服装论文范文:构成形态服装设计论文

一、基于构成形态的服装材料肌理视觉表现

在2014年伦敦中央圣马丁学院硕士毕业生作品中，强烈地表现出了纤维材料的组织结构肌理与质地：利用针毡技术，大色块二维色彩构成语言，三维构成形态的肌理表现与拼接，抽象、利落的设计效果十分新奇，具有表现力。可以说，基于构成形态的服装材料设计创新在服装设计领域的地位越来越受到重视，它能够更加地体现设计师的创新理念，让服装材料更充分服务于服装设计。

二、解构与重构的构成形态表达

解构主义实质是对于结构主义的破坏和分解，具有很大的个人性和随意性，是对正统的现代主义、国际主义原则和标准的否定与批评，具有很强的“反形式”“反美学”的特点。同现代主义相同，早期的解构主义一直在文学、社会学、伦理学、政治学等领域存在，直至20世纪七八十年代，解构主义对设计领域造成了强大的冲击，进而影响到了服装设计领域。在服装设计中，解构设计的手法带有明显的“破坏性”，破坏了传统的审美标准，将设计的意义扩大到多元的范围。法国著名设计师让保罗•戈提埃（JeanPaulGaultier）是早期因解构主义的设计手法而轰动世界时尚舞台的著名设计师，亚历山大•麦克奎因（AlexanderMcqueen）后来居上，他们都从全新的角度以哲学家般的思想来创立新原则，颠覆传统审美标准，在解构的设计语汇中寻找艺术的支点。他们的设计思想与风格至今仍然对服装设计师们产生深远的影响。还是以中央圣马丁研究生毕业设计作品为例，在2014年的作品中，散乱、突变、动态感、残缺等解构设计的表现语言很明确地强调与突出了服装设计的表现力与创意。从某一方面来看，构成形态的表意性已经超越了服装的实用功能。在作品4中，设计者从全新的角度来阐释服装的设计观念，颠覆传统审美标准，创立新原则，强调各元素的综合，把质素不同的面料重合在一起，通过荒诞组合、随意结构堆砌，呈现出不确定、破碎的设计语汇特征，把构成形态的观念带入设计语汇中；在作品5中，服装的结构被重新分割，服装结构的传统样式和细节被进行改造，抛弃比例、形式美法则等基本要素，没有优劣判断标准，整个作品在构成形态上有着极大的可再创造空间；在作品6中，传统服装的面料搭配方式被彻底改变，用破坏的方法解构了面料的完整性，同时不受限制地重构了服装的新面貌，这是一个拆解、重组的构成手法，其设计意义也在于不断流变的设计过程。当下，解构主义的设计手法逐步形成了一股影响世界的强大设计潮流，解构主义并不是设计思想上追求随心所欲、漫无目的，而是具有重视内在结构因素和总体性考虑的特征。它打破了正统的设计原则与规矩，重构新的结构形态，以新的构成形态理念占据未来的设计空间。

三、构成形态的符号转译

服装设计是一种综合的语言符号系统，具有“表征”和“被表征”、“能指”与“所指”的关系。对于服装设计而言，在语言符号系统方面可以概括地分为三种符号类型：图像符号、指示符号、象征符号。图像符号服装设计的表层意义，是“所指”的东西，是服装材料与结构的外在表现；指示符号是“能指”的东西，是服装设计师想要表达的设计思想与设计理念；象征符号是服装设计构成语境的引申意义，是在一定的生活方式背景的观照下，经过设计与思考而呈现出的深层意蕴和象征意义。在构成设计活动中，设计者通常在动态的设计过程中产生丰富的“联想”，这种联想通常来自于设计者自身过去的审美经验和情感。当设计活动开始时，在相关因素刺激下，引起对过去情感经验的反应。服装设计作品的构成形态正是这种审美经验中的视觉与知觉作用联系起来的一种视觉语言，去除生活中具体的形象，并以抽象的几何构成形态作为其主要的表现形式，强化了服装构成形态语言的抽象性符号化特质。“联想”是设计思维活动的关键，构成与服装设计的动因，服装设计构成形态中，通过“联想”进行设计符号的转译，最终会使服装设计产品具有深刻的人文意义。

四、结语

综上所述，构成形态之于服装设计的创意表现，具有重要的作用，它是不可或缺的设计元素，也是服装设计造型的基础。在服装设计中，所谓的创造性，是通过构成元素的组合、排列、分割、解构、重构等形式来进行创作；利用二维构成中的放射、集聚、重复、渐变等设计语言来完成服装材料在服装设计中的表现；利用不同面料与色彩相拼接，创作出的效果。很多走在时尚前沿的服装设计理念都是具有指向性的概念导引。“概念设计”从本质上说，提供的是“思想”，这个概念放在服装设计领域中，狭义地讲，就是用构成形态把我们对服装本质属性的认识表达出来，这种认识就是我们从事物中提炼、概括出来的概念或思想。因此，它在本质上是对“思想”的设计。换句话说，它提供的是创意，即从某种理念、思想出发，对设计项目在观念形态上进行的概括、探索和总结，为设计活动正确深入地开展指引前进的方向。走在街上，看到穿行如梭的过往车辆，当下流行的每一部时髦款汽车，全部是20年前的概念设计汽车款型，而本文中所探讨的基于构成形态的服装设计理念，正在进行这个方面的尝试。相信它的独创性、抽象性、探索性与先进性都会对服装设计发展的未来具有相当的指向性意义。

作者：刘骧群 单位：深圳职业技术学院艺术设计学院副教授

服装论文范文:大赛影响服装设计论文

一、服装展示

从服装发展的起源看，服装展示是把新设计的服装产品公布于众的一种展示方式，让服装模特按照设计师的创作意图穿戴好所设计的服装样品，在特定的场所向观众展示。法国是现代服装起源和发展史上的一个重要国家，最早的服装表演形式出现在这里。历史上及时位真人服装模特也是出自于法国.1845年左右，沃斯大胆邀请营业员玛丽•维尔纳小姐披上他设计的披巾，向顾客展示平面的披巾在人体的立体效果，披巾被一抢而光。玛丽小姐因此成为了世界上及时位真人服装模特。19世纪末，真人模特的时装表演逐步增多，成为服装界一种约定俗称的促销方式。1914年，在美国的服装工业中心芝加哥市，举办了一场轰动一时的服装表演。从19世纪40年代到20世纪，服装表演发展为真人模特表演，其启蒙时期有近80年之久。期间，服装表演由一种偶然的促销行为发展成为一门相对独立、完善的行业。服装表演从此走上舞台。

二、服装设计大赛中服装展示的重要性

服装展示是以服装作品为内容的展示设计领域,服装展示作为服装流行传播的主要形式之一，还可以直观的呈现给大赛评委和观众直观的了解并传达设计师的理念，让评委和观众与设计师产生出美的共鸣。

（一）静态展示的重要性

静态展示可以通过平面展示，平面的展示可以把设计师的作品设计更直白呈现给评委。评委可以近距离的鉴赏作品。可以亲眼所见作品的款式是否符大赛的要求，剪裁的工艺细致与否。

（二）动态展示的重要性

服装动态展示不同于静态展示，动态展示是由真人模特在行走过程中来完成。能够真正的体现出服装的功能性，往往很多服装是运动状态下才能展示出效果。

1.服装动态展示可以直观的展示服装作品

模特儿身着服装设计师的作品进行动态展示，评委可坐在台下更直观的感受的作品的款式、面料、色彩。作品在模特儿的穿着下，通过模特儿的行走、造型，转身等运动的状态充分表现出作品的质感，这是静态展示所无法比拟的。

