的过程当中边教学边实践，有了新的思考。首先要培养学生的情感，鼓励他们用心去热爱自然，感受自然，把自己置身于自然，去感受山川的空灵。古人云：“悟对通神”，想要准确的领悟山水画的绝妙境界，最重要的一点就是在创作的过程中能够全身心地投入，用自己的真情实感去体会。让自己的心灵融入到纯美的大自然当中，真切地感悟山水的灵魂。只有这样，才能使画者的心灵得到净化，进而使山水画的精神得以升华，做到“情境合一”。

2、观察自然

在感受大自然的同时，还要注重培养学生的观察方法，认识大自然的形态、特征和生长规律。自然界物与物之间的关系，山与山之间，山与水之间，山与树之间，树与树之间，水与水之间，人与山水树木之间等等，既要整体，又要局部，整体去观察山的势，局部看精彩的部位，总之，摆在我们面前的自然界犹如一幅画。既有山的开合，又有精彩的画眼和严谨的局部，而关键就在于你要如何去发掘它潜在的魅力。

3、描绘自然

学生通过前一段的临摹以后基本有了一定的技法基础，根据我们对自然的观察和感受就应该细心的描绘，在描绘自然的同时还应该注意以下几个方面：

构图

因为中国画与西洋画在构图上是有根本区别的，西洋画的构图属焦点透视。而中国画一般都是散点透视，不受定点的约束，意在体现“望秋水，神飞扬：临春风，思浩荡”的感受。

取景

可分全景和局部(小景)，取全景时要体现主次关系，还要注意加减，山可以加可以减。也可以加些生活素材，如房子、人物、树木、河流等用以点缀，也可取小景，比如山之一角。水之一涯，可构成一幅小画面。

变意境

在画的同时就是你创作的同时，你可以用心去感受，可以把春天画成夏天、秋天。还可以把冬天画成秋天等，这样能产生新的感觉，同时在颜色上加一些变化，比如用赭石色渲染山顶和山坡可以营造深秋的氛围等等，以此来调动画面的情调也不失为一种好方法。

总之，自然中的景物搬到画面上都需要笔者的组织、经营，画面的构图、面积、虚实的变化和黑白的处理也都要经过深思熟虑、反复推敲。

三、创作

国画教学论文篇5

1.2从多角度入手，提高学生的学习热情

中国画中的山水之灵气，是其绘画艺术最独特的风格。宣纸，墨迹，构成了与西方截然不同的格局。历经数千年的沧桑巨变，中国画的艺术中蕴含了国人的思想与智慧，它与社会、信仰、感悟、审美都密不可分。如何从多种角度入手，去从根本上提高学生的热情，是每一位研究者必须思考的问题。在科技高速发展的今天，课本的教学不是唯一的手段。教师可以通过户外写生，让学生真正地感悟大自然，明白“艺术源于生活”的真谛。不同的创作有着不同的时代背景，又由于中国画与诗歌艺术密不可分，课堂上可以利用多媒体设备等多种载体向学生诉说唯美的诗句，典雅的风景，借此传达出国画中最美好的部分。例如“春水碧于天，画船听雨眠”的雅致，“世间无限丹青手，一片伤心画不成”的寂寥，引导学生去发觉艺术的人生，留下他们自己的春秋笔墨，才是促进中国画美术欣赏教学的最佳途径。

国画教学论文篇6

近年来，国学热的兴起虽然给中国画带来了些许光明，但是中国画教育的发展，受历史的局限与工业化社会的激化，越来越偏离中国艺术精神的本体，无论教育观念还是教学形式都表现出与中国画优秀传统的异化趋势。要么是用毛笔解决素描问题的西画式教育，已经失去了中国画的精髓；要么是临摹、临摹、再临摹的“依葫芦画瓢”，这样的复制古画，没有时代特征，中国画很难得到发展；要么是彻底抛弃中国画的工具材料与美学思想，这样的创新完全没有了中国画特有的艺术语言，超出了中国画学科的范畴，显然已经不是中国画了。过分强调创新与矫枉过正的中西合璧的背后，是中国画审美标准、批评传统与法则、笔墨气韵以及赖以生存的经典元素（笔墨、线条等）等的缺失，并且催生了艺术创作的浮躁心态。在这样的大环境下，对传统艺术的忽视和教学方向的错误，导致中国画研究的学术性和教学质量普遍降低，造成中国画教育发展的困境。

中国画是一种从表现手法到审美理念体现着中国人生存状态、审美追求、思维意趣、原生品性，蕴育着中国艺术精神的艺术样式，其形态即指包括作画材料、器具、样式、风格在内的，有着体现中国技术运用、组织结构，以及依存着的思维框架的整体形态。当代高校中国画教学范畴当然应该针对广义的中国画。广义的中国画，包括晋、唐、宋、元、明、清，所有能体现中国艺术精神的所有绘画。其中，不但包括水墨的、写意，还包括色彩的、工笔的。继承传统艺术精神也不应该以画家的身份做选择，所以广义的中国画，也应该包括壁画、中国民间绘画等。今天中国美术教育的价值取向就在于传承优秀的中国传统艺术精神，当代高校中国画教育的目标，就在于通过对经典绘画的教学，使中国传统艺术精神得以更加广泛的继承、传播和发扬。

二、当代中国画教育的现状

现如今中国画教学的现状是大部分学生在学习期间临摹作业水平还可以，但自身创作，对临摹学习的知识灵活运用却很不足。学生学习上很“机械”，虽然了解了一定的“线基础”，但是却不会进一步运用从而造成学业上很难提高，时间一长会觉的上课内容很“古板”“枯燥”，无法深入。从而很快转移学习兴趣，这样不利于教学的发展，对中国传统绘画的发展也是很不利的。再加上由于商品经济对社会的冲击，现代的学生不可能穷经皓首安心于纯粹的书画研究之中，生存的压力使得一部分学生往往将学习美术仅作为谋生的起点（文凭），而不在于艺术的追求，在此背景下传统中国画逐渐丧失了其传统的文化语境和精神内涵，使绘画商业化和庸俗化。绘画工具和绘画心态的改变给中国传统绘画教学及其创新带来了挑战，传统文化语境的缺失使中国传统文化步入了濒临灭绝、走向消亡的危险境地。

对于中国画教育来说，其课程体系注重“营养均衡”，要求学生要修很多科目的课程，多个科目的必修占用了主干科目的学习时间和经历，尤其是高等师范院校的中国画学生都有“万精油”的通病。由于高考加试科目的限制，导致学生进入高等院校后，绘画专业或涉及绘画的专业（如美术学）的课程设置也必然包含素描、色彩、速写这些课程，这就导致学生在进入高校前后都要把主要精力放在学习素描和色彩上，再加上传统中国画艺术文化课程教学较少，导致学生整体文化素质偏低，缺乏修养。美术专业理论课程的学习一直以来都是以美术史，美术概论、艺术概论以及艺术美学等作为主修课程，但文化课程例如中国历史、哲学、古代文学、书法、篆刻以及传统中国画论的教学与研究则是非常薄弱，中国教学与科研滞后于创作，反过来又限制创作水平的提高，高校毕业以后踏入社会的美术教育岗位的美术教师，由于受自身理论修养的限制，在从事艺术评论与鉴赏时很难再得到深入和提高，进而影响下一代的知识体系。正是这种普遍在理论上的“贫血”，才形成艺术教育质量下降的恶性循环，导致学生一代不如一代。

