古典主义的文学特征篇1

一、新古典主义建筑出现的背景

新古典主义建筑风格出现的时间是18世纪后半叶至19世纪中期，地点主要分布于欧洲的法、英、德、俄及美国。

受启蒙运动的思想影响，对民主、共和的向往唤起了人们对古希腊、古罗马的礼赞。新兴资产阶级由于政治上的需要，企图从古代建筑遗产中寻求思想上的共鸣。当时考古学取得很多的成绩，古希腊、罗马建筑艺术珍品大量出土，为这种思想的实现提供了良好条件。

此时欧洲各国相继完成工业革命，资本主义得到迅速发展，城市的规模日益扩大、建造业面临极好的发展机遇。以铁为代表的新材料在建筑中大规模应用，给建筑带来更多的可能性。

二、新古典主义建筑概况

新古典主义建筑又叫古典复兴建筑，主张向古希腊和古罗马共和国时期的建筑实物学习。新古典主义建筑大致在法国以罗马式样为主，而在英国和德国，希腊式样较多。在各个国家的发展有所不同，且随经济、政治、文化等因素不断变化。

建筑采用古典形式，主要为资产阶级服务的公共建筑。如法院、银行、交易所、博物馆、剧院等，对一般的住宅、学校等影响较小。

新古典主义风格后期开始与城市建筑、住宅等相结合，被社会各个阶层进行演绎，出现了将各种建筑元素混合运用的奇特建筑形象，也反映了建筑创新的枯竭。

三、各国新古典主义建筑的发展

（一）法国新古典主义建筑

法国是欧洲新古典主义建筑的中心。法国大革命时在巴黎兴建的万神庙是典型的古典式建筑；拿破仑时代在巴黎兴建了许多纪念性建筑，其中雄师凯旋门等都显示了古罗马帝国时代建筑的特征。

1.古典复兴风格

代表作品：巴黎先贤祠（即万神庙）（图1）

设计者：索夫洛（J.G.Soufflot）

建造时间：公元1755-1792

功能：纪念国家重要人物的公墓

特征：将希腊十字的集中平面形式与中世纪哥特式尖拱顶相组合；运用先进的三层穹顶结构，建筑形象新颖，结构庄严简洁。

2.帝国风格：产生于古罗马帝国风格，为拿破仑专制帝国服务，彰显帝国权威的建筑风格。

代表建筑：雄狮凯旋门（图2）

建成时间：公元1836

特征：全新的单门洞形式，四个立面开门洞，立面无壁柱，雕刻重点集中在平顶屋，但并不繁复，并以此为中心设置圆形广场，突出威严。

以拿破仑提倡的古罗马帝国风格为主导，借助庞大的体量与古典建筑的典雅气质，表现出统一帝制和王权的强大力量。

（二）英国的新古典主义建筑

英国的新古典主义建筑呈现出多流派、多风格的发展状态。罗马复兴建筑并不活跃，而希腊复兴建筑则占有重要地位，代表作品有大英博物馆、爱丁堡大学等。后期出现了浪漫主义与哥特复兴建筑风潮。

1.罗马复兴建筑

代表建筑：巴斯城的联排住宅区（图3）

建成时间：公元1745

特征：模仿古罗马角斗场的风格与布局，气势十足。

2.希腊复兴建筑

代表作品：大英博物馆（图4）

建造时间：公元1825-1847

背景：为对抗帝国主义拿破仑，转向古希腊

特征：高贵、纯净、简洁。

由于英国在18世纪与19世纪处于政治、经济双重变革期，因此英国的古典主义建筑复兴是对以往多种风格的复兴，在欧洲是比较特殊的一种。新古典主义建筑风格尽管在此时的英国占领主流地位，但并不代表建筑发展的全部特色。

（三）德国的新古典主义建筑

普鲁士国家在当时已发展到帝国时期，国家强盛兴旺，因此希望通过古典复兴风格的建筑显示国家实力。德国的古典复兴建筑风格以希腊复兴为主，同时对古典建筑风格具有创新性借鉴的特点。

1.古典复兴建筑

代表作品：勃兰登堡城门（柏林）（图5）

建造时间：公元1788-1791

特征：基本模仿雅典卫城山门，只将原来的三角墙变为罗马式平顶山墙。

缺点：没有凯旋门的厚重和卫城山门的纵深，并不雄伟。

代表作品：阿尔特斯博物馆（即柏林老博物馆）（图6）

设计师：辛克尔

建造时间：公元1823-1830

特征：建筑平面呈长方形，外部由18根古希腊爱奥尼克柱式组成长廊立面，内部有罗马圆形穹顶大厅。顶部的山墙是为遮盖穹顶所设计，既保持建筑整体性，又会获得意外的惊喜。

（四）俄国的新古典主义建筑

18世纪初俄国逐渐强大起来，开始修建一座新城――圣彼得堡。自此，大批规模宏大的新古典风格的宫殿纷纷落成。同法国相似，建筑外部基调肃穆古典，内部装饰华丽，同时尺度较大。

1.古典复兴建筑

代表作品：夏宫（图7）

建造时间：公元1704年下令兴建

特征：建筑外部形象简洁典雅，内部巴洛克、洛可可风格装饰奢华。

俄罗斯新古典主义建筑的典范：圣彼得堡海军部大楼（图8）

建造时间：19世纪早期

设计师：扎哈洛夫

特征：海军部大厦长达480米，全楼横向划分为三个区域；

上部的塔楼带有爱奥尼柱的围廊形式，再向上通过穹顶与尖锥顶相连；具有超大的尺度规模，与中心广场建筑群相连。

（五）美国新古典主义建筑的发展

美国独立以前，建筑造型多采用欧洲样式。建国后，各州开始兴建公共机构，全面引入新古典主义建筑模式。其中最具有代表性的是美国第三任总统托马斯・杰斐逊。

1.古罗马复兴建筑

代表作品：国会大厦（图9）

设计师：威廉・托恩顿&华特等

建造时间：公元1793-1867

特征：庄严典雅，雄伟创新

建造过程：最初的大厦方案为长立面与万神庙的中心的结合，后因为经过发明“烟叶柱式”与“玉米柱式”，建筑体有变化，同时扩建两边，并用铁结构设计穹顶。

2.古希腊复兴建筑

代表作品：弗吉尼亚州议会大厦（图10）

特征：仿照古希腊神庙设计，是在美国兴建的第一座政府建筑，此后美国权力性建筑都受影响。

美国文化与欧洲文化有非常紧密的联系，古典风格从18到20世纪也一直影响着美国建筑。资产阶级民主派倾向于罗马复兴风格，而希腊复兴风格主要在华盛顿、费城、纽约和波士顿等北方大工商城市。但美国与一些欧洲国家一样，对古典复兴风格运用有着很强的再创造性和创新精神，并且已经显示出与欧洲不同的简化特色。

四、新古典主义风格的价值与历史地位

新古典主义风格与文艺复兴风格一样，都是建筑艺术发展到一定阶段以后，人们对于古典风格的怀念与回归，表现出建筑艺术的发展是呈螺旋式上升的一种规律。

古典主义的文学特征篇2

在20世纪上半叶，西方国家的政治、社会、文化、经济一直处于前所未有的动荡时期。人类社会需要某种全新的形式来诠释当下的变化与困惑，因此人们对艺术的要求和观念上所发生的变化，也直接反映在了音乐创作中。在这种情况下，大多数作曲家以早期音乐的风格特点作为新的出发点，尝试创造新的音乐风格，并由此揭开了一场新古典主义的音乐运动，而斯特拉文斯基的创作无疑是20世纪艺术文化史中珍贵的一章。

斯特拉文斯基受他个人成长经历的影响，历经了几个不同的创作阶段，由后浪漫主义和俄罗斯音乐风格逐渐过渡到新古典主义音乐风格，其后又发展至十二音序列主义风格，最终形成了多元化的音乐艺术特点。可以说，斯特拉文斯基每一次音乐风格的转变都是对他以往创作的重新审视。

俄罗斯时期是斯特拉文斯基民族意识较为强烈的时期，这一阶段的音乐风格继承了晚期浪漫主义的创作方式与创作技法，大量融合俄罗斯民族民间音乐的元素，他创作了多种形式的钢琴作品。“斯特拉文斯基创作的将近20首钢琴曲贯穿他创作的一生，有相当部分的作品堪称经典之作。这些作品当中有钢琴独奏作品、双钢琴作品、协奏曲或与乐器协奏形式的作品等。更有甚者，斯特拉文斯基自称有少量作品是为解释或解决作曲当中的一些问题而创作的。”①可见，在斯特拉文斯基手中，钢琴作品作为一种重要的创新媒介，被赋予了高难度的演奏技巧，以及内敛深沉的艺术价值。在斯特拉文斯基的钢琴曲中，《#f小调奏鸣曲》《谐谑曲》《钢琴奏鸣曲》等作品代表性较强。这些作品见证了作曲家所经历的各个创作阶段，也体现出他与“传统”之间仍然保持着的或深或浅的联系――他在继承“传统”的同时，又更新了古典音乐作品的创作手法，建立了个性化的现代风格，并将这种风格贯穿在他所有的新古典主义音乐作品中。

二、钢琴艺术语言的艺术风格

斯特拉文斯基的钢琴作品在新古典主义音乐的观照下，极大程度地扩展出多样性的钢琴创作思维、演奏思维，将全新的创作因素引入到作品当中。在此基础上，他还参考了18世纪的欧洲音乐风格，并总结出这一时期曲式、织体、和声、节拍等方面的多种规则，而在他“游戏”般的新古典主义实践中，他所做的一切突破又正是针对这些“规则”而展开的。斯特拉文斯基在音乐中采用不平衡的节奏力度，形成了非常具有冲击力但有节制的气势，可以说在新古典主义的钢琴音乐语言中，节奏的创新运用使得他的作品呈现出个性化的风格特征，这也是他对20世纪全新音乐语言的引导和影响。

斯特拉文斯基也常以模仿和解构巴洛克时期的音乐结构为创作动机，他的《钢琴奏鸣曲》便充分体现了这一艺术特点。从特定角度来说，《钢琴奏鸣曲》代表了斯特拉文斯基在新古典主义时期的典型创作特征，它将斯特拉文斯基的新古典主义美学思想与对钢琴音乐的探索结合在一起，较为全面地展示了新古典主义时期钢琴曲的创作面貌。总体而言，斯特拉文斯基的新古典主义，反馈了当下时代的音乐理性精神和艺术审美，他独有的创作理念为现代音乐的发展注入了新的元素，并产生了与19世纪“浪漫主义”相悖的创作特征与美学观念。

三、钢琴艺术语言的艺术特点

斯特拉文斯基的钢琴作品常以不断变化的乐思作为音乐发展的主线，在形式、结构、和声、节奏以及音乐素材上采用大量的非传统的织体形态，运用全新创作手法拓展出新的复杂节奏和音乐元素，形成了现代音乐的美学思想，并以其特有的美学观点和音乐风格独树一帜。可以说正是在钢琴体裁的创作和诠释过程中，他的音乐美学观点和总体音乐风格逐渐趋于成熟和稳定。他的每一部钢琴代表作，不仅颠覆了人们以往对传统音乐形式所惯有的认识，而且从音响上彻底改变了欣赏者对音乐的审美体验。

斯特拉文斯基在他的钢琴创作中，坚持不断地展示他的较为典型的自律论音乐美学思想。他认为，“音乐除了表现它本身以外，根本无力表达任何东西，如情感、内心观念、心理情绪、自然现象等，表现从来不是音乐固有的特性。”②对他来说，音乐并不是主观表现，它只能是客观存在，这也进一步验证了自律论“美在形式”的观点――作曲家出于对音乐形式美的追求，探索在音乐创作技法上的不规则与统一。斯特拉文斯基是在理性的掌控下，将音响作为主要创作媒介。在他所谓的新古典主义时期的钢琴创作中，这些美学思想得到了充分体现，他的大多数作品也因此具有更多的突破，体现出一种美学观上的艺术哲学。