2.服装动态展示可以强化服装主题

通过T型台上的动态展示，使服装作品更具独特性和创新性，往往超出了作品本身的设计效果。四、服装动态展示对服装设计大赛的影响服装设计大赛中服装动态展示环节的加入，使服装设计大赛考察的内容更，使比赛更公平、结果更客观。服装设计大赛通过对参赛选手多方位考察，最终选出的服装设计师一定会是综合素质较高，名副其实的服装设计人才。

作者：杜鑫 单位：东北电力大学艺术学院

服装论文范文:纹样服装设计论文

一、服装纹样设计的设计关系探讨

一个具体的设计项目的成立，一方面是由信息、物质等因素构成；另一方面，项目又具有要素、结构和功能等因素，它们是项目存在的基本方式和属性。项目的要素主要由目标、人、程序与信息构成。在项目动态的进程中这四要素之间的关系也处于动态的变化中，共同促进设计的发展。

1.“设计-目标”的相互关系

设计目标的明确与否直接关系到项目的成功与否。如企业委托的服装纹样设计项目具有整体目标、阶段性目标、设计目标、目标程度等这些既定的闭合目标。但即使给出明确闭合目标的设计项目，在众多信息中选取核心的可实现的目标，也会因不同项目管理人员或团队成员的个体因素不同而造成不同的理解，并且由于不同的设计灵感，使得设计结果呈现不同的状态。同时，现代印染技术的发展，如数字喷墨印花技术、热转移印染技术相比以往的滚筒印花技术，为设计师在纹样套色上提供了更大的设计空间，使其不必再局限于几套色或十几套色的绘画技法，并能将照片、图片等作为印花纹样。设计目标很大程度上决定了设计方向的选择、核心信息的把控，也在很大程度上影响项目设计结果的多变性。

2.“设计-人”的相互关系

服装纹样设计的展开，离不开最基本的要素——“人”。可以说，所有的设计项目都是围绕“人”这一要素展开的。企业决策者、设计委托者、设计管理者、设计执行者、生产者、消费者、使用者，都在项目中形成了相链接的节点关系，涉及的信息、时间、需求等要素都从这些节点发散开来，组成项目的设计关系网。服装纹样设计项目是通过人的设计管理，满足个人的喜好、选择与成就感，更好地解决人与人的关系，从而达成设计目标。

3.“设计-程序”的相互关系

设计项目的设计程序都有其核心程序链，在一般情况下，核心程序链的主流都是稳定的，即市场调研—收集信息—设计定位—创意概念—设计研发—生产销售。但是因为项目及其要素的不同，程序链也会有所变化，而程序的变化对设计项目有着能动的作用。如时下流行几何形图案和黑白灰的配色，项目设计团队就不能按照以往的大花型图案和鲜艳配色进行设计，而是需要充分进行市场调研，了解市场需求，收集信息，锁定目标消费群定位，才能进行设计研发、生产销售，而这些程序环环相扣，顺序也是一定的，具有不可逆转性。

4.“设计-信息”的相互关系

设计信息随着项目进程分为四个阶段——信息定位、信息筛选、信息应用与信息归档。其中信息定位主要问题在于设计信息资源定位的确定性与设计结果多可能性的辩证关系；信息筛选的主要问题在于设计信息资源筛选的理性思维与设计师的感性思维的辩证关系；信息应用过程中的问题集中在设计信息资源应用、共享的秩序性与开放性的辩证关系以及信息归档的系列性与设计的系列性的相互关系。设计项目的成功与否在很大程度上取决于设计管理者对设计与信息相互关系的可控制程度，只有充分进行信息的收集与提炼才能正确获取与应用这些有效信息，为设计服务。

二、结语

服装设计项目中的纹样设计是设计管理细分与深化发展的结果，它包含有重要的设计关系内容。在当今文化创意产业背景下，中国要从“制造大国”转型成为“创造大国”，设计便是最有效和有利的手段之一。深刻了解设计背后的精髓和管理技巧是设计师的必修课。只有这样，我们设计的产品才能不断推陈出新，走出国门，成为世界瞩目的焦点。

作者：汪天卉 肖宇强 单位：湖南女子学院

服装论文范文:苗族服饰原创服装设计论文

一、研究的必要性与重要性

民族化服装是民族文化艺术的显现，是在各种事物激励下最真实的自我反映，它蕴含着多种美的元素，不仅仅只表达一种穿着文化，还包含了人文艺术。所以在这次设计中，不单单要表达出现代服装设计的特点，还要表现出民族化原有的本土气息，凸显苗族服装风格的精神境界。在设计上，创作者通过研究现代服装设计中层次设计的创作技法，同时在过程中坚持民族服饰艺术的研究，为打造更的时尚作品而努力；在服装样式上也突破了传统服装的结构，在原有的形态结构上参考了多种苗服特征，体现了视觉层次的变化，有效地呈现了服装设计整体的时尚感。

二、创作构思与创作分析

1.创作构思

苗族服饰延续和保持着我国民间传统的纺织、绣技、挑花、染织等传统工艺技法，使其在表现上光彩夺目、繁花似锦。此外，苗族服装因为历史进程和宗教文化以及外界文化的影响，在古老苗族服装款式基础上又形成了多个支系的特色，如服装造型、服装图文等，具有鲜明的苗族文化气息和艺术特征。苗族服饰分为湘西型、黔东型、黔中南型、川黔滇型、海南型五大类和若干款式。各类苗族服饰因地域、劳作环境、外界影响的不同也略有差异。文章主要以黔东南苗族的服饰为参考进行分析。黔东南即贵州省黔东南苗族侗族自治州各县和邻近该州的都匀、三都、荔波以及广西的融水、三江等县，其服饰特点主要体现在男子的传统服装为对襟短衣或大襟长衫，均着长裤，扎腰带，用长巾缠头。由于地区差异性较大，妇女服饰比较复杂，但在服装款式、服饰工艺、银饰、发式等方面也有共同之处。从服装款式上看，清水江流域多为交领、右衽、筒袖半体衣；都柳江流域多为大领、对襟、敞胸短衣，内挂菱形胸衬；雷山、丹寨、榕江等县部分地区为大襟衣。下装多穿百褶裙，裙子长短各地有异，长裙及踝，中裙至胫，短裙不过膝，最短者仅有15厘米。系围帕，裹绑腿，仅个别地区穿裤。服装分盛装、常装两种，款式相同，盛装雍容华贵，精致艳丽，常装素雅，经济实用。衣料多以自织自染的青色、咖啡色棉布为主。服饰工艺以刺绣、挑花、蜡染、纺织运用比较广泛，技艺讲究，图案以动植物花纹和几何花纹为主。笔者重点依据黔东南地区的服饰特点，汲取其他苗族不同支系服饰的精髓，并结合时装的诸多流行特征，大胆突破既有形式，重现民族服装设计的新特征。