三、当代中国画教育的发展趋势

一位美国画家曾对刘汝醴先生说：“对于中国画的发展，必然根植在中国艺术传统的基础上，脱离传统的发展，我看只能是瞎发展。”潘天寿先生早在1963年就告诫：“创新离不开中国画的传统和特点。中国画讲究传统笔墨技法，讲气韵和线的应用。只强调创新，不重视传统是片面的，只讲传统，而忽视创新，是守旧复古，也是片面的。创新应在学习传统的基础上进行，充分发挥中国画的特点，保持中国民族特色不是要我们走古人走过的老路而一成不变。陈陈相因，甘为古人的奴隶，绘画就永远没有进步。”潘先生一席话，实际说出了，中国画在求发展过程中要牢牢把握的道理。

中国传统绘画的优秀传统是要传承下来的，中西文化的冲突已经成为民族文化发展的主要动力，西方思想主导艺术发展方向的话语权，西方艺术潮流也己经成为中国新文化艺术的主要营养。作为中国传统文化重要载体之一的中国画，从哲学、民族、文化、心理等多方面与西方文化及其教学方法、手段都有冲击、碰撞。面对历史的变迁，中国传统艺术精神在继承中出现断裂，我们只有把中国画的教育放到整个中华文化的大背景下进行，才能保持它的民族性与经典性。在开放的中国文化市场环境下，要正确认识中国优秀的传统文化，并处理好中国传统文化和西方文化之间的关系。在中西文化大交流的历史背景之下我们必须要重新归置中国文化结构，复兴民族文化大业，建设出具有中国特色的中国画教学体制。这就要求中国画的教学应该在中国传统的哲学观、美学观、方法论的理论指导之下，结合现代美术教学、绘画实践以及其他一切文化成果来进行。这就要首先肯定本民族的优秀文化传统，要对传统进行深入的研究，对传统的研究不能只停留在表面，对中国从古至今的画论和画评也要认真研究、读透。中国画是开放性的，要有吐故纳新、包容接纳外来文化的胸襟，对于外来文化要做到“取其精华，弃其糟粕”，吸收西画中的精华成分以后要能转化为自己的营养，这样才能真正建立起具有中国特色的中国画教学体制而不会沦为其他文化的附庸。

参考文献：

国画教学论文篇7

一、宋代画院教育分析

1.注重文学修养的考试

宋徽宗所设立的画学，标志着中国最早的皇家美术教育机构的确立，宋代画院的画家的选取有两种模式：一是荐举，二是考试录用。画院平常对院画家的考绩也用考试方法。考试除诗文论策外，兼出题作画，其题目多是摘取古人诗句为之。故所画多含诗意，亦为中国画由礼教化进而为文学化之最大原因。以诗题画，不仅使人品尝出诗境之美，而且体验出画境之美，诗与画交相辉映、相得益彰。以诗入画的风气日盛一日，到徽宗朝时，便出现了以诗句命题的考试方式。此类试题都需要应试者体会诗中深邃的意境，把握住主题，再以精妙的画技把主题表现于画面，这绝非一般墨守成规的画家所能做到的，所以当时应试的人接踵摩肩于汴道之上，但“多有不合而去者”，而中魁者往往是能用形象艺术表达诗中神趣的有一定文学修养的画家。这就促进了中国绘画艺术文学化的进程，也开启了在画中有意识地表达一定思想、寓意的风气，形成了中国画独有的诗情画意传统。

2.细密的程设置

宋代画院的绘画分科和课程设置，据《宋史》卷157《选举志三》记载，“画学之业，曰佛道，曰人物，曰山水，曰鸟兽，曰花竹，曰屋木，以《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》教授。可见入学之后的分科分门是十分细密的。画学的学科分为专业课和共同课（类似于我们今天的专业课和文化课或公共课），专业课有：道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门；共同课就是上述的《说文》、《尔雅》、《方言》、《释名》等，此外则设问答（有关画理、画论方面），以提高学生的文化修养，可见画学的学习不仅注重绘画技能技巧的训练学习，还特别重视文化方面的修养。可见宋代绘画水平之高，与对文化修养的重视是分不开的。

3.专业的考试标准

宋代画院的取士标准是：“考画之等，以不仿前人而物之情态形色俱若自然，笔韵高简为工。”这既是取士标准，同时也是宋代画院的教学宗旨和艺术审美标准。“不仿前人”，就是不囿于前人的绘画，要求有所突破和创新；“物之情态形色俱若自然”，就是要求形神兼备；“笔韵高简”，则是要求“笔墨精妙、高古、简洁”。宋代院画家正是秉承着这三条艺术品评标准，不断创新，终于成就了宋代画院的辉煌历史。

二、当中国画教育存在问题

1.单一的入学考试

目前只有很少的几个专业美院自助招生，大多美术专业高考招生都采用省统考模式，考试内容不论学什么专业大都一律考素描、速写和色彩，这就决定了学生必须把主要的精力用于素描、速写和色彩的学习上，而对传统文化和诗词的学习忽略和漠视。进入院校后的学习专业的问题就更突出，由于长期在造型手法上和观念上己形成了西画的“先入为主”，因此，不少学生进入中国画专业学习后的心境仍然处于西画的状态，创作的情境和学习的氛围都会偏离。

2.课程设置重技法轻理论

目前中国画的教学普遍存在着重技法、轻理论的局面，成为一种速成的普及式教学方式。中国画历来讲求“读万卷书”，要想在中国画专业上取得造诣，其自身的文化素质即所谓的“画外功夫”从某些方面来说甚至要比绘画本身的要求来的更高。只会画画的人，犹如低头看路，天天走，也不过是一条小道。通晓美术史的犹如登上高山之颠，俯视天下，千峰万壑，九曲回肠，尽列眼。长期以来中国画专业无论从课程设置安排、教师授课和学生创作等方面都是单一地停留在实用的技法层面，教学偏重技能的传授，主要精力放在技能技法的学习，如线条运用的好坏、造型能力的强弱。注重通过学习让学生熟悉掌握中国画的材料特性、表现技法、形式语言并将这些熟练的运用到自己的绘画创作中，这类的技法课从学生入学开始到毕业至始至终贯穿整个教学目的。学生的创作是否有相应的艺术理论依据支持，学生自己又能研究出什么样的艺术理论，这个方面的问题很少出现在教学中，只是单纯的追求画的出画来就行，而对作品的艺术格调、思想内涵研究得不够，特别是学生看画册的时间多，钻研理论的精力少，很多理论书籍长时间放在图书馆的书架上，束之高阁。而缺乏理论支持和文化素养为根基的作品，也往往显的苍白无力少了内在精神。

三、中国画教学改革思路

1. 完善考试制度

艺术考试是选拔优秀艺术人才的量化方式，然而目前的考试制度忽略了人文素质的培养，也不注重中国画的专业性。在专业考试的科目设置中应该加大中国画考试的专业趋向，除了老的素描、速写、色彩考试外，还应该注重考察其中文、哲学以及书法等方面的知识，只有考试制度得以根本改变，才能从根本上促使中国画的后继者们在专业及文化素质上主动去提高文化学养，后积薄发。