斯特拉文斯基钢琴音乐的艺术特点与他的总体音乐创作风格有着密不可分的联系，而他的创作又始终与新古典主义有所关联，因此，在探究其钢琴作品的艺术特点时，对新古典主义的界定就显得尤为重要。从这个术语的界定视角来看，“新古典主义”是新的“古典主义”，还是“新古典”主义的概念一直存在着争议。“对于前者来说，‘新古典主义’强调的是‘古典主义’在新的历史语境中的再发展；对于后者来说，‘新古典主义’尽管表面上和‘古典’有着千丝万缕的联系，但是从本质上来看，它是一个全新的现象。”③以前者作为研究基础的学者，用传统的音乐方法探索斯特拉文斯基的新古典主义音乐，并与传统的古典音乐相比，来看他的创新与变化；以后者作为界定基础的学者，则不再关注他对音乐传统的继承和创新，用全新的音乐分析方法探究他的“新古典”主义。

从目前学术界对这个术语的界定视角来看，具有“简明、清晰、节制、纯粹”等特点的音乐能够较为准确地诠释新古典主义音乐风格，也有学者将之总结为“简洁清晰”“有机合成”。④但更重要的是，斯特拉文斯基的新古典主义风格的钢琴作品与传统之间存在某种外在的、形式结构上的联系，借助于这种解释，他的新古典主义则有了更为明确的界定。因此可以说，最理想的“新古典主义”首先应具有“简明、清晰、纯粹、节制、反浪漫”等美学特征；其次，这种音乐风格应与传统保持着相应的联系，这样做的目的是出于对传统的继承以及唤起对传统的记忆。

如此一来，斯特拉文斯基的新古典主义音乐成为具有多层次内涵的音乐，它既可以被称说成是对欧洲传统作曲技法与风格的继承与否定，也可以解释为以独特视角、风格和方法来继承欧洲传统的古典作曲艺术。将这种“矛盾”上升到美学观念层面上看，在这种关系之中，新古典主义对于传统古典主义音乐的技法与风格既可以是肯定的，也可以是否定的；既可以是继承、复兴传统，也可能是为了彻底打破传统。

结语

新古典主义可以说是西方现代艺术在音乐领域中的典型现象，而以斯特拉文斯基的钢琴曲作为研究基础，可以从中体验出新古典主义所特有的艺术品质，并且对他所创造的全新的音乐语言有多方面、更深层的理解。新古典主义音乐风格的产生和发展深受社会背景的影响，它同时也是科学进步、社会发展、物质与精神世界提高的产物，它崇尚理性，追求严密的逻辑、结构等艺术特征，这也正是那个时代不同社会因素的种种反映。诚然，纵观斯特拉文斯基新古典主义的创作特征，形式美的自律论美学成为他的主导美学思想，而“纯器乐”的钢琴曲将他的美学理念与其对新古典主义的探索结合在一起。

从斯特拉文斯基的钢琴创作来看，他既是传统音乐的革新派，又是对传统最“留恋”的继承人。他对于新古典主义钢琴音乐的创作与把握，是他作为一个现代派作曲家的主要标志，他所秉承的创作原则不同于以往的“古典主义”，也许用“继承与创新”能恰当地表达这一创作风格的本质特征，概括而言，在寻求现代音乐的创作方法上，他是一位传统主义的革新者。

注释：

①宰.从斯特拉文斯基“俄罗斯时期”风格多变性看他的钢琴练习曲[J].上海师范大学学报，2009(1).

②朱琴.浅论斯特拉文斯基的美学观及其创作风格[J].新疆石油教育学院学报，2001(2)

③④纪露.斯特拉文斯基“新古典主义”的内涵[J].天津音乐学院学报，2010(2).

参考文献

[1]龙德云，从斯特拉文斯基的《钢琴和管乐协奏曲》走进新古典主义结构中的微观世界[J].贵阳金筑大学学报，1999(3).

[2]郝维亚.百年经典 世纪回眸――斯特拉文斯基与新古典主义[J].人民音乐，1999(8).

[3]王永振.斯特拉文斯基早期室内乐作品的创作特征[J].天津音乐学院学报，2006(3).

[4]苏珊・菲勒，吕常乐.“新古典主义”在音乐中的不同表现[J].中央音乐学院学报，2007(4).

[5]陈蕾.创造一种全新的音乐语言――新古典主义在斯特拉文斯基《钢琴奏鸣曲》(1924)中的体现[J].音乐生活，2008(7).

古典主义的文学特征篇3

随着全球经济一体化的不断发展，越来越多的外来思想不断地涌入到中国，通过各种方式和途径对中国年轻人的价值观、世界观产生影响，潜移默化着当代大学生的思想和行为。不少学生因缺乏判断力，容易被消极负面的思想所误导，从而影响到自己的心理健康发展以及思想道德的形成。鉴于这种情况，特别需要高校从思想层面对大学生进行引导和教育，重视思想政治教育对学生的积极作用。[1]

一、研究古典文学对大学思想教育的意义

我国近两年发展起来的国学热，体现出国家对文化软实力的不断重视，这种良好的社会环境是我们通过古典文学教育实现对大学生思想政治教育的有利条件。研究古典文学对大学生思想政治教育的影响有着非常实际的意义。大学生思想政治教育本身就具备了较强的学科交叉性、借鉴性、流动性的特点，大学生思想政治教育能够借鉴多个不同学科的理论和资源为自己所用，从而提升自身的教育效果。尽管古典文学教育和大学生思想政治教育分属两个不同的学科，但二者在教育意义层面是共通的，对于大学生的德育和美育工作是统一的。古典文学背后蕴含的强大情感昭化以及对生命意义的追求，是我们在古典文学研究中忽略的地方，深入地挖掘中国古典文学背后的思想政治教育资源和人文精神对于当代大学生思想政治教育工作有着特殊的意义。

二、古典文学教育对大学生思想政治教育的影响

（一）古典文学的内涵和特征

为了研究古典文学对大学生思想政治教育的影响，我们首先应该明确古典文学所包含的人文内涵以及精神特征，更加深入地了解古典文学的本质。那么古典文学教育的思想内涵到底是怎样的呢？我们可以从古典文学教育的内容着手，中国的古典文学广义上来说是指从先秦到清末所有的中国文学内容，包括的内容非常多，诸如作家、作品、文学事件、起源与发展历程等，具有鲜明的民族文化特点;其表现形式也非常多，从诗歌、小说、散文到词、曲、赋等，题材非常丰富。[2]古典文学的主要特征有哲理性、教育性、情感性、道德性和美感性。其哲理性主要表现在中国古典文学中的理性之美，特别是探索真理、揭示事物本源的特点对大学生思想政治教育有着非常好的帮助，能够促进学生探索真理，激发学生主动思考;情感性也是古典文学的主要特点，很多古典文学中含有丰富的情感内容，有的关乎国家命运，有的饱含了作者深沉的情感关怀，这种情感力量对大学生来说有着非常强烈的情感共鸣;道德性主要体现着古典文学的历史使命感和道德责任感，弘扬人文精神是古典文学的典型特征，很多古典文学作品中非常重视对人物历史事件的道德审判，这种尖锐的揭露和批判是古典文学的显著特征。

（二）古典文学在大学生思想政治教育中的影响

1.古典文学对当前社会的解读与时俱进

作为传统文化的重要组成部分，古典文学曾经很长一段时间被认为是落后的封建思想而与社会相分离。但是随着社会的不断发展，对于古典文学的研究也越来越多，古典文学内部出现了非常多的新型学派，他们通过古典文学的理论解读当前的很多社会现象。透过古典文学的理论更加清晰地看待这个世界，能够对受思想政治教育的大学生产生积极的影响。当代大学生是一群思想活跃的年轻人，古典文学教育对于社会现象的全新认识能够被广泛地运用于大学生的思想教育工作中，这种与时代结合的特点，能够很好地影响大学生思想文化思潮的推动和价值观念的养成。特别是现在社会正处在一个变革的时期，在巨大的社会压力之下大学生会产生多种不良的情绪，而很多古典文学也恰恰都是在巨大的压力下创作出来的，古典文学对于社会的解读有时候恰好符合了当下大学生的心理情景，通过独特的视角和认识，引导学生树立正确的世界观、价值观。

2.古典文学教育能够促使大学生思想教育工作的创新

当代的大学生是一群追求创新和个性的年轻人，古典文学教育的引入能够使得当前的大学生思想教育形式得到创新，古典文学作为中国传统文化的重要载体，其潜在的思想教育功能为大学生思想教育创造了便利的条件。大学生思想教育工作的创新主要表现在教学的理念、内容、模式的改革上，具体表现在：首先是思想教育工作的内容，从心理学的层面来解读，古典文学的加入能够极大地丰富大学生思想教育的内容，这也符合了当代大学生对于知识的渴求，能够激发学生们的求知欲和探索欲。古典文学教育为大学生思想教育提供了丰富的素材，将古典文学教育纳入到大学生思想教育的教学内容中，不仅仅能够提高学生的思想素质，还能提高学生的文学修养和审美能力。[3]其次是教育方法，古典文学教育和大学生思想教育毕竟不是同一学科的教育，古典文学的引入必然会影响大学生思想教育的形式、内容、方法的改变，通过古典文学资源中思想教育资源的挖掘，以大学生关注的热点问题为教育的导入点，提高教育方法的有效性，也是古典文学对大学生思想教育的积极影响。教育方法的改进能够不断地深化大学生思想教育中大学生的主体地位，坚持大学生思想素质教育为根本，积极开展古典文学研讨、朗诵等活动，通过多媒体技术等新兴的教学方法拓展大学生思想教育的教学范围，纵向扩展大学生思想教育内涵。

3.古典文学教育能够提高大学生思想教育的有效性

古典文学教育的过程是一个循序渐进的过程，它更加注重学生思想层面的提高。在这个过程中如何让学生积极主动地去理解和接受，是当前古典文学教育应用于大学生思想教育中的难点，也是影响大学生思想教育有效性的主要因素。古典文学发挥其人文内涵的特性，将教育与人文关怀相融合是其实现思想教育目的的手段。为此我们需要注意以下几点：首先是充分发挥古典文学的精神，构建多维度的思想教育的环境和氛围，通过让学生容易接受的教学过程，全面提升大学生思想教育的有效性。《烈女传》中孟母三迁的典故说明了环境对人的影响，同样，大学生思想教育也需要一个合理的环境。这种来自教育层面的环境对于实际的大学生思想教育有着非常大的影响，在实际的教育工作中我们要突破传统教育观念的束缚，积极拓展大学生思想教育理念，尤其加强对思想道德的重视，利用多平台的优势营造一个多维度的教育环境和空间，充分地调动一切教育的资源和力量，营造一个合理的思想道德教育氛围，从而全面地提高大学生思想教育的有效性。其次是通过古典文学中精神方面的教育，加强大学生思想品德教育的效果，从思想层面塑造学生的完美人格，不断地汲取古典文学的精华，充实当前大学思想教育的工作内涵，进而从根本上提高大学生思想教育的实际工作效果。

4.古典文学能够增加大学生思想教育的科学性

所谓大学生思想教育的科学性，即一定要适应当今的社会发展，古典文学结合时代的发展能够促进大学生思想教育的理论意义。[4]当今世界正处在一个融合的时期，世界的多元化发展带给年轻人很多的思想冲击，我国工业化、信息化、城镇化的不断深入也逐渐影响了大学生的成长过程。古典文学与时代相结合就是注重大学生对社会主义文化的理解，鼓励他们在学习古典文化的同时，不忘古典文学知识中的哲理性和科学性，其中非常重要的一个部分就是古典文学与马克思主义的结合。马克思主义是非常严谨和科学的理论，马克思主义中国化已经有很多年的历史了，我们就是在历史的变革中不断地认识到中国发展的特性，选择性地接受马克思主义理论，而中国的古典文学是推动马克思主义中国化的重要动力。古典文学除了包含着丰富的人文精神外，还蕴含着丰富的哲理，而这种哲理性又大大增加了大学生思想教育的科学性。

结语

大学生思想教育的核心观念就是通过中国传统文化、社会主义核心价值观等内容实现对大学生思想的教育，全面提升大学生的思想道德水平。而中国的古典文学以其积极强烈的感染力反映着中华民族对社会的认识和理解，古典文学对于我国传统文化来说有着极大的影响力，这种影响力对于大学生思想教育来说是不可忽视的，因此我们需要提高对古典文学的解读能力，充分地挖掘古典文学的人文内涵和特征，研究其对于大学生思想教育的影响，进而全面地提升大学生思想教育工作的综合水平。

参考文献

[1]杨洪泽.当代大学生思想政治教育实效性研究[D].东北师范大学，2013.