2.苗族原创作品分析

（1）苗族原创设计系列一《悦目苗风》设计分析

及时系列来源于公统型盛装。盛装多以紫缎为料，半短袖对襟衣，衣背、衣肩钉银圆泡、银片装饰，腰束织锦腰带，着及膝盖的短裙，裙外系前后围腰，前围腰以马尾绣、彩色丝絮贴花绣装饰，图案为水车纹、牛角纹、太阳纹等，古朴典雅，套布脚筒或绑腿，脚穿刺绣花鞋。本次设计的系列服装在造型上多采用较为立体、夸张的形态，具有视觉冲击力。简约风格的裁剪，如弧度优美、线条流畅的臀部造型和夸张、立体又不失线条感的胯部造型，不但可以塑造身形，更区别于未来感设计风格原有的特色，凸显一种超脱于原本色彩的感觉。在结构上多采用对称的方式，而在局部色彩上融入不对称的方法，在各方面整体统一的情况下又不失跳跃感、起伏感和节奏感。除了镂空面料，还运用了玻璃纱和蕾丝作为辅助材料，给服装一定的柔软、起伏、飘逸的线条感，展现柔和、明快的气息。服装整体呈现出比较有力的线条，也能体现出刚中含柔的趣味。这次设计在选材上主要运用呢料、棉麻料，因为这些材料对色彩的要求比较高，符合作品需要的色彩对比效果和明亮度。但是在材质的厚薄程度上有所变化，主要是由于工艺制作中需要的挺括、硬实的效果；又因为服装需要展现一种具有束缚效果的感觉，所以选择一些弹性和收缩性较差的材料。

（2）苗族原创设计系列二《彩衣炫影》设计分析

第二系列来源于百鸟衣支系。在中华上下五千年历史中，传统艺术文化是祖先留给我们的巨大财富，其中吉祥纹样是苗族传统纹样中最美的纹样之一。苗族传统吉祥纹样具有很高的艺术价值，适当地将其运用于设计能够呈现出东方文化的装饰风格，陶冶人的情操，丰富人的精神生活，将苗族传统元素运用到现代的中式设计风格中，实现服装设计的“旧元素，新组合”。吉祥纹样的多样化为当代服装提供了色彩纷呈的表现方式，是中式空间的重要装饰素材。现代服装中吉祥纹样的造型不仅让人直接欣赏到美，其本身所具有的文化内涵对外人来说也是一种极大的享受。在服装中运用传统吉祥纹样的实质在于将它再创造并赋予现代的新想法。《彩衣炫影》中的吉祥图案纹样是苗族典型的传统装饰纹样之一，它成双成对地反转对称骨骼样式，既有动态循环美，也有静态的永恒美，反映了人们对团圆、美满的渴望。虽然不同时期、不同民族的吉祥纹样样式具有一定的差异性，但其传递的美感与能量是相同的，不仅仅是一个装饰性的符号，更具有丰富的艺术气息。因此，研究其形态美和文化内涵，挖掘其蕴含的艺术图像构成形式以及艺术载体，有助于继承和弘扬传统艺术文化；同时也可在现代服装设计中融入吉祥元素，提升现代服装设计的韵味，这对于促进设计艺术的发展具有十分深远的意义。《彩衣炫影》系列服装注重细节与整体的协调性，在工艺制作方面采用了平面与立体相结合的手法，使服装达到合体，让廓形达到预期的效果；强调呢料、棉麻料与面料叠加的效果和整体面料的过渡对比，以及呢料、棉麻料的贴合程度；采用多种皮革拼接的方式，以条状或者角状表现系列服装中原有的捆绑束缚感，甚至用皮条束缚胳膊来达到应有的效果，以此呼应系列服装中这一特征。它是通过抽褶、皱褶、缩缝、绗缝、编织等工艺手法，改变面料原有的形态特征，在不破坏面料基本结构的基础上，用二维的材料构建三维空间，给人以有别于原型的艺术感受。面料造型艺术常用的技法有装饰褶裥、折叠、抽纵、扎结、扎皱、堆饰（浮雕）、扎花等。在对比中求平衡，在均衡中有对比。对于所有吉祥纹样来说，对比和均衡都是需要考虑的，尽管有的吉祥纹样均衡较突出、对比不显著，或对比较突出、均衡不显著。但是对比与均衡只有有机统一后，才能构成多样，统一的形式美的吉祥纹样。

（3）苗族原创设计系列三《涅磐》设计分析

第三系列来源于大唐型盛装，俗称“超短裙”苗盛装，被民族学者称为锦鸡式服饰。在强调保留区域性文化特色，尊重发展地域、民间、传统文化，形成良性循环的多元化格局的今天，服装设计正向更具文化性、审美性、实用加观赏性的方向发展。在拟定面料再造设计方案的时候，笔者尝试把点、染、擦等运笔用墨的手法运用于设计，结合扎染法与不同材质材料混合搭配，使面料产生或纤细、或柔美、或粗犷的不同风格。作为服装面料艺术再造的物质基础，服装材料的特征直接影响着服装面料再造的艺术效果。这次设计特地选用纯白的棉质面料，以天然、纯粹的质感来体现层次效果及不同手法在服装面料再造中的运用。

三、苗族传统服饰装饰应用的设计原则

从对苗族传统服饰装饰应用特色的分析中不难发现，苗族传统服饰装饰应用的设计要依托特定的文化历史、自然条件、人情风俗等因素。这些因素决定了人文设计需要遵循几个重要原则。

1.整体性原则

苗族传统服饰装饰应用设计作为一个有机整体，需要从整体考虑。苗族传统服饰装饰设计需要将造型、理念、实施与服饰风格、整体造型、环境设计等方面协调、统一，塑造出天人合一的人文设计作品，这也是设计的较高境界。

2.坚持民族性

纵观历史，苗族民族文化往往传达着一种独特的东方神韵，在服饰设计上有礼有节，是一种文化意蕴的传承，苗族传统服饰装饰设计也体现了民族文化。这表明苗族服饰文化元素仍然是一种重要的民族文化，值得重视，这种意蕴的传承也尤为必要。因为对这种意蕴的传承，也是对民族精神的传承。结语本系列设计以突出个性、表现自我为主要思想，通过民族服装设计和精致妆容来表达。现在每个人都在追求个性，而象征着挣脱束缚、渴望自由的服装便可以达到这样的效果。

作者：徐加娟 单位：苏州工艺美术职业技术学院

服装论文范文:盘扣用于现代服装设计论文

一、盘扣的起源与传统应用的分析

盘扣在早期应用于服装中时都是在实用的基础上再考虑美观装饰作用，基本存在服装前门襟、侧开襟部位，如马褂、旗袍等。在此基础上变化的都是盘扣本身的设计，比如常见的有盘花的变化，从早期的一字扣到盘花复杂的梅花、金鱼图样，这样的设计形式一直影响到现代服装中盘扣的运用，目前带有盘扣元素的服装都是一些传统服装的缩影，盘扣仍然一动不动的出现在“原始的位置”。

二、盘扣元素的分析与在现代设计应用中的探究

1.目前的盘扣元素运用变化单一化、传统化，而现代设计的要求

则是多样化、国际化。显然一成不变、局限于传统形式的盘扣无法很好的适应现代服装设计的要求。那如何将传统的盘扣元素应用与现代服装设计中，如何使得传统元素重新“活过来”，便需要分析元素本身的同时再寻找更多的变化可能性。传统的盘扣包含盘花、扣颈、扣门、扣结四部分。（图1）

2.造型分析与现代设计应用

传统盘扣主要的变化在于盘花的变化，盘扣基本还是扣结的原型不变。盘花的变化在于花型的不同变化，一部分来源于几何图形的变化，如一字扣、四方扣、琵琶扣。还有一部分来源于动植物的图形变化，如燕子扣、凤凰扣、菊花扣。这种的变化单一，图形来源也多保守、传统化，而且造型尺寸大小、立体程度、也仍然与传统无异。在现代设计应用中，可以将盘花的造型手法更加多元化，这种多元化不只是盘花图案的变化。比如可以将盘花造型平面化、盘扣仍然是立体造型，反之亦然。也可以将盘扣或者盘花用其他波普图案、嘻哈风格以及其他流行风格图案结合。