2.改革课程设置，重视提高文化素质和理论学养

课程是连接教育目标和教育活动的纽带，是确立教育内容和方法的基础。在课程设置中应加强文化综合素质课程，艺术课不是单纯的技术课程，而是一种人文课程。我们的学生不管是为了现在更好地理解艺术，还是今后从事教育工作传授艺术，都要有浓厚的人文素质，因此必须增加一些如哲学（尤其是东方哲学）、宗教、历史、文学、美学等文化课程，调整公共文化课程，对那些国家规定开设的科目，要对其教学内容及方法进行改革，切实加强与中国画专业的结合与融会贯通，提高学生学习的主动性和积极性。此外，还应建立新的中国画教学理论体系，制定新的中国画教学计划， 全面加强传统文化理论知识的教学和学习，充实本专业的理论教材，内外兼修，以达到真正提高学生的艺术素质的目的，使之更深入地理解美的本质，掌握美的规律，提高审美鉴赏能力和创造能力。

宋代画院是中国画传统教育模式的典范，它强调了对传统文化的学习，推崇画面文学诗意的表达，成功地解决了形似与格法的二元悖论……这些都是我们今天的中国画教育所缺少的。在新的历史发展时期，中国画必将面临更多的抉择和更为艰巨的挑战。我们应以宋代画院教育为一个借鉴和参照点，重新认识和发掘传统教育模式，紧扣时代的脉搏，把握住民族文化的精神，加快改革的步伐，建立起新的中国画教育体制，从而将中国画朝更具民族性、更具生命力的方向推进。

参考文献

[1]明.陈邦詹，宋史纪事本末[M].上海：上海古籍出版社，1994.

[2]郑午昌. 中国画学全史[M]. 上海： 上海古籍出版社，2001.251.

[3]宋.邓椿.画继[M]. 北京： 人民美术出版社，1983.

[4]丰子恺.绘画与文化·绘画概说[M].长沙：湖南文艺出版社，2001.

[5]薛国庆.简论宋代画院的艺术成就[J].肇庆学院学报，1996，（2）.

国画教学论文篇8

随着应用型本科的发展，加上高职高专等层次的学校，动画专业的教学始终注重技能性和实用性，理论课的重视程度不如技能课，甚至处于忽略地位。有文章反对动画专业有什么“论”和“学”的科目，以为它们是一些教师不胜任的逃脱方式，是学生毕业后达不到社会要求的原因之一。这代表了一些人的看法，涉及到动画专业中理论课的设置和意义问题，在实质上是有害的，然而事出有因。

我国高等动画教育起步较早（1950年苏州美专开办了全国第一个动画班），但到目前为止，动画还没有取得独立艺术地位。动画学科至今仍处于准建立状态，处于不适应多层次学历要求的状态。

动画理论课的教材目前仍处于缺乏状态，虽然近年来出版了一些动画教材，但技能性的多，理论课少。从事动画理论的研究者少，而且动画研究文章也欠缺发表的专业刊物。华东师大聂欣如教授曾感慨，“动画研究在国内一直发展缓慢，有水准的研究寥寥无几，也不知道是没有人写文章还是写了文章没有地方可以发表。”2005年9月，中国动画学会的会刊《中国动画》发行，但属于内部刊物，在评职称等问题上难以起到作用，同时由于人才引退等原因，《中国动画》在2007年3月停刊。这在国家重视影视动画的大环境下，停刊在一定程度上反映了中国动画理论研究的薄弱与尴尬。

二、动画理论课的内容

没有了理论研究，教材的编写就缺乏深厚基础。从文艺理论体系上讲，动画学科研究应包括动画史、动画批评和动画理论（概论）等几方面。其中，《动画概论》是一门学科是否建立的标志性教材。国内第一本《动画概论》是中国传媒大学的贾否和路盛章两位老师合著的。至今，《动画概论》及相类似的著作达几十本之多，但总体处在开创水平，课程体系不科学，存在很多不适应教学的地方。如果要解决这个问题，需要树立起较为合理的动画的概念，从这个概念出发，借鉴相关文艺理论，去建设较为完善的学科理论体系。另外，动画产业以及营销类的理论著作和课程也已设立。

动画理论课教材的编写应该由国家相关部门牵头，制定合理的大纲，广泛征求意见，出台适应专科和本科层次的不同教材，以起到引导作用，否则众多院校的动画专业的理论课程总是处于探索式的教学。

动画理论课对学生的要求因学历层次的不同而不同，高职高专院校的动画理论课以够用为原则，以吸引学生的理论兴趣为出发点，以不拘一格的表达为中心。如动画分析课程，高职学生可以从感性方面去谈，可以收集较为详细的资料，也可以写一般的通俗影评，当然能够掌握影视动画语言、对作品进行专业的独到的解读是更高的要求。动画概论课以介绍性为主，让学生对动画的本质、动画的历史、动画的门类、动画的流派、动画的创作、动画的批评、动画的产业及教育等有所了解、产生兴趣，就是学习的目的。动画编剧课则以剧本的格式、编剧的理论技巧、动画的类型写作为中心进行，通常的剧本教材一般都是讲怎么写的，对于具体类型的写作和为什么写作则很少涉及，即只侧重怎么写，不侧重写什么和为什么写。动画编剧教材绝不能只是影视编剧教材的移植，而应从丰富的动画实践出发，去总结、教学。动画编剧课对学生的要求，不一定是为了成为职业动画编剧，而是具备动画编剧的眼光和修养，能动手写简单的剧本，写故事也是允许的。漫画脚本也是其中应有的内容之一，以便利用绘画能力，进行创作。动画批评课在教学中，可根据学历层次有所侧重，如专科可以侧重大众性评论，本科侧重专业的评论总结，研究生则侧重更加深入和创新性的要求。动画产业课则要求学生了解产业运作过程，浅层次是培养对产业的兴趣和了解，中层次是培养懂行和运用到艺术创作中的思维惯式，高层则培养对产业的指导、政策的制定等人才。

三、动画理论课的改革与教学

在动画专业的教学中，始终贯彻学以致用的实用思想。动画理论课如何转化为实用性的价值？这里，必须要明确两个问题：一、什么是实用？二、不同办学层次应侧重什么？对于实用的理解，大多局限于技能性方面。事实上，理论的或感性的文字表达也是一种技能。一部新片出炉，在第一时间写下适合报刊需要的文章，就是一种技能。在很多情况下，这种技能仍有很大的发挥空间。剧本创作更是一种技能。这些，都容易被忽视。对于大学的办学层次，一般包括专科（高职高专）、本科、研究生等阶段。大多数人认为高职高专只能做最简单的事情，如动画中的中间画、描线、上色等，以为前期、后期、衍生品方面，最好由本科、研究生阶段来完成。这种说法看似符合所谓市场的需要，但很容易把高职高专教育搞成动画环节的培训班，缺乏完整性和系统性，难以符合一门学科的建设需要，达不到大学教育的预期目的。在当前就业压力下，高学历也会做低学历的事，有水平的人，公司一般也不唯学历招聘人才。