古典主义的文学特征篇4

新古典主义虽然脱胎于古典主义，但是二者既有相同之处，又有不同之处。其一，二者都强调理性。贺拉斯认为“要写作成功，判断力是开端和源泉”。这里“判断力”指理性。布瓦洛也主张在艺术领域高举起理性的旗帜。但前者认为艺术创作活动作为一种理性活动，和作家主体的思想深度、道德倾向、知识和经验有十分紧密的关系，强调作家主体的判断力；而后者则以理性判断代替作家个体的判断。其二，二者都赞成“艺术模仿自然”这一观点，但二者所指称的“自然”含义与范围是不一样的。前者认为自然指客观现实人的生活；后者认为自然指合乎常情常理的事物，特别是指合乎常情常理的人道。其三，二者都主张模仿古典，但目的不一样。贺拉斯树立“以希腊为典范的旗帜”是为了建立能与罗马贵族战功事迹相媲美的罗马艺术；而布瓦洛打起的古希腊罗马旗帜是为了规范法兰西文艺，使法兰西文艺像罗马帝国的文艺一样，成为无愧于“太阳王朝”伟大事业的辉煌文艺。其四，二者都强调诗人的道德修养。贺拉斯要求诗人要有德行、有学识、有才华，要有认真负责的创作态度；布瓦洛也认为作家要注意在道德上的自我完善，既要在人格上自尊自爱，又要培养自己健康的审美趣味。其五，二者都主张遵循历史的性格“定型”和与人物相符的类型性格。贺拉斯提出“合式”这一创作原则，倡导妥帖、合理、平易的风格。作品结构必须和谐一致，形成统一的整体。人物性格要遵循传统的性格“定型”，语言风格要与人物的身世和心情相符。布瓦洛强调“美即真实”“只有真的才是美的”。因此，刻画人物要同与历史传说一致的性格“定型”以及与品性、年龄相符的类型相一致。其六，二者都强调文艺的作用。贺拉斯的“寓教于乐”说认为文艺具有教化和娱乐双重功用；布瓦洛也强调文艺的功用，他根据真、善、美三者统一的观点，主张认识、教育和审美三者功用的结合。其七，因为对造型都有非常严格的准确要求，所以新古典主义和古典主义都非常强调素描的核心地位。古典主义画家认为只有素描才能体现艺术家的思想。古典主义的杰出代表普桑主张艺术家应当理智地运用他们的材料，并提出这样的见解：色彩是绘画中迷惑视觉和思维的陷阱，就如诗歌文韵的迷惑力一样。由此可见，古典主义者是重理智而轻直觉的，认为素描比色彩更为重要和高贵。新古典主义艺术家充分继承了古典主义的这一思想，也重视造型的准确观察和光影的正确描绘，并通过理性的描绘保障结构的均衡与形式的完整。

古典主义的文学特征篇5

一、二十世纪西方新古典主义

二十世纪西方音乐发展在经历了几个时期之后，在浪漫主义后期出现了德彪西等一些风格特例的作曲家。他们开始运用不协和音，不完全解决等一些方法演奏出一些新的色彩。勋伯格更是打破传统的调式，建立十二音体系来创作各种各样的作品。在这样一种背景下，斯特拉文斯基和兴德米特提出了“回到巴赫”的口号。他们采用古典主义时期的素材进行新的创造，提倡回归古典主义，例如斯特拉文斯基的作品《春之祭》便是其新古典主义时期的代表作。

斯特拉文斯基和兴德米特的创作可以分三个时期，他们在新古典主义时期的创作还处在探索阶段，虽然采用了古典主义的音乐素材，但他们的音乐作品还是具有明显的当代特征。

萨蒂和六人团是新古典主义的另一组代表人物。萨蒂，法国作曲家，才华横溢可惜晚年才被赏识。萨蒂出生在音乐世家，却不愿接受正规音乐学院的教育，弃学去咖啡馆弹琴。而就在这个时期他的作品便带有浓郁的新古典主义色彩。他提倡回归古典主义的音乐特点，即简单纯朴，反对德彪西等人的理念。同时他在作品中也使用了很有特点的和弦。六人团则是在萨蒂理念的影响下，提出回归新古典主义。但因后期风格不一，六人团的成员慢慢的分开发展了。

两组新古典主义代表人物，斯特拉文斯基只是表面上提倡回归古典主义，而萨蒂相对来说比较深刻的提出回归新古典主义的意义和方法。从现代中国音乐的发展趋势看来，不少音乐家也开始慢慢的有回归中国的古典音乐的想法，开始提倡音乐的美感，并慢慢的体现在创作的作品中。

二、中国音乐的“新古典主义”

中国的“新古典主义”最多提出是在中国文学方面。而新古典主义在音乐上是由田青提出的。他认为中国音乐应该着重保护好中国的传统音乐，保留传统音乐的美感和境界。中国音乐方面的“新古典主义”体现在了好多方面，例如田青在青年歌手大赛上最初提出“原生态”唱法。这一观点的提出是“新古典主义”很有力的一例。田青认为原生态唱法是中国音乐的精华，是应该保留和发扬的民间音乐和中国传统文化。在美声唱法和民族唱法盛行的中国，原生态唱法一枝独秀，它的出现不仅仅是不仅仅丰富了声乐界的演唱形式，更是一种观念和态度的转变。我们近现代的音乐发展既要跟上世界的步伐，吸收世纪音乐得精髓，更要保留和弘扬中国传统音乐和文化的美感。

除了“原生态”唱法的提出之外，其他的音乐家也有各自的想法和观点。比如非常出名的“谭卞之争”，就是两位艺术家对于传统音乐和现代音乐的争论。谭盾受到约翰凯奇等现代派音乐家的影响，写出了《地图》等具有现代意义的作品。他寻找一些新的发音媒介来创造新的音乐，在一些作品中，他运用了很多现实中的物品发出的声音，比如水声，石头摩擦的声音等。然而他新颖的写作手法引起了很多老一辈音乐家的质疑，卞祖善就是一个例子。作为传统音乐的倡导者，他认为谭盾的做法降低了作曲家和演奏家的作用，降低了整个音乐的美感。

除此之外，各个领域的音乐家对新时代的音乐走向表现出了自己的观点。本文具体以竹笛的作品为例，分析了器乐领域的作曲家的“新古典主义”倾向。

三、竹笛作品《金色的山东》

竹笛作品《金色的山东》是一个比较全面的大型民族管弦乐作品。该曲的作者是北方笛派的代表，竹笛演奏家、作曲家、指挥家――曲祥。该曲分为《孔子随想》、《泰山放歌》和《黄河入海》三个乐章。在这三个乐章中，作曲者采用了竹笛上各种演奏技法来演绎这三个主题。

（一）作品分析

第一个主题《孔子随想》，作者描写了山东最有代表性的人物：孔子。这一乐章是采用了单二部曲式，第一段落描绘了在圣人孔子没有出世前，古代大地上的战火纷飞，民不聊生的场景。作者用紧张急促的节奏和连续的连音烘托出了战争时紧张的气氛，并用二胡的无旋律演奏表现出了战争中人们无力的呐喊。但是值得分析的是，该乐章的第二段则是与第一段截然不同的两种音乐。第二段之前的间奏，利用中国传统乐器箜篌，旋律立刻体现出了中国古韵的味道，间奏的旋律也是采用中国最基本的五声调式，简单的旋律庄重而典雅。旋律的主要部分，要求演奏时气息平缓，手指交替时非常讲究，整个画面犹如孔夫子出世，世间被孔夫子的光芒普照，战争和贫苦皆无。这一段的旋律采用中国民族七声调式，色彩古朴典雅，作者要求气息平稳，用慢速气震音的演奏方式使得这一乐段的整个感觉类似于古琴演奏，体现了中国传统音乐的色彩。

（二）乐曲的“新古典主义”特征分析

《孔子随想》这一乐章，首先在选材上就是对中国古典音乐的采用和推广。作者选择孔子这一特殊的历史人物，并且用了古代的乐器箜篌，采用中国传统的民族调式来表现这一历史人物。

同时，这一作品的新古典主义不仅是在作者选用的音乐材料上，更是体现在作者的写作意图上。作者采用中国传统的民族调式，在乐曲的处理上采用近似于古琴的音乐特征，不仅在音乐上韵味十足，旋律深沉典雅，在意境上更是古色古香。在这一方面，这部作品回归了中国古典音乐的根本意义所在。在近些年越来越多的竹笛作品中，不协和音、超吹音的比重越来越大，而注重古典音乐美感的作品越来越少。而曲祥的这一完美体现了中国传统音乐和调式美感的作品在现代亮起了一盏明灯。

四、竹笛作品《龙灯高照》

竹笛曲《龙灯高照》也是曲祥老师的作品之一。这部作品与《金色的山东》于2007年在山东上演引起巨大轰动。与其他21世纪的作品相比，这两部作品体现了与时代不同的色彩。

（一）作品分析

《龙灯高照》是一部以唢呐为主的大型民族管弦乐作品。该乐曲分为四个乐章，分别是《灯月交辉》、《灯海如潮》、《多彩的秧歌》和《燃气的希望》。第一乐章“灯月交辉”是简单的单一部曲式，用激昂的曲调描绘了正月元宵节的热闹场面。正月元宵金龙舞，皓月当空人团圆。元宵之夜，万家灯火与无数彩灯点缀城乡，与银汉明月相辉映，宛若人间仙境。乐曲以古老的编钟玉磐为引奏，祥瑞之声衬出灿灿寒星，皎皎玉轮。乐队以浓郁的民间音乐基调与表演风格，描绘了月圆之夜的美景与温馨：万家灯火醉酒香，一轮明月照亲情。月下都市，繁华似锦，月下社火，人潮欢聚。灯月相映，金银交辉，飞虹落霞，流光溢彩。乐曲在洋溢着喜庆之气的唢呐声中结束，寓意着社会安定祥和、人们安居乐业的欢乐意境。第二乐章《灯海如潮》同样也是单一部的曲式结构，在乐章的开始用一连串快速的、舞蹈性的吐音表现了龙珠翻滚，龙腾狮舞，焰花飞溅，编织出一幅花灯如海、彩光喷泻的璀璨画卷。之后的乐队采用弦乐和弹拨乐追奏的形式，体现了灯会恢弘的气势和热闹的气氛。第三乐章《多彩的秧歌》，就是采用了秧歌的形式和曲调，旋律上富有鲜活风土乡韵，描绘出万民闹春、再盼丰年的狂欢场面。 第四乐章《燃气的希望》，再现了第一乐章的主题，乐队用嗦亮的笙管丝弦与激越的排鼓相结合，表现了新世纪的新希望。

（二）乐曲的“新古典主义”特征分析

与《金色的山东》一样的是，作者在选材和组成整个乐曲的素材上都是选择了中国传统音乐的素材。比如该曲的第三乐章，采用了山东秧歌作为基本的曲调，利用竹笛的滑音、花舌音的技巧表现了主题。

另一个方面，《龙灯高照》整个曲子在作曲的出发点上就是发扬中国的传统文化――元宵节。这些作为我国非物质文化遗产的节日，随着现代化的发展，味道变得越来越淡。在新世纪这一作品的提出，无疑是对中国传统文化的发扬。而它在音乐方面的意义，就是提倡中国的传统音乐，回归传统音乐的美感。

五、总结

新古典主义的影响不仅在音乐方面，在中国文学方面也掀起了一场中国文学新古典主义。新古典主义作为时展的一种趋势，是不可避免的。我们只能站在前人的肩膀上继续前行，为了发展中国传统文化和传统音乐贡献自己的一份力量。

参考文献：

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[2]田青.捡起金叶[M].文化艺术出版社，2010（05）.