3.材料分析与现代设计应用

传统的盘扣制作材料为常见的纺织材料，如棉、涤纶、锦纶以及混纺的面料，将这些面料做成布条的形式，中间加以金属铁丝方便做盘花造型。其实这与以前的制作工艺的简单与材料的单一化有关，但现代的盘扣依然采用这样的形式便显得过于“传统化”。随着材料的多元化、大众审美的多样化，材料的应用可以绕开传统的材料，用其他非纺织面料取代，会营造出更奇特、新颖的设计，如采用塑料、金属、木质等。

4.装饰手法分析与现代设计应用探究

盘扣在传统的服装中的应用变化仅仅局限于扣子本身，其实当盘扣作为一个设计元素时，其可存在服装的部位就不只是门襟，可以讲盘扣作为一个装饰图案应用与服装。盘扣属于纽扣的一种也是服装配件的一种，参照其他纽扣、拉链以及服装配件的设计也能得到设计灵感。比如拉链的应用，早期的主要也是体现在实用功能上，拉链的装饰作用甚至没有盘扣的装饰更为丰富。可是随着现代设计师的开发运用，已经将拉链的装饰作用扩大化，所以盘扣也可以借鉴这种同类的运用变化，不只是将盘扣当做一个纽扣，更可以当做一个装饰元素。盘花也不仅仅作为盘扣的装饰，也可以作为整个服装的一个装饰元素。

三、结语

随着现代服装设计的不断发展，服装设计方向的多元化、服装消费群体种类的多样化，传统文化元素的在现代设计中的应用已经越来越广泛。单就盘扣这个长久存留在中国服饰元素来说，其可待变化设计点还很多，留给设计师想象运用的空间也是很大的。但如何摆脱单一的“拿来主义”，如何“取其精华”并“升华”传统元素，是当代设计师，特别是中国独立设计师所要思索并解决的。

作者：袁玺 单位：浙江理工大学服装学院

服装论文范文:禅宗文化用于服装设计论文

一、禅宗文化与传统艺术的联系

自佛教传入中国以后，“禅”便与中国的文化艺术交织在一起。中国传统吉祥图案用象征性的表达方法，将求福纳祥、趋吉避凶的愿望，通过各种艺术手法化作各种图形，通过图案的视觉语言表达心物统一、意象契合、情景交融，产生“境生象外”的美感，这与禅宗文化的追求是相契合的。在中国传统艺术中，对于禅宗文化的借鉴主要表现在对生活的理解、感悟上，设计师创作的作品与自然浑如一体，透露出内心的感悟等。禅宗文化与中国传统艺术形式是相辅相成的，禅宗文化在发展与传承中不断与人们的生活和艺术相互渗透、相互融合，具有密切联系。

二、禅宗文化对现代服装设计风格的影响

中国现代服装设计中一些质朴、简约的设计元素在作品中的体现，就是受到了禅宗文化的影响。在现代语境下，服装作为一种民族文化的象征，人们对于它的感受和追求越发多样化，中国风格的设计莫过于它所表现的东方传统，而强调内心灵性的禅宗文化，正是这一特点的表现。受多种文化的影响，中国现代服装设计风格也呈现出多样化的特点。禅宗文化作为一种古老的精神文化，将其融入服装设计，能够给人以独特的视觉感受，也反映出设计师本真的内心世界。服装设计师马可说：“我喜欢质朴、大气、简单的东西。女性，我欣赏那种有力量的女性，这种力量是更多的来自于内在，是一种精神上的独立自信。作为一个设计师，我应该能够提供一种最适合她们的服装，不取悦于男性，充分体现自我和她们的个性。”佛教常说见性可指本心，马可正用自己的行动践行着这样的思想与感悟，其设计正是贯彻了一言一行皆为“禅”的设计理念。在服装设计领域，越来越多的服装设计思想、艺术语言、创作意境等开始受到禅宗文化的影响。禅宗文化给人提供的是一种高远的人生境界和审美的生活态度，它将设计理念上升到哲学的高度，让我们审视自己的行为，平复日益浮躁的内心世界。现代提倡人与自然的和谐共处，禅宗思想崇尚自然之美，倡导宁静、悠远、质朴的生活。它反对人工矫揉的雕饰和装饰，强调运用最纯粹、最简单的材料，一切以心表意，这就是以禅宗文化为基础的服装设计风格。中国传统文化具有一个显著的特点，那就是含蓄之美。在中国的传统文化中，儒、道、释三者相互交融渗透，形成了中国服饰上独特的审美体系。禅宗文化对于缓解人们由于现代社会压力带来的负面影响有着积极的意义，也让人们在细微处感受到禅宗文化的力量。一切设计都需要以文化为基础，而禅宗文化则为中国现代服装设计提供了一个有力的文化支点，对今后的中国服装设计风格必将产生深远的影响。

三、结语

文化是一种软实力的象征，如今更成为促进经济发展的重要动力之一。放眼世界服装设计界，只有蕴含丰富文化气息的设计才能被广大人群接受，如今的服装设计已不仅仅局限于最基本的实用功能，更多的是要以此为基础，创造出更多符合当下人们各种审美需求的服装。我国的现代服装业与世界接轨的时间比较晚，刚起步的时候以效仿国外的设计风格和理念为主。如今，随着中国综合国力的提升，近些年来“中国风”服饰的兴起就有力地证明了中华文化的魅力。禅宗文化逐渐为世界各国人民所了解。设计者要敏锐地抓住这一契机，以禅宗文化为主体，以服装业为翅膀，让中华文明在世界的舞台上演绎出更加灿烂的色彩。

作者：李晓鲁 时艺铭 单位：中原工学院服装学院

服装论文范文:感性工学服装设计论文

1感性工学的概念

在进行服装设计时，怎样运用感性工学的成果，对设计师的感性认识进行调整，完善和深化设计内容，提高作品的亲和力和文化内涵，让客户认可服装的舒适性和可赏性，进而达到服装设计的目的，这是我们面临的重大课题。

2服装设计中运用感性工学的目的

一直以来，人们印象中的服装设计是以个人想象和意志为主，具有难以捉摸的特点，其实服装设计也要遵守固定的科学性与合理性。服装设计的目的就是“以人为本”，满足个体对服装的要求。在服装设计领域使用感性工学理念，是为了让设计有针对性、更加合理、更加。将服装设计和感性工学结合在一起，就是为了在设计服装中更能体现出顾客的意象和感受。以前设计服装也在功能和形式上重视顾客的需要，但这些需求是建立在设计师需求和理解基础上的。现在服装设计师对顾客心理的、细微的、不易察觉的反应均予以重视。服装设计添加感性化因素是根据消费者的生活方式，从物理、心理、生理等方面构建起设计模式：根据人的表情、语言、触觉和视觉等心理反应而制定；根据服装穿着人的皮肤冷热变化、肌肉活动以及疲劳等心理反应进行客观测定；对服装面料手感、光反射、表面凸凹以及质地等材料学特征来评估人的心理和生理反应。将上述结合起来，创造新的设计模式，将穿着者的个性体现出来，并满足人心理和生理的要求。