我们认为，动画理论课的教学与改革，应放在大学的、全日制这一总的要求来看。虽然有不同学历层次的区分，但动画专业的基本理论素养的要求是共同的。理论课本身具备的对实践的指导意义已不容置疑，大学对学生的要求和社会上的培训班对学生的要求不同。高职教学原则在很多学校被认为是“品质+能力”，体现出一定的科学性。能力固然重要，但品质更应该引起重视。人才的竞争，就是品质的竞争、文化内涵的竞争。一个缺乏高品质的技能性人才是不完全的人才。负责、敬业、进取、创新，有关人的品质。而人的品质的培养包括理论品质，这离不开大学的环境。那种试图把高职高专从大学中分离出去，让高职院校成为技能性的培训班的观点是不明智的。对于动画专业人才的长远的可持续发展能力来说，理论能力不可或缺。

参考文献：

国画教学论文篇9

一、我国高校国画教育走向衰微的主要因素

当前，我国高校美术学专业的国画教学日益走向衰微，原因是多方面的。首先是高校艺术生源的国画基础缺失与文化素质较低，很多艺术生在高中阶段因为文化课成绩不好，无法实现本科梦，于是很多学生选择了考美术专业这个所谓的“捷径”，这些学生经过短期的美术基础培训，很容易拿到所谓的专业合格证书，毕竟现在大学扩招，专业录取分数线很低，文化课成绩要求更低，从而导致高校美术生源质量的严重下降。其次，我国艺术基础教育的薄弱决定了国画教育的衰微。中小学美术教育几乎走形式，要么就不开设，要么开设也只是摆设，没有真正的专业国画教师从事国画教学，学生压根没有任何国画基础，上了大学还不知道国画为何物，更不上笔墨功底和国画理论了。第三，我国美术高考内容缺失了国画教育内容，考的是西洋绘画内容，走向了西洋画教育的道路，在中国土地上培育西洋画的新苗。纵观我国近年来的美术高考内容，都是素描、水彩、水粉、速写之类的西洋绘画内容，无形之中把美术教育引向了西画教育，这种“扬西抑中”的做法无疑是高校中国画教育走向衰落最大罪魁祸首。第四，由于学生从小就缺乏笔墨书法功底，在高校就是想学国画都是那么艰难，因为笔墨技法不是一蹴而就的，在短短的两年之内想打好坚实的国画基础比较艰难，别说什么国画创作了。第五，高校课程设置的不合理，教学模式不但老化陈旧，而且采取西洋美术教学模式，重视西画基础教学，缺乏国画基础教学，教育导向已经严重偏离本土艺术教育，导致学生最终选择西画众多，选择国画专业的学生寥寥无几。以上几个主要原因就是导致我国高校国画教育走向衰微的主要因素，如果不改变上述这些现状，我国的国画教育将不堪设想。

二、 我国高校国画教育改革势在必行

由于我国艺术教育偏离了“主航道”，作为土生土长的本土国画艺术，是我们中华民族几千年来的文化结晶，也是我们中华民族为之骄傲的艺术成就，到了今天却成了末日黄花，得不到世人的重视，得不到教育部门的重视，相反把外国的艺术教育引入中国后却了成了“座上宾”，这种崇洋的做法实在有损中国人的自尊心。我们不反对吸收借鉴西洋绘画的技法，但不能因此把老祖宗留下来的文化精髓给抛弃了。虽然我们高校国画教育还在进行，但是它的没落不完全是时展造就的，而是一种人为的教育偏向导致的，是一种有意识的误导造成的。长此以往，我国几千年来的传统国画艺术将岌岌可危，没有这种忧患意识是很可怕的。所以有识之士要警醒起来，极力倡导我国的国画教育要从中小学抓起，在中小学普及中国画教育势在必行。只有打下坚实的国画基础，才能为高校输送大批合格的生源，也有利于高校培养顶尖的艺术人才。高校国画教学也要随之发生重大改变，不能再因循守旧，要打破常规，改革旧有的教学模式、教学内容和教学方法，极力改变陈旧的思想，把国画教育提高到应有的地位，把国画教学提升到一定的水平。

现在一些普通本科院校的国画教学力量很薄弱，由于师资力量的缺乏和教师专业水平存在的问题，也是导致国画教学质量下降的一个主要因素。一些著名高校由于教学条件远远优于普通本科院校，所以不存在师资不足和专业水平的问题，但是名校毕竟是少数，普及国画教育还是要依赖于普通高校艺术教育。作为承担国画教学主力军的普通高校，在引进国画人才方面比较困难，很多落后偏僻的少数民族地区的高校，由于很难招聘到艺术硕士、博士一类的人才，大部分艺术教师都是本科学历，由于学历不达标，无论教学水平还是知识修养、能力、教学经验都存在着一定的问题和差距，本科学生甚至瞧不起本科教师教学。由于国画教师缺乏和学生对于国画的偏见，导致国画教学力量非常薄弱。甚至有些美术学院的领导自身不画国画或者对国画的偏见也会导致学生重视西画，轻视国画。有的学院国画教师仅仅只会工笔绘画创作，对于写意画根本不敢接触，所以更不敢从事写意花鸟、山水、人物教学，这样就导致了写意国画的缺失，教学专业不完整，培养出来的学生也只能是“半成品”。针对以上种种情况，高校的国画教育的改革势在必行。

三、高校国画教育教学改革的措施

从以上我国高校国画艺术教学存在的问题来看，我们要加大教学改革力度，要改变过去那种的教育模式、教学方法。那么如何改革，笔者有以下几种建议，一供同仁参考和借鉴。首先，我们的国画教育要从孩子抓起，从最底层、最基础抓起，万丈高楼需要从根基一步步建起。中国画是我们中华民族的国粹，教育学生热爱祖国的文化和艺术，从小学起，从我学起，大凡热爱国画，有一定艺术天赋的中小学学生，学校不妨集中起来，开个兴趣学习班，作为高校艺术生的后备军。在中小学发现了绘画人才就可以采取因材施教的方法，让他们在国画学习上“吃得饱，吃得好”。很多学校开始了一些艺术特色班，这是非常好的方法，可以有效地把有艺术天赋的、热爱学习美术的学生集中起来进行集训，有利于艺术特长生的成长。非常遗憾的是，这些特色班的教学只是为高考训练学生的西画基础技能、技法，完全忽略了国画教学内容，主要原因还是高考教学制度的问题。

其次，改革我国现有的美术高考制度，这不是我们普通教师所能做到的，需要教育部进行改革旧有的高校制度，我们只能呼吁吧。在美术高考内容中加入国画的创作或临摹。有意识的强化国画学习，把国画和书法作为高考的一项主要考试内容，扭转过去那种西画一边倒的局面。在考试内容上，增加国画线描、国画写意花鸟、山水画的临摹或创作。把西画中的水彩和水粉课程可以若弱化下去。这样就大大有利于中小学国画教育。因为在高校里还要进行西洋绘画基础教学的，所以加重国画考试内容比例，可以大大激发学生学习国画的积极性和主动性，在意识形态上要有意识地导向中国画教育。