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[5]高宁.罗四林.论20世纪中国新古典主义文学的发展历程[J].湖南农业大学学报，2006（05）.

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[11]袁静芳.民族器乐（修订版）[M].北京：高等教育出版社，2004.

古典主义的文学特征篇6

一、古典舞概述

对于古典舞是以传统民间舞蹈为基础，由一些舞蹈学家进行整理以及创造等，经过长期实践最终流传下来具有特色风格的一种舞蹈。在中国舞蹈史中古典舞占有重要的地位，同时也发挥着至关重要的作用，推动了中国舞蹈艺术的良好发展。在中国古典舞中凝聚了民族艺术中的精髓，同时也包含了传统舞蹈中的魅力，在整体上已经演变成一个独特的艺术语言。伴随着中国古典舞文化的出现，展示出人们对古老舞蹈文化特有的尊重，对于古典舞来说自身具有丰富的文化内涵，同时还具有一定的独特魅力。

二、在中国古典舞中身韵的运用

在中国古典舞中身韵具有良好的运用，在一定程度上讲就是将舞姿与技术相结合，同时还应将节奏以及舞蹈动作结合开来，进而能够表现出表演者内在修养。对于基训来说是古典舞中的一种训练方法，而身韵是规范舞蹈动作的一种标准。因此在实际学习中掌握相关的节奏韵律，就能找到中国古典舞蹈中蕴含的节奏韵律，同时还能找到古典舞创作中的灵感。因此对于身韵训练来说不仅能体现出中国古典舞蹈中的独特风格，还能表现在创作舞蹈动作语言方面。在实际古典舞身韵运用中和其它的舞蹈艺术具有较多的相同之处，身韵具有一定的时代性，所以在实际训练只能够控制还身韵的时代性是成功时的关键之处。因此在当前古典舞教学中运用身韵应该突出展现人们的精神面貌，进而能够让身韵和人们精神面貌达到统一。

三、中国古典舞身韵发挥的审美意义

在中国古典舞中身韵是较为重要的审美特质，在整体上应该把握韵律以及节奏等，还应体会到在舞蹈中表现在内涵以及情感等，这样才能真正了解在舞蹈中所想要表达出的思想以及情感，进而才能更好的将古典舞中的美展现出来。在中国古典舞中的身韵与传统舞蹈中的相关步法统一结合起来，进而能够更加生动的演绎出来，不仅能够表现出神韵美，而且还能利用舞蹈表现出舞蹈中蕴含的情感。对于古典舞来说是传统戏曲以及杂技和武术等相关艺术形式结合开来的一种艺术形式，在大体上并没有局限于某种艺术形式中，具有一定的独立性，形成自身独特的艺术标志，能够在真正意义上展现出的古典舞中的独特魅力。在古典舞中的神韵是通过不断的探索以及总结一些艺术经验最终衍生出来的，在当前已经成为古典舞学习者学习中的主要内容。在古典舞中身韵是重要的灵魂，具有一定的民族性以及时代性等相关的特征，同时对中国传统文化传承发挥着不可替代的作用。在新的形势下，古典舞身韵在课堂中也发挥着重要的作用，已经成为课堂教学中的重要内容，学生在学习中，作为教育者应该加强学生对身韵的理解，同时能够在古典舞中展现出来，进而增强自身综合能力，促进学生的全面发展。

四、古典舞身韵教学方法研究

（一）建立健全教学体系

在中国古典舞课堂教学中，作为教育者应该更新自身教学观念，打破传统教学方式，首先在教学中应该进行系统性的训练，在整体上明确古典舞教学技术以及相应的教学方法。在实际教学中应该遵循着循序渐进的原则进而展开教学。在古典舞教学开展过程中，应该紧紧围绕着规范性等相关要求，进而为学生营造出良好的学习氛围，同时还应紧紧围绕古典舞身韵中的审美特征，进而积极开展教学工作。

（二）注重“形神兼备”

在古典舞教学中，对于学生来说应掌握好相关的基本技法，同时还应注重培养学生的身韵。对于古典舞来说应该具有优美的舞姿以及高超的技巧，同时还应具备一定的感染力，在课堂教学中能够将身韵自身的审美特征表现出来并真正的融入在舞蹈动作中来。除此之外，学生在学习过程中应该深刻的认识到“形神兼备”发挥的重要性，老师对学生加强训练过程中应该遵循循序渐进的原则，有条不紊的加强学生的训练，在基础环节上入手，进而加强学生对身韵的理解，在实际表演中能够展现出来。老师在教学中也可以积极多媒体进行教学，加强在教学中的互动，进而能够很好的理解在古典舞身韵中的审美特征，最终取得较好的教学效果。

五、结语

总而言之，在当前教学中应该建立完善的教学体系，在形神兼备古典舞动作形态中，将古典舞身韵审美特征充分展现出来，让学生对古典舞有了更深入的认识和感悟，掌握古典舞身韵审美特征，在实践中展现出来，对古典舞课堂教学有着积极的意义。

[参考文献]

[1]孙艺萌.中国古典舞身韵的审美特征与课堂教学研究[J].音乐生活,2016,02:78-80.

古典主义的文学特征篇7

任何一种作品的出现都离不开文化和环境的存在，想要了解布拉姆斯钢琴作品的音乐风格，首先需要了解勃拉姆斯的生活环境和成长经历。约翰奈斯・勃拉姆斯是世界知名的古典作曲家，在今天，他被认为是19世纪浪漫主义音乐时期的复古者。尽管没有进入过音乐学校，依靠自身的天分与勤奋，全身心地投入到音乐创作中，最终以优秀的作品证实了它杰出的才华与技巧。钢琴小品大多在勃拉姆斯音乐创作生涯后期完成的，也是当今研究他音乐风格的重要资料。

一、勃拉姆斯的钢琴创作特点

勃拉姆斯的音乐创作涉猎范围非常广，体裁包含了协奏曲、交响曲、安魂曲、奏鸣曲、经文歌、变奏曲以及钢琴小品等。钢琴小品在其中占有非常重要的地位，根据不同的体裁形式可以分为：圆舞曲、奏鸣曲、变奏曲、狂想曲、幻想曲、叙事曲等。随着勃拉姆斯的创作发展历程，其作曲生涯可以分为以下三个时期。

1.以开朗为主要特征的早期创作

勃拉姆斯早期创作的时间大致在1851-1854年之间，这一时期的作品大多展现出理想色彩、充满的青春的活力，作品完美的承袭了古典主义精神，同时蕴含着浪漫主义情怀。具有代表性的四首叙事曲目集中表达出勃拉姆斯对于自然、国家的热爱以及敢于追求的情怀。此时的作品已经很好的展现出古典主义和浪漫主义融合的趋势，但是相较于中晚期的作品，在主题的发展以及调性的建造上还颇为青涩。

2.以成熟为主要特征的中期创作

勃拉姆斯的中期创作生涯划分在1855-1865年之间，这一阶段可谓是作曲家的黄金生涯，事业发展如日中天，生活富足，作者将变奏曲作为创作的主要对象。尽管变奏曲的创作技法非常古老，但是勃拉姆斯具有不落窠臼的精神，通过创新和发展将作品注入独特的艺术魅力、这一时期的变奏曲形象、生动、完美的表达出作家的意图。代表作品《帕格尼尼主题变奏曲》被称之为钢琴音乐宝库中技巧最难的作品之一，效果华丽、大气。作者创作的匈牙利舞曲也能够真实的体现民族音乐的特点，感情丰富、控制得当。

3.以理性为主要特征的晚期创作

晚期指的是1878-1893年之间，作者于1863年定居在维也纳之后开始创作交响乐、四重奏以及艺术歌曲等。随着生活经历的丰富、时代背景的变化，德国的现实的压迫让勃拉姆斯作品中乐观和开朗不复存在，变得内敛、理智、客观以及费解。在这一时期，作者潜心研究室内音乐，偏爱短小的钢琴作品，对于古典主义和浪漫主义的表现更加突出。情绪化与逻辑性的结合让勃拉姆斯这一时期的作品成为当代研究的重要方向。

二、勃拉姆斯晚期钢琴小品的音乐风格探讨

钢琴小品是浪漫主义音乐中别具一格的艺术形式，具有性格随意、愉快、轻松的特点，其结构精悍，具有特殊的标题性，而体裁具有非常丰富的变化。尽管在古典主义时期就已经有钢琴小品的身影，但是在浪漫主义时期更加盛行，最为典型的就是舒伯特、门德尔松以及舒曼。勃拉姆斯者这一基础上继承发展，形成个人独特的风格，并即将钢琴小品推到新的高度。

1.德国民歌与艺术歌曲风格

勃拉姆斯深爱着民族文化，从青年时期开始对德国的民歌进行整理，德国民歌具有淳朴、单一与严谨的特点，直观的展现出德国人坚定与稳重的性格特征。在整理过程中积累了丰富的素材，从而让作者的情感具有更好的宣泄口。将钢琴小品的形式与节奏与民间、民族音乐紧密联系在一起，展现出特有的音乐精神和性格。

2.浪漫主义风格

作为浪漫主义时代的伟大作曲家，勃拉姆斯通过浪漫主义的语汇表露出内心的真情。与同时期大多数浪漫主义作曲家一样，勃拉姆斯的个性矛盾且复杂，既浪漫、冲动、敏感，同时又腼腆、沉静、温柔，晚期作品中能够很好的反映这一现象。以OP.118六首钢琴小品为例，题材上大多都是勃拉姆斯钟爱的间奏曲，抒情、柔和、妇幼想象力，更能够表现出晚期的内敛和隐忍，没有丝毫的斧凿之感。勃拉姆斯将自身丰富的情感通过音乐的语言融合到具有浪漫风格的钢琴小品中，因此在弹奏的过程中需要更加细腻，这也是浪漫主义风格最为典型的特征之一。

3.浪漫主义与古典主义的融合

古典主义所指的是在十八世纪下半叶到十九世纪初的一段时间中，在维也纳形成为的特别的音乐流派，以贝多芬、莫扎特以及海顿为主要代表。古典主义以情感和理智的统一、思想内容和艺术形式的统一作为主要追求，并要求旋律优雅、控制与平衡，让角色既能够满足结构形式同时具有丰富的表现力。尽管勃拉姆斯的钢琴小品中无一不体现出浪漫主义精神，但是其中古典主义的特征也非常明显。晚期作品中，以稳固的古典主义架构支撑自由奔放的浪漫主义风格，勃拉姆斯作品非常典型的特点。同时代的作曲家们大多喜欢将表现转变为单纯的情感宣泄及修饰，但是格拉姆斯并没有随波逐流，他已然固守原则，展现出对于均衡美的追求，这是古典主义最为典型的表现。第116-119号作品可以说是勃拉姆斯最后的钢琴作品，也是作者这一生当中最为成熟的作品，应用半音系统强调和声线条变化，对段落与段落之间的调性布局则以浪漫主义为主。作品中有着明显的模糊调性，可谓精巧而自然。以音乐评论家胡列克的评价来说，勃拉姆斯是自巴赫之后最伟大的对位大师、也是自贝多芬之后最伟大的音乐建筑大师。尽管是最为松散的小型钢琴乐曲，勃拉姆斯仍然可以将其塑造的如同青铜一样坚硬，又如同豁土一样柔顺。

结束语

勃拉姆斯的音乐构思充满着内省与思辨，其构思异常严谨。音乐界中的人士要真正演奏出一部好的作品，在了解曲谱的基础上海应当分析作曲家的人生阅历及生活背景，从历史发展的来龙去脉中找到作者的坚持、了解音乐本质特征，从而与格拉姆斯产生情感共鸣。