3感性工学在服装设计中的实施要素

服装设计是具有交叉性、综合性的应用学科，也是科技与文化的统一体。在服装设计中引入感性工学，具有以下几个要素。

3．1按照心理学和人机学的评估来把握客户对于服装的感受

服装是为人服务的，人是有情感、有心理需求的，而性格、年龄、文化、性别的差异会产生不同的情感和心理需求。例如男女之间在情感上具有一定区别；个性不同，情感类型也不同；社会地位不同，对服装的需求也不同等等。服装本身虽然没有情感，但是穿着的人有情感，所以设计者就要运用不同设计理念为服装添加感性色彩，用感性服装来满足消费者情感方面的需求。

3．2服装设计特征要根据顾客感性来进行定位

服装设计中满足现代人心理和生理需要是特别重要的。但是在设计服装时，服装感性含有大量不确定因素，所以获得感性体系的感觉量以及物理量是比较困难的。顾客感性需求和个人职业、教养、生活习惯、性格以及他的经济、文化、性别、年龄、民族和生活区域等方面有重要联系，并随着潮流的变化而改变。服装设计师要按照顾客需要对服装特征进行定义，并及时对设计进行调整，来满足客户需要。

3．3将顾客的感受和意象翻译成为服装设计要素并运用在服装设计上

现代人购买服装不再以“经久耐用、质量”为消费方向，服装企业也不能再以“品质”和“廉价”来打开销路。现在的消费时代，人们购买服装时更多地采用非理性、随机的购买形式，服装具有的诱导性能够激发顾客购买的欲望。这就要求服装设计师要将顾客的感受和意象翻译成为设计元素，来引起顾客的共鸣和遐想，进而购买服装。

4感性工学在服装设计中的研究领域

4．1运用服装造型将感性设计体现出来

造型是服装主体构架，是体现设计风格的基础。服装造型能够体现出服装的性质和材质。时装品牌范思哲运用斜体的不对称领型展现出结构设计的无限魅力，给人带来华丽、性感的独特审美。不同服装造型会给消费者带来不同的感受，人们会根据自己的心理暗示对服装做出选择。所以关于服装结构设计，顾客只要说出自己的想法和感受，设计师就能够进行服装造型，运用这种方式，能够快速地了解客户心理，进而设计出符合要求的服装。

4．2对色彩所具有的感性因子予以把握

服装色彩能给人以深刻印象，其价值是运用设计方式和心理感受表现出来的。当不同波长的色光刺激视觉器官，视干细胞和视锥细胞就会将信息传入大脑，经过以往经验和个人思维产生联系，进而获得结论。在对色彩的认知而引起个体生理反应的同时，引发意识和情感等心理反应。色彩具有的感性因子和人对色彩的认识以及意志、情绪有关系，也与个体社会心理和处于的社会环境有关。每个人的心理品质不同，对色彩也会表现出不同情感，就算服装色彩相同，产生的心理反应也会不同。例如红色能让人出现热情、积极的情绪，但是也会给人危险、野蛮和卑俗的暗示。因此服装设计在选择色彩时，要考虑到色彩重量感、空间感和冷暖感带来的心理效应。另外色彩的明暗度、纯度和色相都具有各自的感性因子。

4．3运用服装材料对感性设计进行把握

在设计中运用恰当的面料能够体现出服装的个性，使用特殊的质感和细节处理，发挥材料的可塑性，进而展示服装的本质美和个性精神。面料的手感、光反射、凸凹感和质地会给人的心理和生理带来不一样感觉。服装材质能够分为两个类型，其一是视觉和表面分离而出现的视觉型质感；其二是因为触摸而出现的触觉型质感。触觉型材质可以分为绒面、凸面、糙面和光面四种类型。绒面绒毛耸立，给人丰满稳定的感觉；凸面凸凹不平，有如雕塑给人明暗交错的立体感；糙面蓬松粗糙，给人粗犷朴实的感觉；光面顺滑柔软，给人精致优雅的感觉。面料质感不同，产生不同心理感受。因为视觉和触觉具有分离性，其心理特征和质感也存在一定差异，如印花丝绸表面光滑，在视觉上却给人粗糙感。服装设计师要运用面料在视觉和触觉上的感觉探寻制约、影响服装设计的感性因素，进而设计出感性强的服装。

4．4将感性设计运用到服装工艺特征中

工艺特征是运用服装所具有的外在形态表现出服装内在品质，展现出服装的精湛工艺和优良品质。在设计时要处理好剪裁、缝合、归拨、车缝和烫整等程序，对服装的感知精度予以把握。不同的处理工艺会给人不同的视觉感受，就线迹而言，单排线和双排线区别就很明显，单排线比较柔和而双排线比较坚固。线迹的疏密也具有相同效果，线迹疏则感觉粗狂、活泼，线迹密则感觉精致、细腻。所以进行服装设计时要运用不同工艺提高服装理性色彩，满足顾客感性需求。

5结语

服装能够直接体现出人的个性和情绪，在服装设计过程中要彰显个性化和人性化。设计师在进行设计时，按照心理学和人机学把握客户心理，将客户感受和意象翻译成为服装设计要素，通过服装造型特征、色彩感性因子、服装材料、工艺特征等设计，体现出独特的感性理念。

作者：邓小荣 单位：江西服装学院

服装论文范文:低碳语境下服装设计论文

1“百变服装”之“变”利

仔细观察大众的服装消费行为会发现：在通常情况下，人们购入的每一件新衣服，总会在款式或色彩等方面与自己现有的衣服有所区别；通过变换着装使自己呈现新的形象是人们频繁购置服装的主要原因。由此，我们假设：若能设计一种服装，使其在色彩、图案和款式，甚至尺码或功能上具有可变性，人们就不必再依靠频繁的消费行为来满足自己变换着装的需求。“百变服装”正是根据这一假设而推出的新型服装产品。近10年来，随着“低碳”、“节能”设计理念的日益高扬，各种令人眼花缭乱的“百变服装”开始频繁亮相于世界各地的时装会，并逐渐影响着人们的生活着装。是普通服装与“百变服装”的生产使用周期对比图。如图所示，每一件普通的服装产品均要经历设计、生产、销售、使用和抛弃5个环节的生产使用周期，而“百变服装”则在使用与抛弃环节之间，多出一个“变形”的环节———通过“变形”来改变服装的款式，满足人们的不同着装需求，进而减少服装消费的频率。这样，与普通服装相比较“，百变服装”的重复使用率更高，使用周期亦更长，由此能够从源头上缓解整个服装产业对能源的消耗和对环境的破坏，为服装设计师应对能源危机和环境污染提供了一条新的思路。

2“百变服装”之“变”析

分析“百变服装”之“变”，既是对现有成果的梳理，亦将对服装领域的“绿色”设计提供有益的借鉴与启示。总体看来，目前已经研发出来的“百变服装”大致可以划分为表1中的4种类型，下面将结合设计案例分而叙之。

2.1包裹著名的印度纱丽（IndianSari）和夏威夷巾（HawaiianPareo）

从形态上看就是一大块方形的布料，但通过不同的折叠包裹手法，再系上不同样式的结，即可“变成”各种不同款式的衣衫或长裙，可谓“百变服装”之鼻祖。受其启发，墨西哥服装设计师XimenaValero2006年在纽约时装会上推出了一款名为OMG的神奇“百变裙”，并因其“百变”之特色，在美国拿下了一项设计大奖。如图2(见上页)所示，OMG裙选用富有弹性的聚酯纤维面料，其变化空间集中在衣领和肩部，通过不同方式的包裹、打结、褶皱、牵拉，使之演变为上百种不同的风格样式，成为一件能够出席职场、休闲、聚会等各种场合的万能连衣裙。让现场的观众无不惊叹———整个夏季只要这一件衣服即足矣！