第三、 高校艺术教学模式的改革。很多高校在大一大二时完全都是西洋绘画基础教学，例如素描、水彩、水粉等课程的学习，等到了大二才开始分专业，专业分完了，学生真正学习专业的时间也不过区区一年多一点的时间，在这么短短的时间内学生又能学习到多少真正的专业技能和理论呢？最后都是学习点皮毛。学生感叹到4年大学自己的专业基础一点也不扎实。那么我们要改观这种教学模式，在大一时开设素描、水彩、水粉课程，为今后打下一定的造型能力和色彩感觉服务的。大二时就开始分专业，甚至在大一下半年就可以分专业。这样把学生最感兴趣的专业时间大大提高到2.5年——3年的学习时间，专业技能就能得到大大加强。尤其国画教学更是越早越好。大一时就应该加入一定量的国画学习，让学生学习国画线条白描，锻炼学生用线进行造型能力，还要求学生每天必须练习一定量的书法。那些真正爱好国画的学生不妨提前分离出来，成为独立的国画班，因为中国画不需要西方科学的透视法规，也不需要严格的光影效果和色彩。

第四、 高校国画教学内容的改革措施。国画教学内容包含着书法教学、绘画技法教学、构图学、创作教学、艺术理论教学等内容。但是在实际教学当中，很多内容被忽略了。如作为基本功的书法教学是国画教学中必不可少的一项。它是练习用笔用墨的基本功，也是练习线条造型能力的手段，书法本身就是一门艺术，它与国画完美结合形成中国画特有的“诗、书、画、印”艺术形式。然而很多院校不重视这项内容教学，这方面要得到加强。还有就是只重视绘画技法教学，不重视艺术理论教学，中国画最高境界是“气韵生动”，画面意境之美的创作来自于画家自身的文学修养和高深的艺术理论修养，然而现在很多艺术生，由于高中文化课就很差，导致他们不喜欢文化课，更害怕艺术理论课学习，由于文学修养和艺术理论修养严重缺失，导致学生创作不出有一定水准的国画作品。加大艺术理论教学内容的同时，还要要求学生课外多读一些中外文学名著，具有丰富的文学知识是一个艺术家必备的。

第五、 加强教师自身专业素质的培养和理论的培养。很多教师自己都不具备深厚的专业技能和理论修养，怎么能教好学生呢？很多教师国画技法单一，有的老师只会工笔，有的老师只会写意，有的老师只会花鸟，有的只会山水，这样由于自身专业的狭隘导致教学的严重局限，甚至个别学校国画专业教师都擅长工笔，写意画教学几乎没有，这样如何开展国画的全面教学呢？加强教师的专业技能，除了自己利用业余时间不断自我修炼之外，学院也要给教师提供进修的机会，把自己不足的专业给弥补上去。自己有一碗水，才能给学生半碗水。打铁还需自身硬的道理不用多说了。

小结：高校中国画教育教学存在的问题，已经严重阻碍了中国画的发展。几十年来的艺术教育已经扼杀了中国画的“特点”，作为高校艺术教育工作者，有责任呼吁中国艺术教育制度的改革，有义务进行高校国画教学的改革。应该建立以临摹为教学主要任务、以修炼笔墨功底作为主要教学手段、以艺术创作为宗旨的符合中国画传统的艺术教学体系，改变过去那种把西方艺术教育凌驾于中国画教育之上的做法，作为高校艺术工作者要为弘扬中华民族优秀传统文化和艺术精神做出应有的贡献。

参考文献

[1]当前高校中国画教学思考举隅[J] .范家美.湖北美术学院学报，2011.03

国画教学论文篇10

在当今大部分高校中，公选课的中国画教学涉及方面主要从广义角度出发考虑的。其教学范畴是一切能够有效体现中国艺术精神的晋唐宋元明清的基本上所有的中国绘画，其范围十分广泛，比如水墨丹青、色彩画、工笔画、壁画、中国民间绘画等等方面。

一、在高校中国画教学存在的相关问题

近几年来，中国国画的学习热潮的逐渐给国画艺术界带来了一些光明，但是由于受到历史的局限以及社会工业化的影响，中国画教育的相关发展已经越来越偏离中国艺术精神的主要轨道了。现如今，中国画教育形势以及相关具体观念都出现了与中国传统优秀国画艺术相背离的现象，异化趋势明显。在现当代这种情况下，高校由于对传统国画艺术的忽视以及产生的相关教育失误，使得中国画教育的教学质量、国画学术研究差，导致了高校中国画教育陷入困境。

1.中国画专业学生的基础很薄弱

高校的中国教育主要是以西方绘画的基础课程作为国画教学的基础公选课教程的，对专业学生来说，西方绘画基础技术的掌握有利于其自身的全面发展，但如果只是单纯掌握这方面的基础，便会在某种程度上对学生的中国画技艺学习产生不利影响。学生在西方绘画基础课程的学习中，逐渐会养成西画艺术的表现习惯，比如注重艺术对象的透视度、明暗效果以及具体体感，这就导致其忽视了中国画艺术表现模式有的平面效果以线条张力的表现，使得大部分高校专业中国画学生不太会使用线条来张显艺术对象的空间延伸以及体感突显；与此同时，西画基础课程的普及，使得大部分高校专业中国画学生缺乏笔墨以及书法基础，对中国的色彩运用也十分单一，并且导致其作品没有任何张力，由于中国画基础的缺失，有的学生对国画材料的应用技巧十分生疏，绘画技巧也十分生硬；还有，高校普遍开展的专业绘画课程以西画为主的实际情况，导致学生中国画艺术技艺的缺失。由于西画教学基本上涉猎不到中国国画基础的领域，使得高校学生对于中国画的学习过于简单概念化，使其没有深入了解到中国画的艺术价值以及文化内涵，导致了学生的作品刻板生涩、线条无张力、书法作品韵味厚度缺失等等。

在高校公选课中国教育中，学生的中国画基础薄弱，学习时也相对有限，这就使得大部分学生不能够将西方绘画语言有效熟练地转化为中国画绘画语言，使得其也不能够真正让中国画艺术语言变为自己的东西，学生的艺术创新更是难上加难。

2、中国画专业教学课程的设置与研究很薄弱

高校教育中国画教学课程的理论模式设置与研究十分薄弱。在高校的中国画教育课程设置中一般都是比较注重绘画技巧教学的实施，中国画理论教学所占的比例微乎其微，同时，学生专业理论课大部分是艺术概论、中外美术史、艺术美学等等总概念课程，其中有关中国画的专业课程的设置更是少之又少，尤其是与中国画密切相关的古典文学以及款式装裱等等课程几乎不在高校国画基础课堂上展现，只有专业美术院校中的研究生课程中才会少量出现国画论以及书法的课程。目前来说，只有极少数的本科院校有书法选修课，大部分高校都是不设置这门课程的。中国画专业理论研究现在基本上是以教师的个人研究为主的，我国高校目前并没有形成完整的中国画理论研究氛围，这就使得中国画理论研究的科研开展进程缓慢，跟不上艺术创作的步伐。高校中国画专业课教学开展的过程中，学校对专业教学的重视是一方面，学生自身也是另一个重要方面。在专业学习中，大部分学生不重视中国画专业理论的学习与研究，爱创作轻理论，这就导致了其对传统过画传统技艺的理解只停留在表面，缺乏深入理解中国画精髓的能力。