参考文献

古典主义的文学特征篇8

室内设计的风格和流派，属室内环境中的艺术造型和精神功能范畴。室内设计的风格和流派往往是和建筑以至家具的风格和流派紧密结合；有时也以相应时期的绘画、造型艺术，甚至文学、音乐等的风格和流派紧密结合；有时也以相应时期的绘画、造型艺术，甚至文学、音乐等的风格和流派为其渊源和相互影响。例如建筑和室内设计中的“后现代主义”一词及其含义，最早是起用于西班牙的文学著作中，而“风格派”则是具有鲜明特色荷兰造型艺术的一个流派。可见，建筑艺术除了具有与物质材料、工程技术紧密联系的特征之外，也还和文学、音乐以及绘画、雕塑等门类艺术之间相互沟通。

室内设计风格的形成，是不同的时代思潮和地区特点，通过创作构思和表现，逐渐发展成为具有代表性的室内设计形式。一种典型风格的形式，通常是和当地的人文因素和自然条件密切相关，又需有创作中的构思和造型的特点。室内设计的风格在体现艺术特色和创作个性的同时，相对地说，可以认为风格跨越的时间要长一些，包含的地域会广一些。

1.1 古典风格的含义及其特征

古典风格在设计时强调空间的独立性，配线的选择要比新古典复杂得多。在材料选择、施工、配饰方面上的投入比较高，多为同一档次其他风格的多倍，所以古中式古典风格的室内设计，是在室内布置、线形、色调以及家具、陈设的造型等方面，吸取传统装饰“形”、“神”的特征。例如吸取我国传统木构架建筑室内的藻井、天棚、挂落、雀替的构成和装饰，明、清家具造型和款式特征。

中式古典风格常给人以历史延续和地域文脉的感受，它使室内环境突出了民族文化渊源的形象特征。中国是个多民族国家，所以谈及中式古典风格实际上还包含民族风格，各民族由于地区、气候、环境、生活习惯、风俗、以及当地建筑材料和施工方法不同，具有独特形式和风格，主要反映在布局、形体、外观、色彩、质感和处理手法等方面。

欧洲古典建筑的历史源远流长，在经历了古希腊、古罗马经典建筑的洗礼之后，形成了以柱式、拱券、山花、门损、雕塑为主要构件的石构造建筑装饰风格。文艺复兴之后巴洛克、洛可可的艺术样式，对欧洲建筑室内装饰风格的演变起着至关重要的作用，形成了法式和英式两种典型的室内装饰流派。

1.2 现代风格的含义及其特征

现代风格起源于1919年成立的包豪斯学派，该学派处于当时的历史背景，强调突破旧传统，创造新建筑，重视功能和空间组织，注意发挥结构构成本身的形式美，造型简洁，反对多余装饰，崇尚合理的构成工艺，尊重材料的性能，讲究材料自身的质地和色彩的配置效果，发展了非传统的以功能布局为依据的不对称的构图方法。包豪斯学派重视实际的工艺制作，强调设计与工业生产的联系。

现代风格由于把功能置于首位，故又称功能主义风格，又因为很快风靡世界各地。现代风格具有以下特征：1）功能主义特征。强调功能为设计的中心和目的，而不再以形式为设计的出发点，讲究设计的科学性，重视设计实施时的科学性与方便性。2）形式上提倡非装饰的简单几何造型。受到艺术上的立体主义影响，推广六面建筑和幕墙架构，提倡标准化原则、中性色彩计划与反装饰主义立场。3）在具体设计上重视空间的考虑，特别强调整体设计，反对在图板上、预想图上设计，而主张以模型为中心的设计规划。4）重视设计对象的费用和开支，把经济问题放到设计中，作为一个重要因素加以考虑规划，从而达到实用、经济的目的。

2 室内设计中古典与现代风格的区别和联系

2.1 室内设计中古典风格与现代风格的区别

（1）手法上的区别：从装饰手法来看，古典风格比较注重装修装饰的秩序感和层次性，细节的搭配，往往在一个局部装修设计中，有多个层次的色彩相互搭配，装饰元素之间相互呼应，一环扣一环，缺少一个就会不协调。而现代风格的装修则更注重装修材料的对比效果，通过石材、玻璃、木材等材质反差很大的材料，或者是黄、紫等对比色，以及刚柔并举的选材搭配来制造房间装修装饰的一种冲突。而在装修的造型上追求简单不繁琐的效果。

（2）色彩上的区别：在色彩方面，古典风格的色彩组合，不能很灵活地更新。因为古典风格的装饰强调色彩的秩序和丰富层次，牵一发就要动全身，而如果只动了一发，而不改变全身的色彩，就相当不和谐。它更注重色彩组合给人的细腻感受，色彩的层次和装饰细节的层次，往往显出家的文化味。相比之下，现代风格的装修以对比色和比较简单的色彩组合为特色。如果不喜欢，根据需要调换两种对比色就可以改变房间的色彩风格，比如，本来家中主要是以白、黑对比色调为主。到了夏天，可以将黑色调的家饰换成冷色的浅蓝、浅灰等色彩，这样家中就会显得比较清凉。

（3）灯光上的区别：古典风格中，仅把灯当做装饰的一部分。在设计中，灯的外形更重要，它作为一种装饰元素加入装修设计中。而灯光的变化不多，因此家中的环境比较传统。现代装修中，强调光环境的概念。在家居设计中，灯的外形设计可能并不能引起你的注意，而当天黑下来时，灯光的组合设计营造出来的特殊环境空间感，却可以给人很多联想的空间。灯在装修中被隐藏起来，而光的环境却体现独特的设计概念。

（4）实用性的区别：在古典室内设计的风格中，设计师们大多注重的是整体的统一与局部的协调，以及他们所设计出的作品效果和规模，要符合一定时期的要求和特定人群的地位，更突出其时代特征，要么给人以装潢凝重，要么给人以清幽素雅等，而往往不太在实用性上大做文章，以避免因为效果不当而产生的拘泥感。所以，古典风格也往往能把人们的注意力集中于它所带来的整体气质中，让我们沉浸在我们所想要的古典美中。

在现代的室内设计风格里，设计家不仅仅对他所设计作品的整体效果有要求，同时也对其实用性有要求，他们会在不破坏其设计效果的基础上，按照现代社会的理念，发挥自己的聪明才智，注入一些生活化的实用化的装饰，尽量使其装饰的每一个角落都不是单调的观赏品。所谓符合现代人的理念，就是美观与使用的统一，所以我的看法是，现代风格有其进步的意义就在于，它从古典的感性化走向了理性化。

2.2 室内设计中古典风格与现代风格的联系

许多装修者在同家装设计师谈未来居所的装修风格时，会单一地提到要“古典”或“现代”风格。但是，他们并不了解，古典风格和现代风格的具体差别在哪里？一个人的生活方式和成长背景决定他更适合什么样的装修风格，假如你对此没有概念，那不妨参考一下设计大师的分析：单一的风格让环境过于单调，多种风格巧妙融合才能设计出一个独特的家，在风格上不必绝对纯粹。由于各种文化和生活方式不断融合，现代的室内设计中已没有纯粹风格的存在；同时，装修也不单单是设计师的事，房主在设计过程中应当学会同设计师进行和谐

的沟通。这是设计成功的前提。设计前消费者要为设计师提供一些基本资料，包括家庭人口、性别、年龄，每间房屋的使用要求，各人的爱好等等；还要提供准备添置设备的品种、型号、规格和颜色；插座、开关、电视机、音响、电话等日后摆放的位置；想要留用原有家具的尺寸、材料、款式、颜色等；家庭主妇的身高、她所喜爱的颜色、习惯于使用左手还是右手等；以及你们不喜欢的格调（包括造型、布置、颜色），不喜欢哪些材料和颜色，将来准备选择什么样的家具，还有在生活上有什么特殊要求等等。如果有条件，最好能把要求详细写给设计师。这些条件是设计师在设计中必须掌握的基本素材，这样，他设计出来的方案才能符合你们家庭的“口味”。

设计师成功的运用了“古典”与“现代”之间的微妙“熔点”，炉火纯青炼就一番，展现在我们眼前的就是“完美”了：在这套有着现代简约主义灵魂的设计里，还有点后现代主义风格的影子。追源溯底，后现代主义风格始于20世纪初期德国包豪斯学派在设计领域开展的设计革命。而设计师突破传统的后现代主义风格设计，重视合理构成工艺、尊重材料个性，在现代风格与室内空间注重功能的基础上，又把古典构件以另种形式加了进去。既有理性又讲究人情味，集传统与现代于一身。

室内设计的风格，是不同时代的思潮与不同的地域特色，通过创作构思和表现，逐步发展成具有代表性的室内设计形式。一种典型风格的形成，通常具有外在和内在的形成因素。外在的因素受自然、社会、科技、文化等大氛围的影响；内在的因素则受使用者的生活方式、、个性喜好及设计者的创作思路、专业水平、艺术素养等影响。内在与外在因素同时互为作用，互为补充，并不断发展。

人类社会从工业社会逐渐向后工业社会及信息社会过渡的同时，人们对自身周围环境提出了更高的要求。室内设计中不同风格的产生、发展与变换，既是深刻的社会历史发展和文化发展的反映，同时也将极大地提高人们朝夕所处的环境的质量。

参考文献：

古典主义的文学特征篇9

一、引言

何为“典型”？在文学理论著作中，“文学典型”又称“典型人物”或“典型性格”，是现实主义形态的叙事文学所创造的，在整体个性的表现中显示了某种社会历史意蕴的具有高度审美价值的人物形象。

中国古代由于抒情性文学占据主导地位，便形成了以意境论为主要特色的抒情性诗学理论，似乎与典型论绝缘，其实这完全是不符合事实的。而认为五四以来从西方引入典型论以前，中国古代没有典型论的旧说，已被基本修正。

中国古代的小说家和文论家是在不受外来影响的境况下, 创造了丰富多彩的典型形象, 为后人塑造人物形象提供了宝贵经验, 这在明清小说评点家的评点中得到了及时的认识和总结, 完全可以与西方的典型理论相媲美。随着古代小说理论研究的逐步深入，古代典型论形成于明末之说，亦被越来越多的学者认可。

二、典型理论在古代

（一）典型理论的形成

“典型”一词最早可以追溯到先秦时期，在我国很多古籍中也多可以看到“典型”，或“典刑”（古汉语中“型”通“刑”），如《诗・大雅・荡》：“虽有老成人，尚有典刑。”而且从很多古代文论著作中我们可以总结“典型”或“典刑”是规范、模范的意思。虽然与美学意义上的“典型”典论概念不同，但是隐约能看出点影子。

古代文论中典型论的形成过程可以简略的概括为：形成晚、成熟早。乍一看，这似乎是相悖的理论，但却确实符合于典型论的发展过程。所谓形成晚，指的是同个性化、风格论和意境说等理论相比，其正式形成理论的时间尚晚。原因在于秦汉时期，文人忽视客观存在的人、事、物是相对独立的反映对象，片面的强调作家在作品中表现主体；至于六朝时期，文坛又否认作家揭示事物的本质特征时必要的艺术虚构与概括。这两次重大曲折，直接导致了典型理论的形成过晚。而成熟早则指的是就典型论自身而言，从简单的人物形象分析至系统的典型理论的诞生，其间虽然经历时间较长，但却是质的突破和飞跃式推进。

另外，在古代文学作品中出现的以少概多、博观约取的写作技巧，并不能等同于典型。例如，南北朝时期，刘勰在《文心雕龙・物色》篇中提出诗歌要“以少总多”，在《比兴》篇中提出“称名也小，取类也大”，这些虽然接触到文艺创作中的典型化问题，在某种程度上触及了典型的边缘，却并不符合典型论中的典型人物或典型环境的观点，这就不能与典型混为一谈。再如，汉朝，司马迁在《史记・屈原传》中写道：“其文约，其辞微，其志洁，其行廉，其称文小而其指极大，举类迩而见义远。”在这里，司马迁将屈原的文章中的意象放到文学审美中去加以考查，认为可以举一反三。虽然其在文学创作中，通过互见法创造典型形象的经验获得了唐代文学的普遍关注，但是这里的举一反三却不能与典型一概而论。