2.2反穿正反两面穿的服装早为人们所熟知

故在此不多做赘述。需要指出的是，正反两面穿的服装在款式上通常难以获得较大的变化空间，其变化主要集中在色彩、图案，以及配饰等细节。如国内知名服装品牌衣色色设计的这款两面穿夹克，正反两面的款式，甚至图案和印花工艺都相同。但不同的基底色彩不仅营造出明朗活泼的撞色效果，亦使得正反两面的风格有所区分，从而给消费者更多的搭配选项。

2.3分解组合

这种以打散重组的方式来变换风格与款式的“百变服装”，其原理与“组合家具”类似。用方便拆卸的拉链、松紧带或吊带等辅材来衔接被分解的服装部件，是此类服装的典型特征。意大利85后新锐设计师FlaviaLaRoc-ca设计的“百变服装”对连衣裙的腰部以及裙摆处进行了横向的“分割”，将其分解成宽窄不同的4个部分，并在每个部分的分割处缝上同等长度的拉链，使之能够互相连接。这样，使用者就可以根据自己的着装需要，有选择地“组装”这些裙摆“部件”，使之呈现出长裙、中裙、短裙或仅仅只是上衣的着装效果。此后，加拿大服装设计师GeoffreyEdwards推出的“g.moda”系列“百变服装”（图4，见上页）则将这种“分割”由局部扩展到整体，他甚至对衣服的每一个部件、每一个细节都进行了多次“分割”，并采用同等长度的拉链将分割下来的每个零散部件互相衔接。由于分割的细化，“g.moda”的“百变”性能得以较大化的加强———不仅能够实现同类服装的款式变化，还能够通过不同的组合方式，改变服装的尺码大小，甚至可以在上衣、裤子、裙子、背心等不同类型的服装，以及背包、帽子等服饰配件之间变换自如，从而更大限度地满足了消费者对服装的“万能”与“百变”需求。组合式“百变服装”以分解组合的方式让消费者购买的服装产品一衣多用、常穿常新。其独有的拆卸组合性能，不仅满足了消费者的“百变”需求，亦让其具有其他服装望尘莫及的优点：衣服脏了，只需将弄脏的局部拆卸下来进行清洗———省力、省水、省电、省时；若局部破损，亦不必抛弃整件衣服，而只用将破损的部分进行更换；此外，尺码大小的可变性，则免去了许多家长的烦恼，再也不必担心自己的孩子长得过快，新买的衣服在不断地“变小”。

2.4智能高科技

智能高科技“百变服装”属于服装行业的尖端产品。中国目前对此类服装的研发尚处起步阶段，但美国、德国、瑞士等科技发达国家，已经凭借着高新技术的优势，在智能“百变服装”的研发上经验丰富，其成果大致分为两种类型。及时，将发光二极管（LED）、发光纤维、各种变色材料，以及电子油墨等科学技术领域的近期成果运用到服装设计中，研发出能够发光、能够变换色彩和图案的智能“百变服装”。来自伦敦的CuteCircuit公司为著名歌星KatyPerry设计的一款长裙在2010年度“红毯秀”中成为万众瞩目的焦点。设计师别出心裁地在这袭硬纱质地长裙的内衬上缝缀了数千根2毫米见方的迷你LED灯管，并用一块隐蔽的iPod电池提供电力。LED赋予传统服装闪烁的星光，使之有了银河般的璀璨，但通过在衣裙上缝缀灯管来实现这一效果，难免会以牺牲不同程度的舒适性作为代价。所幸的是，法国的Lumigram公司近年研发出一种能够发光的光纤织物，由此带动了一场时尚领域的“视觉革命”。这种光纤织物深受服装设计师欢迎，其触感如丝缎般轻柔，在较暗的环境中，会漫射出与织物固有色相对应的令人迷醉的光芒，从而赋予时尚全新的视觉体验。科技领域研发的变色材料受到了服装设计师的关注。英国设计师AmyWinters2011年推出了一系列遇水会产生变色反应的泳衣。图6中模特所穿的泳衣就采用了特殊的水致变色材料———原本素雅的白色泳衣，在接触到水的瞬间变成了活泼明媚的糖果色彩。除水致变色材料之外，各种光致变色、温致变色、电致变色、压力致变色材料也被广泛运到服装设计中。如意大利奢侈品牌StoneIsland就将温致变色材料用到设计中，推出“光与热”系列T恤，而温致变色材料独特的热敏感性，会让T恤的色彩随着装者的体温和环境温度的变化而改变。电子油墨与投影技术为服装图案之“百变”提供了有力的技术支撑。

用电子油墨取代传统的织物印花油墨，相当于在面料上“安装”了一台特殊的“软体显示器”———只需将图案的电子数据上传到隐蔽的电子芯片上，就可以在印有电子油墨的区域显现出图案，这样，人们就可以像给自己的电脑更换桌面背景一样，随时更换服装的图案；投影技术让图案不再局限于“静态”的呈现方式，而能够动态地“播放”一组图案，甚至通过与摄像头的连接，将周围的环境作为一种有趣的“图案”，“现场直播”到服装上。尽管目前电子油墨与投影技术在服装上的运用并未普及于市场，但设计师已经在概念设计中，开始尝试着运用这些新的技术，相信在不久的将来，消费者就能够拥有这样的“百变服装”。第二，将记忆合金等新型材料、充气材料，甚至微型发动机等机械装置运用到服装设计中，研发出能够自由“变形”的智能“百变服装”。加拿大蒙特罗Concordia大学的JoannaBerzowska教授率领了一支XS实验团队，致力于研发一种能够根据人类的肢体运动而“变形”的智能服装。图7所示的Vilkas裙是他们近期的一项研究成果：裙子下摆处那块黄色的面料下隐藏着一片薄薄的镍钛合金，这种神奇的金属材料不仅能够变形，更具有独特的形状记忆属性。因此，在运动的环境下，裙子的右下摆会自动地向上皱起，从而让下肢的运动不受阻碍；在静止的状态中，裙摆又能迅速恢复到原来的模样。TeresaAlmeida博士希望设计一种能够帮助人们在拥挤的环境中“占领”一定私人空间的“百变服装”。于是，他选择充气材料设计了款有趣的“太空裙”———裙摆部分采用充气材料，当着装者希望与周围的人群保持一定距离的时候，就可以开启隐蔽的控制器，让裙摆充气膨胀，由此避免与陌生人身体触碰引起的尴尬和不愉快。英国服装设计师HusseinChalayan对现代科学技术的发展一直具有相当敏锐的洞察力，其作品以未来风格著称。早在2000年，他就开创性地设计了一款利用远程遥控装置让服装摆脱地心引力而漂浮起来的“飞行服”。在2007春夏时装会上，他再度推出“111”系列———由分别代表1906年、1926年、1946年、1966年和1986年女装风格的5套裙装组成，每套裙装在T台上展示时会发生缓慢的“变形”，在原有款式的基础上向前“进化”20年。所有的这些“变形”均由隐藏在裙子里的微控制器来操作完成。如这款维多利亚风格的裙子长至脚踝的裙摆会逐渐缩短至膝部，原本箍紧的领口则缓缓地放松至锁骨，短袖亦相应地缩短成无袖；在另一款如盔甲般的长裙的裙摆处，每一块银色的方形金属片均与微控制器相连接，使之能够像蝉翼一样优雅地服饰导刊2014年9月第3期FASHIONGUIDE服饰与艺术：设计界54徐徐张开，再缓缓地落下。智能高科技在服装设计中的介入，不仅丰富着服装的视觉形态，更扩展并细化了服装的原有功能，使之不再局限于遮体与保暖的原始效用，而是从更加纵深、更为广阔的意义上，不断突破每一项细节的需求，去挖掘创造的潜能。