二.在高校中国画专业教学改革的具体内容

1、中国画课程的内容整合

中国画这门艺术基础课程的教学设计安排具体是写意人物画、写意山水画以及写意花鸟画三门课程的总体设计安排。虽然这三门课程的课量少，难度小，但仍然存在着一定的弊端，这三门课程是分段开设的，三门课程之间的内在联系不是很大，而且三门课程的相关内容出现了重复现象，课程实践过程也有重复环节。这种教学课程的设置突出不了高校美术专业的特色定位，只是一味地模仿了专业类美术院校课程的设置。新世纪伊始，我国开始着手整改中国国画课程设置，修改了课程调整方案，将书法篆刻以及人物画、山水画以及花鸟画的内容核心进行整合，设置了中国画笔墨基础的课程，而且这门课程的重要性是十分不容忽视的。而且，地方高校的学生中国画专业技巧水平相对是比较低的，其基础应试教育的倾向是十分明显的。大部分学生传统文化根底比较缺失，对中国画的认知程度低，在这种情况下，高校中国画教学中加强学生进行的笔墨训练就显得尤为重要了。通过实践证明，中国画笔墨基础的课程内容整合以后，充分凸显了笔墨训练的相关地位，使得中国画教学课程的目的逐渐显现出来，从而更好地为学生的中国画技艺打下夯实基础。与此同时，中国画理论知识研究的进行也是十分必要的，高校在进行中国画理论课程设置时要及时调整画论以及史论的课程整合，具体体现为人文素质教育以及中国画基础理论的内容整合，从而形成相应的中国画理论基础课程框架。

2、中国画课程的教学艺术创作整合

在现代高等院校中，中国画课程教学的开展要求要将教师的课堂教学与学生的中国画创作有机的结合在一起。在高校中国画课堂教学中，教师的主要任务是采用写生与临摹的形式方法把中国画相关的基础知识以及创作技巧有效地教给学生；学生作品的创作能够很好地体现其接受具体教育知识的程度，这种成效表现形式是十分局限的。在过去，中国画教育一直存在着这样一个误区，那就是高校中低年级的学生主要是以夯实基础为主要任务，高年级的学生由于其技艺相对较高才能进行作品创作以及艺术研究，其实这样是不对的，认识上有着一定的偏向性。如果在高校中国画课程实施中，能够及时地让低年级学生在扎实的基础上进行创作，并培养其创作意识，这对学生的整个技艺成长过程是十分有益的。积极发掘学生创作才能，激发创作兴趣，丰富学生的课余创作视野，从而活跃了学生的创作思维，是其中国画创作水平达到一个较高的标准。

三、在高校中国画课程教学改革的相关有效措施

1、教学理念的贯彻实施

高校中国画课程的教学理念的贯彻实施要注重文化的补充以及教学方法的培养、思想的相应引导、技法训练以及心理的调衡。基于高校中国画专业的现状而言，中国画文化的补充是应该放在首要位置的。我国高校中国画教学的有效开展应该注重学生的长远发展，在整个课程教学中，要将中国传统文化作为主线，并将创新艺术思维的培养作为主导，健全学生心理定位，使学生确立其独有的绘画思想，并通过相关绘画艺术技巧的掌握来使中国画教学理念得到贯彻实施。

2、教学课程的有效安排

高校中国画教学的课程安排使要注重人性化的思想，摒弃原有单一的课程表教学模式，有效整合课程安排，给予学生更加宽阔的学习领域。在规划中国画教学课程大纲以及方法的时候，也要强调学生文化修养以及艺术教学理念的提升与贯彻，变传统单纯的技法传授为灵活多变的紧密学科的融会贯通，有效规避偏狭现象的出现。

3.高校师资的合理配置

高校中国画教师的队伍结构以及专业技术素质水平，直接影响着中国画教学的开展以及教学质量的提高。高校教师在教学过程的开展中要保持清醒的头脑，深入透彻地了解国画专业知识技巧，并同时依据学生的不同情况做出不同的研究教学方案，有效地把握教学要点，吃透中国画教材，将艺术元素融入到直观的视觉教学中，提高教师自身的鉴赏水平以及学生艺术技能水平。

综上可知，高校中国画这门公选的立体教学改革势在必行，其不仅能够有效地促进学生的创作水平以及教师的鉴赏能力，同时还能够很好地传承延续中国的传统文化。

参考文献

[1]刘会营.浅谈综合类院校的中国画教学改革[J].美与时代（下半月）,2008(9)

国画教学论文篇11

［文献标识码］　A

［文章编号］　1674-6058（2017）27-0046-01

随着国家对教育的不断改革，美术课程不再是简单的辅助课程，已经逐渐成为占据一定地位的重点课程。重视美术课堂不仅有利于陶冶初中生的情操，还能提升初中生的审美观念和文化修养。在初中的美术课堂中开展中国画教学，在巩固绘画技能的同时，还促进了学生综合素质的提高，中国画的学习，一般分为欣赏、实际操作、讨论、展览四个步骤，为了更好地使初中生在课堂上多了解中国画，教师就必须创新初中美术课堂。

一、欣赏阶段激发学生兴趣

中国千年的绘画史给我们留下了许多奇珍异宝，中国画是这些珍宝中最宝贵的文化。因多种内外部因素的限制，学生学习中国画的难度较大。在初中美术课堂上，学习中国画的难点在于学生自身的知识水平相对较低，且个人素养也达不到要求，因此自然而然地就增大了教师的讲解难度。而且中国画在色彩上比较单一，引起学生兴趣也相对较难，因此教师需要借助一些辅助工具来吸引学生。如在教学山水类的中国画时，教师可以先深入了解学生的兴趣爱好，制作山水中国画的相关视频、PPT等。通过创设情境的方式激发学生的学习兴趣：小桥流水青烟袅袅，配合轻缓、悠扬的音乐，吸引学生注意力，将一节欣赏中国画的课变为有意思的“娱乐课”，从而侧面带动学生对中国画的兴趣。

二、实践阶段感受水墨风采

初中生学习中国画的难度较高，对于技巧的掌握要求相对较低，这就要求学生对中国画感兴趣的同时形成自主的学习模式。初中生的理解能力较弱的情况下，教师可安排较为容易的动手操作，让学生在实践阶段感受水墨风采。如在学“中国画的工具”——毛笔、墨、纸、砚时，教师可以利用小组合作的学习方式，首先，在上课的时候让学生亲自调墨汁的稠度，并且尝试用不同稠度的水墨进行绘画，观察不同的效果。其次，利用宣纸的特性做一些水墨宣纸小游戏：将墨汁放入白盘中，并绘画出对应的图案，用宣纸进行吸附，观察宣纸形成的图画，通过此方法让学生更加了解宣纸的吸附作用、润墨性与渗透性，以动手的方式感受水墨之间的关系，体会有趣的水墨风采，提升对中国画的兴趣。

三、讨论阶段分享技巧画法

中国自古就有“三人行，必有我师”的名句，也正因如此，讨论成为每个学生发挥自己想象的时间。初中生的想法是千奇百怪且创意性十足的，所以各抒己见的讨论可以增加学生对中国画的兴趣。每个学生的理解能力都是不同的，讨论也是分享的一个过程，如在学习“中国画的表现形式”时，教师可以借助小组讨论的形式，以讨论的方式为基础，开发学生的创造性思维。首先，教师可将学生分成均匀的学习小组，布置“中国画的表现形式”探讨任务。其次，学生可利用网络或者书本的方式进行探索，得出“诗书画印相结合”的结论。最后，进行全班讨论，得出比较全面的答案，形成具有逻辑思维、情感的话语，借助讨论的方式进行分享。教师应注意增加与学生之间的良好互动，提升课堂教学效率。