典型必须要与人物形象相联系，这是典型定义的关键词，也是最核心的思想。上述这种以少概多、博观约取的观念视作典型化理论的观点是不可取的，笔者不敢苟同。以少概多、博观约取在中国古代广泛应用于读书、写作、理财、用兵、治国等社会生活的诸方面。这两者要能够成为典型化的原则，必须具备先决条件：重视人物形象的塑造。换言之，只有这二者涉及到人物形象的塑造，才能成为典型化的原则。

（二）雅、俗文学对典型的影响

在研究典型论形成的过程中，最不可忽视的便是雅文学和俗文学对其发展的巨大贡献。首先，雅文学体系的突变构成了典型论的先决条件。唐代以来重视批判齐梁以来的之风，重视写人记实，但又不拘泥于记实，也重视艺术虚构与概括。从艺术表现方法角度看，其实正是具有这样的文学特性，才能隐恶扬善，突出人物形象的性格。如唐诗中杜甫的“三吏”、“三别”，白居易的《长恨歌》、《琵琶行》等，所写人物形象鲜明生动，感人至深。而唐传奇则更值得注意，这是一种能够创造出完整故事情节和鲜明典型人物形象，并自觉进行艺术虚构的短篇记叙文。唐传奇对后世典型论形成影响最大的当属元稹的《莺莺传》。其文尾语称：“公垂卓然称异，遂为《莺莺歌》以传之。”表明元稹关于塑造莺莺这一人物形象的观念已相当明确。崔莺莺作为一个才貌双全、深受封建礼教熏陶而又叛逆的大家闺秀，其性格复杂丰富，感情细腻脆弱，具有活生生的个性特色，显示出唐人塑造人物形象的艺术水平已相当高超。

其次，俗文学的兴起为典型论开辟了道路。在宋代说话四家中，最受欢迎的是小说和讲史。这些技艺以历史或现实的社会生活为反映对象，内容的中心是各色各样的人物，尤其是下层劳动人民。在话本基础上形成的长篇小说，人物形象众多鲜明，是其显著特色。这些客观存在的人、事、物，作为相对独立的存在，惟妙惟肖的描摹使其成为典型人物或者典型环境，作者主观的爱恨情仇并不能代替各色人物的思想情绪，这些被塑造出来的人物自有独立的生命，使读者，甚至作者为之动情。在话本或拟话本基础上形成的长、短篇小说，如《三国演义》、《水浒传》、《西游记》、《红楼梦》等等，它们之所以被人们熟知并喜爱了几个世纪，就在于它们有一个共同的特点：鲜明感人的人物形象。

虽然雅文学和俗文学都各自为典型论的形成提供了不可磨灭的作用，但是缺一不可，典型论的形成，有赖于这二者的汇合。如果没有这种互补式的汇合，很难想象中国的典型理论可以臻于早熟。而这样的历史条件在明代出现。明代以后封建经济的解体，资本主义的萌芽，市民意识的抬头等等，促使思想界发生了重大的变化，封建观念开始瓦解，思想开始解放，对俗文学的重视成为其时代特色，加之老祖宗留下来的雅文学，这二者的结合对典型论的形象做出了历史性的贡献。其中代表人物，可谓李贽开其端，叶昼步其踵，而由金圣叹总其成。

（三）代表人物的典型论思想

李贽的典型思想主要表现在对《水浒传》的形象论述中。小说在魏晋唐宋时代多以情节的曲折离奇取胜，而对人物形象的刻画往往显得单薄、苍白。明清时代，小说创作中把人作为表现中心，把人物性格的塑造作为小说创作的主要内容，这是李贽从《水浒传》所创造的人物形象的分析中总结出的艺术特质。他常用“摹神”、“传神”等精短词语用来评价水浒传中的形象塑造。在他的观点中，欲使人物形象逼真传神，必须掌握各色人物所属的典型特征。《水浒传》勾勒出的人物形象性格鲜明，能使读者在阅读的过程中达到如临其境的境界。

叶昼最早提出塑造典型性格说的理论，它影响所及，泽及后世深远。叶昼对《水浒传》在人物塑造方面进行了分析和总结，他认为水浒中的形象可以简练的概括为“妙绝千古，全在同而不同处有辩”。他认为要使人物形象逼真、传神，必须抓住人物各自具有的特征，“同而不同处有辨”实际提出的是人物性格刻画中同中之异的鲜明个性特征。这便是小说创作中塑造人物形象要关注的问题：共性与个性的统一，而《水浒传》关于人物心理活动的描写更比其他艺术具有表现力。

金圣叹最有创见和价值的小说理论也是关于人物塑造的典型性格的问题。他最先把性格作为基本理论概念运用于小说批评，并对如何塑造人物性格作了深刻而系统的分析研究。金圣叹在《水浒传》的评点中分析了作者“注重神似而不拘形似”的传统美学原则，这种神似就是指能运用“以形写神”的方法创造出特殊性格，使人物达到传神、逼真的境界。他用“人有其性格，人有其气质，人有其形状，人有其声口”来概括典型性格。这样，他就把性格与人物心理、类型化区分开来，这正是要表现人物各自不同的特殊性，揭示人物性格的内在本质特征。

三、典型论的美学特征

在文学典型里最重要的莫过于是典型人物了，人物是一部作品的核心，是其灵魂所在，故人物典型与否，直接决定着作品的成功与否。

首先，人物形象在个性与共性的统一中具有鲜明特色。典型人物具有“整体个性”的特点，即人物形象既应该有与众不同的个别性、特殊性，又不流于贫乏和单一，而应显示出一定的丰富性。例如《水浒传》中的武松，性格就具有一定的丰富性：既侠肝义胆，又痞气十足；既机智聪明，又冒失轻信；既嫉恶如仇，又嗜杀成性；既重情重义，又凶狠暴戾，这些性格是很多人物都普遍具有的，但武松的不同处就在于他也具有性格的特殊性：刚直暴戾，除恶务尽。

其次，人物要处于典型环境之中，重视人物与环境的统一。典型人物的普遍性在于体现了深广的社会历史蕴涵，这就有赖于典型人物所处的时代背景或者居住环境的塑造。如《红楼梦》中林黛玉的住处潇湘馆，翠竹“竿竿青欲滴”，它修长，苗条，随风摇动，恰似林黛玉纤巧婀娜的身段和弱柳扶风的步态；竹不与群芳为伍，永远清秀质朴，正与林黛玉不事浓妆艳抹及清高孤傲的性格契合；竹秋斗风霜，冬傲冰雪的不屈风貌，与黛玉的叛逆性格又正好投合；“斑竹一枝千滴泪”，竹又映衬着号称“潇湘妃子”的林黛玉对爱情的执着与以泪洗面的悲剧命运。

最后，典型人物在表现人生上具有独特的审美价值。《红楼梦》中的林黛玉所具有的情感和灵魂的深度是震撼人心的。她以热烈执著的情感，表达了对爱情自由的憧憬，这种个性解放的追求，正与人类解放自身的愿望相统一。她之所以一往情深地把爱情献给贾宝玉，就是因为贾宝玉乃是她志同道合的知己，于是这对贵族青年的爱情故事，便有了与封建社会格格不入的民主化色彩。

总之，典型是显示出特征的、富有艺术魅力的人物性格。作为文明古国，中国文学具有鲜明的民族特色，这在文艺理论上必然有所表现，典型论亦不例外。作为叙事文学的至高审美追求，中国古代在作品中便有意无意的塑造出了许多典型人物，使他们大放异彩，并流传至今。而古人在理论上对典型论也有比较确切的认识，虽然没有西方那种完善的系统，但在比西方形成性格化和个性化的典型理论早一个多世纪的特定的社会历史条件下，能够认识典型，并塑造典型已属不易。通过对中国古代文学的创造和典型理论相结合的历史性考察，我们深切感到中国古代文论的发展存在着深刻的内在规律，从而形成了鲜明的民族特色。

参考文献：

古典主义的文学特征篇10

通过“维纳斯”能指和所指的关系，我们可以把人类历史上所有与爱和美相关的女神都统称为“维纳斯”，虽能指不同，但所指相近。例如史前有关女性形象的艺术作品往往会被赋予“史前维纳斯”之名，因为她们代表了所属时代的审美指向。从历史性的角度可以发现，自古罗马时代起到当代，“维纳斯”的能指与所指一直在不断更迭。由于古罗马人的荒淫无度维纳斯从女神变成了女人，在禁欲主义盛行的中世纪又堕为女妖，到了文艺复兴时期才重新走上神坛，在17、18世纪的享乐主义中却又步入凡间，到19世纪新古典主义思潮的来袭中再次成为女神。往后“维纳斯”逐渐走向多元化，能指千变万化，所指相对稳定。

通过对“维纳斯”历时性的梳理可以发现不同时段的审美指向对“维纳斯”的能指与所指有着不同的影响，一个时代的“维纳斯”往往是对前一个阶段“维纳斯”的否定，其能指与所指是以跳跃的方式进行升华，因此以错时性的方式对“维纳斯”的审美指向进行研究存在内在合理性。本文试图从母性化、古典化、世俗化和符号化四个审美维度分析不同时代中“维纳斯”的能指与所指，探究人类审美意识所呈现出的多样性、交叉性与上升性。

一、母性化的描摹

“维纳斯”的母性化一直是艺术家们热衷于描摹的对象，各个时代赋予其不同的审美特征，使其具有不同的能指与所指。因此本文通过历时性研究选取相对极致的两个时代中的“维纳斯”进行对比研究，即史前夸大生殖器官的“母神”与中世纪取维纳斯而代之的禁欲“圣母”进行审美指向的错时性研究。

众多“史前维纳斯”形象，即能指被尽可能地概念化了，其中以《威伦道夫的维纳斯》（图1）最为典型。的身体，硕大的，隆起的腹部，显眼的女阴等性特征都被细致地刻画和夸张，其面部的五官却被忽略了，可见女性的生殖器官才是当时人们主要的崇拜对象。人们对“维纳斯”母性化的崇拜衍化出多产即为美的生殖信仰，其所指具有生殖与丰饶的象征含义。

在中世纪，古罗马神话中的维纳斯被打上与浪荡的标签扔进地狱之中，从女神变成了女妖，遭到社会审美导向的封杀。取而代之的是以处女之身诞下耶稣的圣母玛利亚，她代表了当时基督教所倡导的女性美――贞洁、禁欲与母爱，成为了另一种审美意义上的“维纳斯”。性感的女性不见了，“维纳斯”被包裹的严严实实。相传古埃及神话中的伊希斯和荷鲁斯（Horus）是圣母子的原型，她给其子喂奶的形象是经常出现在壁画上的艺术题材，后被基督教徒引用用以描绘圣母子的形象。其中西方绘画之父乔托笔下《圣母子》（图2）最为生动形象，有别于中世纪大部分圣母呆板、程式化的形象，其能指显得更加人性化。

史前“维纳斯”是象征着生殖繁衍的偶像，中世纪“维纳斯”是禁欲克制的代言人。一位是由于人类对生命崇尚的本能而产生的“母神”，一位是因为宗教的统治而诞生的贞洁“圣母”，虽然两位的能指与所指皆处于对立面，但是作为被崇拜的女神，她们同样都被神圣化、偶像化以及母性化了。

二、古典化的追求

对于古典化的追求，从历时性的角度可以发现这一审美指向一直以跳跃的方式串联于“维纳斯”的发展过程之中，难以进行研究，而以错时性的方式探究这一指向即可迎刃而解。其中以古希腊与文艺复兴时期的“维纳斯”最为典型，虽然她们之间存在着长达近一千年的时代断层（中世纪），但文艺复兴是对古希腊的承接关系。她们的能指都追求古典的站姿、严谨的构图、干净的线条以及典雅的造型，所指都强烈地推崇着古典化的审美理想和理性化的美学主义。

古希腊文明是西方艺术文化的源头，其审美意象倾向于理想化与唯美化，例如“维纳斯”相关艺术品之中的典范――《米洛的阿芙洛狄忒》（图3），她本身就是一枚耀眼的符号，其能指象征着世间纯美。其安详的面部，庄重的神态，古典的站姿完全体现了古希腊艺术所倡导的静穆、纯美、和谐以及典雅的审美理想。德国著名的美学家温克尔曼称赞她是“高贵的单纯，静穆的伟大”实在是再适合不过。