3结语

“百变服装”灵活多样的“百变”特性，不仅能够满足设计受众变换着装的需求，更能够通过“百变”，延长服装的使用周期，增加服装的使用频率，进而影响人类的服装消费与使用行为，使之更加符合可持续发展。低碳、节能的“绿色设计”是人类面对生态危机所采取的积极应对策略，“百变服装”即是应和这一策略，在服装设计领域崭露头角的新兴产物，亦为未来服装设计提供了一条重要的发展思路。欧美等国家正在积极地致力于“百变服装”的设计开发，而在中国，“快时尚”仍是大多数服装企业和服装设计师所奉行的设计理念，《中国纺织报》2014年2月甚至发表文章，倡导“内衣也要‘快时尚’”。令人欣慰的是，在2014年中国国际服装服饰博览会（CHIC）上，台湾参展企业率先提出绿色设计理念，推广以回收饮料瓶作为原料的再生纤维服装产品。台湾企业对再生产品的研发和对环保问题的关注是对服装设计可持续风的高扬，但毕竟生产工序复杂，成本高昂，其市场推广阻力可想而知。鉴于此，介绍分析发达国家的“百变服装”研究成果，对中国服装企业和服装设计师在低碳语境下追问设计的社会功效，在时尚领域开拓可持续推广的“绿色设计”路径，必将有所裨益。

作者： 彭茹娜 张希承

服装论文范文:象文化符号服装设计论文

一、“象”文化与文化符号

《易经》是我国的古代著作，在数、理、象三者间展开对世界万物发展规律的研究，在现代社会中易学也有着广泛的运用。“象”的思考模式是《易经》中的经典模式之一，从“象”这一思维与现代服装设计之间的联系，可获得丰富的服装设计灵感和多源化的素材。《周易》一书中“象”是最核心的组成部分，广义上可解释为物象或卦象。《周易》中的取象思维模式就是在思考中以“象”为模板，再领悟、认识客体的方法。取象是一种归纳和筛选的过程，是在世界万物的理论基础上形成的整体。取象归纳是一种行为方式或动态属性，同类的“象”归为一类，在此基础上可对世界万物进行归纳。上述的取象思维中的“象”被称为“象”模型，简言之，设计者在取象后通过自我的思想创新将类似于比喻、引申的手法展现出来。《周易》中“象”的独到之处在于它来自客观存在却包含着深刻的人文意蕴。《易经》的图像来自于“象”的本身。运用“象模型”思维时，是将创作中的模型或现代服装设计的内在含义与易经的“象”进行比对，寻找到其中的关联，将“象元素”契合在现代服装设计中。

二、“象”文化符号与模型思维在服装设计中的应用

(一)构成设计

1．服装设计的形制

在《易•系辞下》一书中记载了黄帝、尧、舜统治时期，为了彰显掌控者身份的尊贵，黄帝，尧，舜的衣服是与一般的平民不同的，《易经》中的“象”模型思维中包含着对宇宙万物的思考，将万物划分为乾、坤两部分，乾为天，坤为地，象征着天地有别、尊卑有异，应用到服饰的形制上就有了上衣下裳的制定，上衣在服饰中居主导地位，下裳居服饰的顺从地位。后来出现的深衣的上下连属制也划分为二元，设计为上下分裁的形式，以腰间缝合为衔接。

2．服装设计的款式

传统服饰设计中最明显的例子就是深衣的款式设计，袖口采用圆弧的线型设计，与乾天相呼应。深衣的领子为曲形交领，“曲袷如矩以应方”指的是领向右曲下的曲领为方形，符合方矩之为。这种服饰的设计来源于《易经》中“象”模型思维的扩展。无论是天圆地方观念的勾画还有人类深居于天地之间的意象表达，与“天人合一”的观念相符。

3．“天人合一”的造型与着装观念

除纹样、形制、色彩外，“象”模型思维在现代服装设计中的造型观念与服饰的着装观念有广泛的联系。“天人合一”是《易经》的核心思想，“天人合一”的思想认为天地万物，包括人类的服装从表象上看是独立的个体，而实际是相互联系、可融为一体的。“天”代表着自然界，在“天人合一”思想中人被认为有自己的意志，拥有人格的主宰，能决定人类与自然的统一和交融。但人类的一切生产活动，人类的道德直到功利的获得都必须遵守自然界的管辖和制约。“天人合一”思想认为人与自然不存在无法逾越的沟壑，人与自然处于相互融合、相互影响的状态。人类“象”模型的思维模式强调的是个人和服装之间的不可分割性，人类审美情感意识与服饰的一致性。

(二)纹样设计

在《通鉴•外纪》一书中提到“黄帝……旁观翚翟草木，变为五色……著于器服”，说明统治者衣服的纹样设计都来源于自然界的景物，充分展示了在自然景物中获得灵感，再通过八卦符号的意象来表达服饰的内涵意蕴，在易学研究中称为立象尽意。我国古代服装服饰和纹章很多体现了上述的设计理念，如冕服，主要由冠、上衣、下裳组成。冕服的十二章纹很多都源于自然界，星辰、太阳、月亮等具象可以照耀天下，山代表稳重的性格，还有色彩绚丽的昆虫等。中国文化的传统符号中，一些符号具有的特殊含义在历史长河和文化积淀中不断发展。传统的吉祥图案种类繁多，其中龙凤呈祥的图案是我们最为熟悉的传统符号之一。在古代社会，龙凤代表皇室的尊贵，这种象征意蕴延续至今，龙凤图腾成为中华民族独有的文化符号，这一意象不仅深深烙印在中国人的心中，在国际服装设计中也广泛应用，许多国际著名品牌都知晓这些传统文化符号的魅力。

(三)色彩设计

《易经》五行学说中衍生出的色彩“象”模型，五行代表着五色，指“赤、白、青、黑、黄。”《易经》中描述颜色时称“南方赤、西方白、东方青、北方黑。”这一思维指明了传统服饰与现代服饰融合中必要的颜色体现应具有独特的颜色意象含义。易经五色的应用应注意以下四点:及时，五色与五行相对应，五行之间的结合可衍生出世界万物，同时五色的结合也可衍生出任何一种颜色。第二，五色是一切颜色的本原之色，是色彩中的颜色之源。第三，五色中的“正色”代表尊卑，其他种类的“间色”是一种降低身份的卑贱之色，“正色”与“间色”之间存在着无法逾越的沟壑。所谓“正色”为赤、白、青、黑、黄五色，代表着穿着者的尊贵，适合做礼服或上衣。“间色”是由“正色”混合而成，是卑贱的象征，在古代用于平民的便服或是下衣、内衬等。，在衣服的配色方面，衣冠应同为一种颜色，裙、鞋应和地面颜色相协调，这是一种天地有别的象征，代表着不可逾越之说。上身与下身应阴阳相合，天地人体应合为一身，易经中称上衣和冠帽可以同色，鞋和下衣可同色，但上衣、冠帽和鞋、下衣不可同色，这是由于天地有不同。在服装颜色的具体应用上，以上衣下裳为例，可采用玄衣黄裳的颜色风格，这是因为乾代表着天，天未明是玄色，因此，上衣可采用玄色，坤表示地可采用黄色，因此我国历史上就有一系列关于“黄袍”、“白衣”、“红顶子”、“青衣”、“乌纱帽”等名字。一段时期内，服饰颜色可代表人物的身份和地位，使服饰颜色有了主观的高低贵贱之分。由此可见，五色应五行的观念与相生相克的色彩思维，与现代服装设计中设计师的用色观念相符合。