国画教学论文篇12

山水画作为当今高等艺术院校重要的专业课程，经历了从师徒言传到学校教育的发展过程，当代山水画的教学要求也在不断发展和演变着。今天，山水画艺术的教学呈现出多元探索的状态：一部分教师重视古代山水画传统的教学，注重追求古代文人画的符号化、抽象化的境界并付诸实践；一部分教师则重视师法造化，面对自然，走写生和创作相结合的道路，更加注重追求人生回归的艺术情怀；还有的山水画教师受西方现当代艺术流派的影响，求助于特殊肌理和抽象语言的综合表现，在倾向于现代水墨的探索中通过现代人文意识去触摸天人合一的境界。这三路教育理念和教学思想的共同发展和相互交揉形成了当代山水画坛新的教学格局。然而，作为高校美术学科中国画专业教学内容之一的山水画教学实践该何去何从，如何转变教学理念，如何进行创新教学，如何更新教学内容等诸多问题一直困扰着每一个教育实践者，笔者想结合自己多年的教学实践谈以下几点看法。

一、提高学生理论修养和增设相关理论课程

山水画的学习，理论知识是关键，只了解山水画理论的基本方面是不够的，中国的山水文化和山水画艺术博大精深，其构图布势、风格意韵、人文关怀诸方面的认识才是根本，然而这类知识学生往往难以理解，不愿触及，这使学生在宏观上失去坐标，迷失方位。教师作为先行者，应提前对相关理论材料进行梳理加工，在教学过程中根据教学进度与学生需要分发下去供交流参考，使班级教学形成研究理论的良好氛围。

学生需要的理论课程是多方面的，其中应至少包括哲学、文化、历史和美学理论著作等，还应有与山水画艺术相关的理论文献的阅读。根据笔者个人经验，学生应该阅读的有关山水画理论著作有郭熙的《林泉高致》，宗炳的《画山水序》，顾恺之的《画云台山记》，潘运告的《唐五代画论》、《宣和画谱》、《宋人画论》、《元代书画论》、《明代画论》、《清代画论》，朱良志的《中国艺术的生命精神》，宗白华的《美学散步》，杨大年的《中国历代画论采英》，张强的《中国山水画学》、《中国画论体系》、《国画现代形态》、《中国绘画美学》，陈传席的《中国山水画史》，愈建华的《中国画论类编》，杨成寅的《视觉美》等诸多对学习山水画有帮助的理论书籍和绘画文献。

阅读应在任课教师指导下，将有关理论著作和文献资料，细致分析，合理分解，找出规律，使学生理解起来比较容易。另外，最好定期与学生谈阅读感受，或者经常组织主体鲜明的理论知识辩论和论坛。千万不可忽视学生的理论修养，当然，教师要不断提高自身的理论水平才能做到在教学中有源源不断的知识带给学生。

二、要注意临摹的深度并加大写生教学环节的训练

首先，教师要加强学生临摹的深度和广度。山水画的临摹教学是学习山水画艺术的重要一课和基础一课，历代山水画名家都非常重视学习传统技法。对于临摹来讲，其前提是会赏析，山水画赏析的必要性往往被我们在山水画教学初期忽视了，其实，只有读懂了作品的内涵，了解了作品产生的时代背景、构思立意、形式技巧、笔墨语言等等，实践起来才不致于盲从，才会有分寸，才能深入挖掘传统资源，达到学习、借鉴、转化、吸收、提升的最终目的。古人讲“师其意不师其技”，师其意者为上，要学好山水画就要临对范图，更要领悟古人用意所在。

传统山水画的教学是要让学生了解山水画在美术史上的独特意义，赏析山水画的经典作品和继承发展。对山水画传统中要求掌握的树石画法、皴擦技法和构图布局规律的知识要结合具体理论，逐一掌握。山水画临摹是个艰苦复杂的过程，山水画景物繁多，层次丰富，绘制过程中要有耐心，临摹过程中还要做到胆大心细，教师要不断激发学生的临习热情，变枯燥临摹成为主动的求知过程。临摹中应注重临摹广度和知识的全面性，一般先要侧重一个时代的一家之法学好吃透，然后再换另一家学习，山水画的临摹应该遵循从隋唐临本开始，先进行工笔山水画的学习，等学生有了一定笔墨造型基础后，再从宋代山水名家中选择几家作为学习对象来重点研究。

在临摹教学中，教师要做学生审美方向的辅导，要让学生从临摹教学的一开始就学着用个人审美眼光和个性化的观点审视传统山水文化，用自己之个性去感悟古人之个性；用自己之特殊去感悟古人之特殊；用自己之创造去感受古人之创造。在临摹课堂上，必须对学生高标准严要求，把学习路子走正，还要保证学生的临摹时间，学生必须在教师的指导下花大力气临摹一批传统山水画经典名作。毕竟厚积才能薄发，传统山水画教学的最高要求就是用最大的力气打进去，还要用最大的力气打出来。

其次，教师要重视学生写生教学环节的训练和生活感受的整理。山水画写生是很好的提高学生绘画水平及能力的有效途径，自徐悲鸿引西方对景写生之法以来，无数画家得到益处。写生教学的要求是让学生在写生中做到真正消化好从临摹中学到的笔墨规律，并努力找寻属于自己的表现形式和绘画语言。山水画写生的训练可以培养学生的观察能力、概括提炼能力和综合表达的能力，是山水画教学不可缺少的环节。高校的全日制教学有着优越的写生条件，应多组织学生下乡写生采风，把写生的重点放在观察方法的转变和笔墨语言的组织上。因为写生是创作的搜集素材阶段，所以还要有意识去探索地域特征，找到事物的典型性并尽量与自己的内在追求统一起来，从写生开始积累感受和表达冲动。写生环节就是到自然中具体研究客观事物，寻找规律，学生应在老师指导下深入研究消化传统知识和技法，去开掘自然之妙，打开自己的心灵，找到表现自然和内心情感的笔墨语言和审美图式，克服缺乏情绪调动和缺失个性化认识等通病，打开属于自己的精神状态。写生是直接面对自然的艺术行为，既要写景又要写情，不应只是关注自然物像的表面形态，还要研究其内在变化规律，找出共性，并渗透进自己的思想情感和主观期待。山水画写生造境应是长时间关注的教学重点，教师在教学中要做到以身示范，循序渐进。山水写生环节中，教师要对学生不同时期记录的不同感受做定期辅导，把学生产生的不同心境作全面纪录和整理，还要引导学生多想像，与记忆中的某些场景发生联想并锻炼学生组合能力，正所谓“移花接木”、“迁想妙得”。写生中我们主张稳扎稳打，利用个体的独特感受去观察自然，表达自然，从情感深处贴近生活，练就学生的主观洞察力，学会将美的事物加工组合，践行从生活中来又高于生活的艺术原则。