历经中世纪的黑暗时期，文艺复兴高举古希腊文化中古典以及规范的审美理想为旗帜开展了对艺术和文学的复兴。其中“以人为本”的世界观正是古希腊艺术中所尊崇的“神人同形同性”观念的蜕变与升华。波提切利创作的《维纳斯的诞生》（图4）正是这种审美理念下的产物，其笔下的维纳斯充满了诗意的古典美。神态忧郁而惆怅的维纳斯脚踩贝壳从海中升起，其体态苗条却不失丰腴，神态羞怯而不失妩媚。

虽然古希腊人民信仰的是天上的神明，文艺复兴时期人们重视的是人与自然，但不论是古希腊文明中理想化的审美趣味，还是文艺复兴中所追崇的人文关怀，他们都对古典化的“维纳斯”都有着虔诚而真挚的信仰。

三、世俗化的诱惑

世俗化的审美倾向同样穿插于“维纳斯”的发展历程之中。古罗马时期的“维纳斯”是较早时期带着奢靡享乐的典型世俗女人，而17世纪巴洛克主义下的“维纳斯”则是近现代中凡间妇人的范例。从错时性的角度将两者进行对比，可以明显看出“维纳斯”随着时间的流逝所呈现出的世俗化趋势。

古罗马的艺术传承于古希腊的文明，不同于古希腊人民富有幻想的能力与浪漫的天性，古罗马人冷静务实的性格使他们的艺术文化偏向世俗化与写实化的方向。庞贝古城中遗留下来的《维纳斯，战神以及丘比特》（图5）便是典型的例子。画中描绘了富有享乐色彩的世俗生活场景，而“维纳斯”被描绘成了一位的贵妇。她倚靠在战神的身上，其面部的五官与丰腴的肉体被深入的写实刻画，抬起的手臂与斜倚的身体呈现S形，身姿妖娆妩媚，极具个性化色彩。

通过文艺复兴时期所建立的“以人为本”的世界观的熏陶，“维纳斯”逐渐富有了人间的活力与气息。在17世纪的巴洛克绘画风格中“维纳斯”更是成为了走向市井之中的妇人，例如经典作品《化妆的维纳斯》（图6）中“维纳斯”被描绘成了一位健硕而粗犷的贵妇。其圆润光滑的面庞，白皙润泽的肌肤以及金黄柔顺的秀发散发着青春的活力。而其强壮结实的体态，更是展现着一种有别于纤细动人的彪悍之美。在这里，与其说“维纳斯”是一位女神，不如说她是一位带着世俗气息的性感妇人。

在不同的时空中，虽然“维纳斯”同样被世俗化了，但是如果说古罗马艺术中“维纳斯”带着奢侈的味道，那么在17世纪巴洛克主义中则是偏向于人世间的激情与浪漫，世俗化的审美指向呈现出多样的变化。

四、符号化的演绎

自诞生人类艺术史诞生以来，“维纳斯”的创作与应用就存在符号化的演绎。例如《威伦道夫的维纳斯》身上被夸张的生殖器官便是象征着母性、繁衍与丰收的符号，《维纳斯的诞生》中的贝壳是象征着生殖器官的符号……在当代，审美理想的符号化倾向变得更加多元化，具象和抽象并存。20世纪超现实主义大师达利的《带抽屉的维纳斯》（图7）便是一件以各种符号并置与重构的经典作品。达利以经典的文化符号――《米洛的阿芙洛狄忒》为原型，将胸部、腹部和膝盖的部位掏空，装上象征着窥视、隐私以及对女性掩饰的符号――抽屉。而维纳斯本身又是一枚象征爱与美的特殊文化符号，这些不同的符号被深化和演绎，形成了一套独立的符号系统，拥有崭新的能指与所指，成功的表达了艺术家个人的情感。

此外，立体主义画家毕加索的《亚威农少女》、达达主义代表杜尚的《带胡须的蒙娜丽莎》以及波普艺术家沃霍尔笔下的《玛丽莲・梦露》等经典艺术作品都是通过将元素符号化并进行重构而形成的。因为符号化的艺术作品往往更加容易表达作者内在的情感，反映时代的特征。而且创作者的个人艺术特征更容易被展现，具有标志性符号的艺术家也更加容易被认同。此外，“维纳斯”符号化的特征更适合未来艺术的多元化发展。

西方艺术的审美理念与表现手法一直在不断的发展，作为西方艺术史上永恒的题材，“维纳斯”的生命经久不息。各个历史阶段“维纳斯”们的能指与所指必然会存在差异性和相似性，从历史更迭的客观规律来看，直接承接的两个时展阶段一定是相互否定的关系，而相间隔的两个时展阶段通常有着否定之否定的关系，从而产生艺术的传承。因此，仅通过历时性研究往往会难以理清头绪，而通过错时性研究寻找“维纳斯”所指的相似性，才能理解“维纳斯”的实质性演变，从而发现艺术审美的内在发展规律，为当代及未来的艺术创作提供明确的方向。（作者单位：南通大学艺术学院）

参考文献：

[1]周平远.维纳斯艺术史[M].上海：上海三联书店，2006.

[2]陈醉，李成贵.维纳斯面面观[M].上海：上海文艺出版社，1988.

古典主义的文学特征篇11

随着中国经济的快速发展，人们生活水平得到了很大程度上的提高，舞蹈作为一种艺术形式也在不断地更新换代。现代舞蹈是艺术领域的一个重要分支，它以一种独特、新颖而又别致的角度展现人类对大自然以及社会生活的热爱和向往。在中国当代有许多优秀艺术家为我们提供了很多宝贵经验，这些艺术家所带领着我国广大人民群众一起参加各种文艺活动并且取得了巨大成就与辉煌地位;也正是因为如此舞蹈艺术才受到世界上各艺术家青睐，并逐渐发展成为一门独立学科，被广泛地应用于各个领域之中并发挥作用。

二、现代舞蹈对中国当代舞发展的影响

(一)现代舞蹈的发展与演变

从19世纪初，在西方舞蹈的发展过程中，现代主义艺术开始传入中国。随着时代变迁和现代化社会的不断进步与完善以及外来思潮对人们思想观念产生的影响，现代舞已逐渐成为一种新时尚、潮流文化形态之一。它以崭新面貌出现于大众生活当中并受到广大群众欢迎;其具有鲜明民族特色，是一个充满着强烈感染力又富有激情的舞蹈艺术创作类型。现代舞蹈的发展与演变，主要是以西方的舞蹈艺术为基础，通过对传统文化、民间特色等因素进行深入研究和分析。随着时代进步以及人们审美意识不断提高而出现各种新思潮、新流派等都是现代舞发展与演变的产物，其中包括舞蹈形式上也是多种多样:例如戏曲剧种、民间歌曲等。现代舞蹈是在西方的艺术背景下出现，并逐渐发展起来。中国古典舞从19世纪50年代起就开始了蓬勃发展。经过近些年不断地探索与创新后形成具有我国特色的古典舞蹈体系和风格流派;在2000年前后出现许多现代西方艺术所特有的表演方式。

(二)现代舞蹈对中国古典舞的体现

在当代的舞蹈作品中，古典舞是中国传统文化和民族精神高度融合，与现代社会生活息息相关。因此我们要充分理解古典芭蕾、西方芭蕾舞等表现形式。从这些艺术中可以看到许多具有代表性的现代风格元素被融入了其中并对我国当代舞蹈产生深刻影响;例如:北京奥运会开幕式采用芭蕾舞进行表演时运用了大量的爵士音乐与西洋乐。现代舞蹈的发展，对其表现方式也产生了一定程度上影响，其中主要表现在三个方面:一是在中国古典舞中融入现代元素。传统意义上将舞蹈艺术同精神文化、历史等因素紧密联系在一起。但是随着社会的不断进步和变迁以及人们生活水平与审美观念发生改变之后就出现了许多新思潮。二是在西方国家盛行开来进行创作和表演，而现代主义风格也逐渐被部分艺术家所接受并运用到其中。中国古典舞蹈的表现形式与其他艺术一样，是以传统表演为核心，融合了多种文化内涵。从现代舞来看其体现了以下几个特点:首先它不是简单地模仿16影音舞蹈自然形态而更多的是追求一种“美”;其次它所展现出来的不仅仅只是单纯的肢体语言、道具和服装等方面来表达创作者内心情感世界和思想观念等。

(三)现代舞蹈对传统文化传承的拓展

现代舞蹈的发展，不仅仅是对传统文化和艺术形式进行创新，更多的是在不断吸收优秀民族元素，使其符合当代社会需求。从我国古典舞剧目来看:中国戏曲中很多都是具有代表性的作品。例如《锦线》《穆桂英挂帅》等经典戏都有很强的代表意义;再如杨丽萍曾说过“曲艺表演也是民间舞蹈”这句话就非常形象地概括了这一点。现代舞蹈的特点是其具有鲜明时代特征，它在传统基础上，借鉴了外来艺术，并结合西方文化和本土民族特色。从内容来看:古典舞、芭蕾舞等都有自己独特的表演方式;而当代又融入一些新元素来表现中国古典风格;例如:戏曲中经常出现戏曲里角色扮演者不同动作所展现出的神态美等特点也是现代舞蹈发展过程当中不可忽视一个重要部分，因此在创作时我们要将传统民族文化和西方艺术相结合。

三、现代舞蹈中的文化内涵及其产生与原因

(一)现代舞蹈中的艺术内涵和形式

现代舞的产生与发展，是由舞蹈艺术本身所具有的特征和审美价值决定。从形式上分析，当代古典舞蹈以“抽象性”“象征性”以及现实感为主要表现手段;以现实生活作为创作对象为基础进行表演;在内容方面则更注重于对生活本质及文化内涵等多方面的表达。首先从形式上来讲现代舞主要有两个基本元素:一是艺术语言与动作技巧，二是音乐和服装色彩变化。现代舞蹈的形式和内容在不断地变化，但是它们并没有完全脱离传统，也有了很大程度上的丰富。首先是中国古典舞中艺术内涵。从西方舞蹈来看:它不仅仅具有表演性、娱乐化等特征而且还具备着观赏性;同时又有着强烈而深刻精神文化方面含义。其次是中国古代戏曲艺术以及民间音乐等现代元素被运用到其中后，所展现出的是一种独特风格和审美意识，并在一定程度上对传统的戏剧形式进行了创新与发展。

(二)现代舞蹈中的文化内涵是当代古典舞创作

和艺术产生重要手段现代舞蹈的创作过程中，通过对传统文化、民间艺术以及外来因素等多方面进行充分挖掘和研究，将中国古典舞从原来单纯作为一门独立学科发展到现在成为一种集音乐、体育为一体的综合性艺术。这种融合多种元素于一体之后所形成的新形式与西方芭蕾基式相结合是当代古典舞最明显也是最为显著的特征之一。当代古典舞的创作和艺术产生主要是通过舞蹈作品来表达，它所反映的是一个民族文化内涵。从中国古代文学、历史典籍中寻找素材与现代生活相结合。从当代舞蹈的创作和艺术产生开始，现代舞就已经在文化上得到了很大程度的发展，尤其是西方现代主义思潮对中国古典舞蹈产生了影响。而这些新思潮又给我们带来一种全新感受:“文化”“生活方式”以及新媒体等多种形式将成为未来古典舞创作中一个非常重要的话题和方向;现代艺术也可以，让我国本土的民间戏曲艺术得到更好地发展，使其能够在一定程度上适应时代性特征。