三、积极组织学生进行山水画创作

强化富有开拓精神的山水画创作教学是高校山水画教学的延伸环节。山水画创作的教学是最终检验学生学习效果的重要手段，在全面继承吸收古典山水绘画资源后，学生应抛弃急功近利和浮躁的情绪，走向生活，走人自然，走进内心，尝试展开属于自己的山水创作之路。教师的教学应通过给学生分析大量的创作实例，使之逐渐找到自己的切人点并深入挖掘，教师要做好解决突发事件的准备，对于当下学术界普遍关注的创作问题，学生要泰然处之，教师要因人而异、因材施教；对于西方艺术思潮的诸多影响，教师要帮助学生建立个人坚定的民族文化立场。我们主张学生应在教师的辅导和鼓励下选定属于自己研究的绘画方向，并深入探索和用于实践，从而绘制出一系列有说服力的山水画作品。我们在山水画创作教学中要始终坚持以独特、创造为核心的教学思路，既要印证传统又要摆脱束缚走向自由，正所谓“随心所欲不逾矩”。

四、山水画教学要处理好的几个重要关系

首先，是教与学的关系。美术教学有其自身特点，心灵交流非常重要。教师要与学生经常谈作品、谈感觉、谈心情，随时了解学生的思想状况。外出写生时，教师尽量与学生同吃同住，保持亲近，在指导写生时，要密切关注每个学生的作品进度和学习规律，随时挽救一些转瞬即失的好想法与好感受，这样才真正起到教师的点拨作用并使学生可持续进步。教师还要在教学过程中尽量多的用自己良好的修养、熟练的技巧影响感召学生，并做到与学生一起探索，一起进步，让学生明确知晓自己的探索道路是正确的。

其次，是数量和质量的关系。教师在布置作业和留给学生独立思考命题时要有一定的量和深度，并且最好因人而异并有关联性。没有数量的要求难以提高质量，但盲目追求数量也会影响质量的提升，由于学生接触山水画时间有限，在绘画工具和艺术语言的训练中，要适当安排学生多练习写字和体会用笔。山水临摹课程期间要保证质量并很好的控制数量，山水写生与创作环节中需要多画稿子，反复修订，力求逐渐找到自己的语言符号。

国画教学论文篇13

笔者前段时间有幸进行了工笔花鸟画的教学实习工作。在与本科学生的教学对话中，笔者深深体会到当下工笔花鸟画教学工作所面临的实际困难，如：市场运作手段向艺术创作研究领域的渗透等等。我们的工笔花鸟画教学是否还要一味躺在中国画教育的这张温床上呢？从“山重水复疑无路”到“柳暗花明又一村”的景象，已不单纯是一个艺术视角转换的问题，只有深刻意识到工笔花鸟画的现实问题——机遇与挑战，做好一系列的转型期的工作，也才有可能达到“千树万树梨花开”的大好形势。单从工笔花鸟画教学的角度上看，笔者有以下几点体会和想法。

工笔花鸟画教学，首先，应要求学生有良好的专业基础。WwW.133229.COM建立一个良好的基础体系是工笔花鸟画教学的前提。我们应当看到，当下的美术专业高考在一定程度上存在一些不足，素描、色彩、速写的考试固然有助于学生的基本功训练，如提高造型能力等。但作为进入美术类专业高校后选择国画专业的学生却不无遗憾，中国画的专业基本功以及专业的表现技法在这类学生面前几乎是一张白纸，这相应给我们的工笔花鸟画教学带来了难度。对中国画传统的认识相对薄弱，如何“借古以开今”？作为中国画教学的主要途径——“中西合璧”更是无从谈起。在进入中国画专业之前，有意识地进行相关内容的训练和建立必要的国画专业性质的考核制度，是非常有必要的。

其次，工笔花鸟画教学的关键是加强传统文化研究，注重学生的理论基础知识方面的修养。这不仅仅是工笔花鸟画所在系科，各个艺术系科都应引起重视。当代一些学生对传统的理解和学习上存在着严重的断代。一方面是对国学和传统知识的缺乏，一方面是外来因素的干扰：苏氏写实主义的创作思想、契氏素描、普及性的宣传要求等等，将中国画的传统体系冲击得七零八落。对传统文化的研究是工笔花鸟画教学的一大利器。正如传统画论是中国画教育的重要一环，教师的传授分两部分：一教画理，二教画法。中国画的最高旨意应当是“道技合一”，工笔花鸟画教学更是如此。在教学过程中充分做到理论联系实践，必须把传统文化、时代精神、当下生活三者有效地结合起来，“笔墨当随时代”，要具有现实观照的艺术涵养。中国哲学、中国美学、中国古代画论是中国画理论建设之本。

再次，我们当下的教学模式一般是临摹——写生——创作三步曲。其中花鸟画写生是工笔花鸟画教学的一个重要环节，是临摹与创作的逻辑纽带。重视写生甚至崇拜写生，是20世纪中国绘画和绘画思想的一大特色。李可染先生就曾说：“用最大功力打进去，再用最大功力打出来。”应该说，写生是对客观世界的再认识的过程，也是画家深入生活、认识生活、表现生活的创造性艺术实践的过程。重视写生，直面自然，与自然对话，要勇于打破以往以经验传授、临摹为主的学习手段。要把写生作为本土文化生命的载体，当面对物象时，中国画的造型、笔墨均来自人生的经历和对文化的体验，它的表现形式是以生命形象的结构蕴藏着一个民族、一个群体的文化、生命和智慧，力求构筑起融传统艺术精神与时代性于一体的民族美术形态。

不可否认，长期的专业训练、造型知识的培养以及理论的日益积淀，是学生日后创作水平提高的一个良好显现。在教学过程中，工笔花鸟画在继承传统的基础上，应更多结合当下的现实生活和审美特点。正如鲁迅先生当年提倡的“拿来主义”，笔者认为在花鸟画教学中这一点是尤应引起重视的。不但要“拿”当代与传统的精华，更要“拿”国外的优秀作品加以借鉴和学习。我们的关键在于接纳哪一块并“为我所用”的问题。客观冷静地面对西方，研究和吸纳西方文化艺术中的先进因素，将其融化在中华文化艺术的血脉中，生成中华文化艺术蓬勃的动力，是我们每一位老师及学子的职责。同时，创作不是单纯的创意和构思，我们的每一次临摹、每一次写生都可以看作是创作的积淀。其实工笔花鸟画教学的意义和价值就在于：解放思想、更新观念、大胆创作，以创作带动新技法和新画材为原则进行学习。这就要求学生要最大限度地离开艺术的功利性，进入精神的高度自由状态，带着诚意地表现自己，才更有可能出现好的艺术作品和艺术思潮；这是从理性走出的状态，是无法而法之后人与自然的迹化。

与此同时，工笔花鸟画教学中一个很重要的问题，是如何使学生认识到中国画精神，认识到中国传统文化的重要性。蒋采苹老师在其《中国画系教学建议》一文中提出了四点建议：一、恢复画论课。二、恢复古典诗词和古文课。三、开设中国画构图学课程。四、开设画材学课程。这种合理而又及时的建议无疑给我们的工笔花鸟画教学注入了一支强心剂。

总之，从本科层面上来看，工笔花鸟画教学要把握好这四个基础：造型基础、专业基础、创作基础、理论基础。只有切实抓好这四大基础，才是工笔花鸟画教学迈向成功的第一步。传承与发展是中国画的生命线，思变与恪守之争所引发的新艺术形式及语境的表现，是赋予每一个花鸟画教学者的时代使命。站在本土化的精神立场上，我们有理由相信工笔花鸟画的前景会一片大好。