四、现代舞蹈对中国当代古典舞发展的思考

(一)现代舞蹈对中国古典舞发展的作用

现代舞蹈在中国传统艺术中占有重要的地位，其功能是传承中华民族优秀文化，弘扬民族精神，使我国各方面发展都能紧跟时代步伐。首先古典舞对我国民间舞蹈产生了巨大影响。从1979年开始到现在已有三十多年历史:最初的时候人们只是单纯地去模仿一些民间动作来进行表演和表达;随着时间慢慢推移出现了许多具有现代意义上的新元素融入其中以表现艺术形式、舞蹈方式，使我国传统文化得到不断创新与发展。从中国古典舞的发展历程来看，其艺术特征和审美特点，是与时代相结合，不断创新而形成的。在现代舞蹈发展中西方现代主义风格对我国传统文化元素进行了融合、吸收并发扬光大。首先我们要坚持民族性原则:中华民族具有深厚历史底蕴及精神内涵丰富多样等优势;其次从中国古典舞自身所特有的表演方式来分析其表现形式和内容，并以此为依据提出发展策略。现代舞的发展，不仅仅是舞蹈动作，更多的是对中国当代舞蹈事业产生了深远影响。在当今时代背景下我国民族传统文化面临严峻挑战。“艺术源于生活又高于生活”这句话很好地说明了一个国家和人民群众审美观念的变化过程中所带来深刻改变，艺术来源于现实生活也反映于社会现实，由过去的物质文明到现在具有精神内涵。

(二)中国传统文化在现代舞蹈中的运用

当代舞蹈作品的创作是艺术创造中重要环节，在中国古代，“舞”就是一种表演形式。从汉代开始就有了民间歌舞表演。到唐代时期出现了一些具有代表性和特殊性的民族艺术作品如:戏曲、民歌等戏剧演出也逐渐增多起来;明清时代流行于各个地方并逐步发展为现代舞蹈表现手法;民国时期兴起以西方歌剧为主体音乐形式为代表的艺术思潮也随之传入国内，中国古典舞在舞台上得到空前绝后地繁荣与传播是必然趋势。中国传统文化的精髓不仅是在舞蹈创作中体现，也体现在现代舞表演和舞台设计上。从艺术审美角度来看，古典芭蕾作为我国民族民间的一种独特舞蹈形式受到了西方芭蕾舞、西服等很多风格流派及主流演出方式影响。随着时展进步以及人们生活水平提高与观念转变，需对传统戏曲元素进行创新性改造以适应新时期对中国文化的需求与追求，所以说现代舞在中国当代传统文化上也是有所体现和借鉴。

五、现代舞蹈艺术对中国古典舞发展的思考

在中国现代艺术的发展过程中，古典舞作为一种舞蹈，它不仅具有一般表演形式所不具备的特点和魅力，同时又有着深厚文化内涵。但是随着社会经济、生活方式以及人们审美观念等方面不断变化与进步，当代艺术对我国传统民族民间戏曲产生了巨大冲击。现代舞作为一种艺术形式，是将舞蹈的表现手法与美学相结合，并以舞蹈表演为内容来进行创作和传播。从某种意义上说这种文化内涵对中国古典文艺产生了巨大影响。我们不能一味地照搬他国风格特色艺术形式和文化符号而没有自己的本土化语言。目前，我国古典艺术的发展受到了各种因素影响。比如现代设计理念、文化背景和西方现代主义思潮等。我们应该学习西方国家那些先进和科学的方法来发展我国当代古典舞蹈事业，并且对这些优秀作品进行研究与分析后为我所用，这也是现代舞蹈在中国传统文化中运用的意义所在。我们必须重视并加强对现代舞蹈元素进行研究学习和探索，促进我国民族民间审美意识、情感以及价值观念的发展变化;另外一方面还要注意的是要注重在中国传统文化中融入具有时代特色并且能够反映出当下社会现实情况，使之成为一种流行性艺术形式，从而为古典舞创造一个良好环境。

六、总结

现代艺术的发展，使中国传统文化发生了巨大变化，也给我国舞蹈教育带来新的机遇与挑战。文章主要从当代艺术风格入手分析其对古典舞剧表演模式、演出方式和创作手法等方面所产生的影响。

参考文献:

［1］张欣欣．“后发”的抽象:当代中国抽象艺术的多元之路［D］．天津:天津美术学院，2010．

［2］丛亮．街舞与现代舞的差异［J］．群文天地，2011(12):107．

［3］盛宁．对“现代主义”在中国影响的再思考［J］．文学评论，2012(1):5－15．

古典主义的文学特征篇12

现代设计集中体现在通过艺术和设计去不断地改善和影响人们的审美观念和审美需求，同时也开始逐步提高现代社会人们的审美情趣。因此，为了提高艺术品位和设计的审美内涵，我们必须了解和掌握现代审美观念和审美意识的变化发展。审美意识是指在某一特定时期，由基本的认识和看法促使美感的形成。通过一定的社会群体和地区环境所表现出来的艺术特征。因此，在审美意识，审美情趣，审美心理特征以及其他审美观念和社会意识形态的指导下，受社会生产发展水平影响从而对整个社会的意识形态进行了一定的改变和影响。从艺术史的角度来看，审美理念的差异随着不同时期所呈现出来的观念也有所不同。因此，不同时期的审美观念以及人们所表现出来的审美特征也都有所区别。在当代社会中全球化，信息化的浪潮汹涌澎湃，已经影响到社会生活的各个方面。在这种潮流下，人们的审美观念也发生了巨大的变化。对于“新中式”室内设计的影响同样具有有非常大的变化，对于民族文化上也同样呈现出不同程度上的缺乏。

（1）缺乏对于优秀文化的理解以及对其文化价值和意义的肯定以及认同感。

（2）对于西方文化的过渡崇拜和盲目追求，从而互留本土文化特征。

（3）对于比较朴质的本真的文化的一种冷落，对于异己文化的过度追求。

（4）缺乏对先进文化的了解和对落后文化的判断。在这样一个文化背景下，人们更应该去发展和了解自己本民族的文化特征，作为中国传统文化复兴时期的新中式风格，我们应该更好的对其进行探索和研究，这样不仅能够很好地保护和传承本民族文化，同时能为以后更好地提高民族文化知识，普及对后代的教育文化都存在一定的积极作用。

3古典造型艺术的继承和现代科学技术的发展

新中式风格在家具室内设计语言上充满理性特点而不失简洁的效果，线条干练而方直、整体的造型显得尤为的大方，同简约风格的现代家具的轮廓有共同的特征。同时，新中式的家具同时也吸收了明式家具中的特点，并且摒弃了古典家具中比较繁缛的装饰特点。古典西欧流行在17世纪，法国是古典文学的主流。因为它在文学理论和创作实践与古希腊和古罗马相结合，被称为“经典”的例子。在法国，从早年的17世纪到1660年左右，已经到古典发展阶段，主要表现为古典文学语言去完成相关设计和建立各种文学流派，一直在欧洲流行了200年，可以说，许多国家在不同时期，不同层次，不同意义上说，有古典文学的时期。英国在17世纪后期形成的古典风格，但它不是直到18世纪初的发展；俄罗斯是第一个在18世纪，新古典主义一旦成为文学的主导倾向在那个时候。同样在中国的新中式室内设计风格中也继承了这一点，将古典主义中注重“理性”至上的精神，要求逼真但又不能纯粹模仿等精神融合在新中式的室内设计之中。并运用新型的材料，各种型号的玻璃、树脂以及金属等材料并结合一些环保的材料和各种高强度的胶合以及具有优美纹理的迷彩等新型材料。

古典主义的文学特征篇13

一、中国古典舞的起源与发展

中国古典舞起源于中国古代，历史悠久，博大精深。从其源头来说，是中国古代舞蹈的一次复苏，也是戏曲舞蹈的苏醒，是几千年来中国舞蹈传统的复兴。因此，中国古典舞的主要源泉是戏曲舞蹈。戏曲舞蹈虽然不能作为历朝历代古代舞蹈的遗存，与古代宫廷舞蹈并不是传承的关系，但是戏曲舞蹈确是距今最近的，具有严整规范性和典范性的舞蹈样式，所以中国古典舞的继承和发展主要是由戏曲舞蹈发展而来的。另外，在20世纪中叶，芭蕾艺术深刻影响着我国舞蹈艺术的发展，芭蕾也就成为中国古典舞建立的参照系，古典舞也科学地借鉴了芭蕾的训练方法和完整的训练体系。

著名舞蹈学者、舞蹈编导家孙颖先生也认为：“中国古典舞必须区别于戏曲，具有自己的特点和风格才能成为一门独立的古典艺术。”孙颖教授依据雄厚的中华传统和文化，在文化母体中开拓中国古典舞的新领域，他研究汉代的审美风尚和文化气质，而且对中国古代文化予以审视，使得中国古典舞在发展过程中，逐渐形成可一种“汉代舞蹈风格”，将中国古典舞进一步激活，使中国古典舞屹立于世界民族文化之林。纵观中国古典舞的形成于发展，的确经过了一个漫长探索并逐步发展的过程，舞蹈工作者既继承典范，发扬传统，又以创新的精神，不断地赋予古典舞以新的样式和气韵。

二、中国古典舞的审美特征

中国古典舞将手、眼、身、法、步视为其运动形式的五大要素，每一要素中包含的大量的舞姿动作从各个方面体现了中国古典舞特有的审美原则。

（一）手。人们常说“手舞足蹈”，因此舞蹈中手的动作运用是非常重要的。中国古典舞尤其强调手的舞姿动作，往往在表达激动情感时会借助手的动作来完成。手的动作有很多，如“单指”、“剑指”、“虚拳”、“实拳”、“托掌”等等。手的舞姿使得中国古典舞的风格一目了然，也是中国古典舞区别于其它舞种的一大要素。

（二）眼。人们常说“眼睛是心灵的窗户”，从眼睛中我们能读懂一些肢体语言不能表达尽的情感含义。为了能将喜、怒、哀、乐、惊、怨等各种人性情感有效地表达出来，中国古典舞中的“眼睛”就成为了重要的表演工具。还有，中国古典舞的“眼”的动作原则是“眼随身动”、“眼随手走”。

（三）身。身体的姿态是最能够体现舞蹈的风格特征的，也最能揭示舞蹈人物的性格，所以中国古典舞对身体姿态动律的运用就极为讲究。其实，中国古典舞中要强调某部分“身”的动作并不是只指运动的某一部分，而是需要其它身体部位的配合。

（四）法。中国古典舞的“法”有两层含义：一是形成舞蹈风格特征的动律精髓，俗称“法儿”，一是舞蹈的规律和法则。中国古典舞的“法”强调“阴中阳，阳中阴”。

（五）步。步法的运用是舞蹈下肢运动的关键，人体运行主要是依靠腿和脚的动作，无“足”的舞姿，舞蹈也就不能称其为“舞蹈”了。对于中国古典舞，各种步法也要具有中国特色，虽然在基本功训练中我们也借鉴了芭蕾舞的脚位进行训练，但真正的古典舞组合或剧目当中所运用的舞姿，还是来源于中国古代舞蹈和戏曲舞蹈。

三、中国古典舞的审美要素

我们知道，中国古典舞基训的总要求就是围绕着形、神、劲、律进行的整体而系统的训练，也是中国古典舞身韵特征的突出表现，这四者也是中国古典舞的审美要素。展开来说，“形”就是指外形，是中国古典舞基训的外部形态特征;“神”就是指民族的身韵、神态和气质，这也是古典舞的内涵，通过中国古典舞的基训，这种“神”才能够散发出来;“劲”就是指劲头，也就是中国古典舞的用力方法和节奏特点，它是中国古典舞特有的用力方法;“律”就是指韵律以及运动规律，如平圆、立圆、8字圆就是构成中国古典舞动势的精髓。以上四个关键词就是中国古典舞真正的精髓，而中国古典舞基训也是为了把“形、神、劲、律”这四者很好地展现出来，如果没有了中国古典舞基训，就没有了“形、神、劲、律”的展现。

四、总结

综上所述，本文已经分析了中国古典舞的起源与发展，又分析了它的审美特征与要素，我们已经感受到中国古典舞的独特魅力。正是它的审美要素，才使中国古典舞散发出独一无二的魅力，满足了当前观众的审美要求同时，也促进了中国古典舞的不断发展。

参考文献：

[1]赵丽敏.中国古典舞神韵在教学训练中的价值[J].锦州师范学院学报，1999.