三、结语

综上所述，通过易经图像来启发灵感的思维模式与服装设计中的构思与创意设计过程十分相似，两者都具有单一物象单一意义的创作过程。鉴于两者相通，可利用“象模型”思维置于现代服装设计中。在古文化的借鉴中，我们可利用易经意象中已经存在的“象”作为设计原型或灵感来源，将这些图像作为服装设计素材，完成服装设计中的立意和立象，以此来扩展我国现代服装设计的范畴，让现代服饰更具有历史文化意蕴、内涵，从而推进我国现代服装设计的发展。

作者：何琪 单位：马鞍山师范高等专科学校

服装论文范文:无彩色系图案服装设计论文

一、现代服装设计中无彩色系魅力的体现

在现代服装设计中，无彩色系组合无疑是最为经典的色彩搭配。在长期服装流行设计的实践中，如果留心不难发现，无论是半个世纪前的女星奥黛丽•赫本，还是今天仍在卡尔拉格菲尔德笔下的香奈儿，无彩色系都超凡脱俗地摆脱了其它流行色彩的此消彼长，一直如同旗帜一般地伫立在时尚潮头。在时尚界，它是设计大师引领潮流的魔杖；大众眼里，它和高雅神秘密不可分。在当今祟尚个性多样化的时代，服装设计师迎合市场和消费者的需求，服装设计中大胆、多样化地运用无彩色系。通过不同的工艺处理、色彩搭配、装饰纹样将无彩色系灵活多变地运用于服装设计中。艺术创作中有一大特点就是以少胜多，简化与再造是伴随无彩色系设计创作的最有效方式，而无彩色系似乎天生就具有独特的韵味，这种独特的色彩艺术有别于彩色世界，其具有自身的审美情趣，因此在服装设计中独领风骚并活跃于世界服装的舞台。

二、无彩色系图案在服装设计中的应用

图案作为一种装饰纹样，在人们日常生活中处处可见，它并不是陌生的艺术形式。作为造型艺术，它是通过外观形象向大众传达视觉的美感。对于服装图案设计来说，它是通过对大自然、生活实践以及微观世界的认真观察，收集资料，并且通过从不同的视觉角度来搜寻设计灵感，然后再加以夸张、变型、组合等技法的运用，创造出新的图案设计作品。在进行图案设计时，就要善于将已有的元素进行搭配组合，使其具有新颖性和独创性。所以图案的设计不能固步自封，而要勇于开创新的领域。图案设计要具有令人耳目一新的效果，提升大众的审美趣味，要有与众不同的新鲜感，能够引人注目，能够在观者的心里留下深刻的印象。

1.从大自然中提取

自然界中的万物赋予了我们美好的生活，更是我们设计创作的灵感来源。如花卉、树木、山川、河流、飞禽走兽等。我们可以借鉴自然生物的外形形态的变化，借鉴动物灵动的韵律，将这些素材加以艺术加工、灵活表现，就可能创造出充满无限创意的时尚精品艺术。

2.从民族文化、传统图案中升华

中华民族有五千年的悠久历史，形成了各具特色的文化和手工艺制品。例如，中国的书法文化源远流长，不同风格的书写方式带给我们不同的审美趣味；不同风格的国画也向我们展示了不同时期绘画作品的特色；雕刻艺术、不同风格流派的剪纸艺术、蜡染、扎染艺术以及刺绣艺术都具有自己独特的艺术魅力。我们就可以从各类传统书法绘画和民间艺术的纹样中吸取图案的设计灵感，继承和发扬、美丽的传统图案。3.从微观世界的景象中映射科学技术的发展，使得显微镜给我们带来了另一个世界的奇幻景象，它告诉我们微观世界是多么的妙不可言，丰富多彩。在显微镜下我们可以看到细胞的纹样、细菌的纹样、新型材料在微观下的图像等。而这些微观世界中的元素也是我们设计灵感的来源。虽然微观世界的各个“成员”小之又小，但它们也有美的一面，只要我们能够充分地发挥想象，就可以把这种潜藏的美挖掘出来，并运用在我们的设计中，将其转化为艺术美。

三、从服装流行市场需求看无彩色系与图案的运用

市场的规则是有求才有供，服装市场上消费者对无彩色系服装的喜爱会刺激服装企业生产的提升。目前在杭派女装中就有不少专做无彩色系的服装品牌，尤其是 odbo 这个品牌，将无彩色系的黑白经典时尚带到改革开放之初的国内民众眼前。凭借其特立独行的设计风格，与众不同的无彩色系的运用，迅速地将自身与其他女装品牌区分开来。由此，odbo 这个品牌迅速地开拓了属于自己的市场，并开创了无彩色系的时尚风格，由黑白延伸出无限的缤纷。据这类品牌的的专柜人员介绍，不少品牌的消费者对无彩色系的黑白色调情有独钟，再加上此类服装因为色彩相对简单，所以更加注重剪裁和细节的设计，让消费者更加满意。无彩色系与图案的组合，能够实现理想性夸张，突出个性特点。无彩色系的使用与材料、工艺有密切的关系，运用独特的装饰处理手法，使无彩色系服饰具有现代性。例如，运用无彩色系图案纹样的设计，在裙装上就可以使用点、线、面重组与多层渐变的视觉效果。纺织工艺的技术革新，也在不断推出新的丝线和织物结构变化的纺织面料，使服装面料外观风格丰富多变。无彩色系服装通过面料的光泽、透明度、凹凸、软硬、弹性等特色为无彩色系服装添彩，通过流苏、网布、亮片、水钻等装饰元素构成具有特色的图案装饰为无彩色系服装添彩。虽然无彩色系服饰有点像黑白照片，但更像是蕴藏了历史和文化的韵味在里边，仿佛是在喧嚣的尘世中隔着薄薄的一层玻璃窗，你既可以看到都市的繁华灿烂，也可以靠在一边独自享受那份宁静自在。随着社会生产力的提升、科技的进步，网络时代的到来，我们的地球正在慢慢变成为一个地球村。而在随着各国之间时尚信息的交流，互相学习，无彩色系成为服装色彩中不变的经典，这一点已经成为了共识。

四、总结

无彩色系的经典程度令其他色彩都甘拜下风。它既能表现女性的温婉柔顺，又能演绎“巾帼不让须眉”的另一面。在设计师的服装发表系列里，每一季都不会遗漏这永不淘汰的颜色。我们可以这样认为：无彩色系作为一种色彩风格以它特殊的形式，已经渗透到社会生活和人们日常生活的每一领域，具有塑造性格和开拓市场的功能，而且还以“世界通用”的方式具有巨大的促销作用。这正是无彩色系作为永不淘汰的色彩元素和设计灵感被设计师们大量运用于服装设计中的原因。

作者：高雅 单位：东华大学 江西服装学院

服装论文范文:时尚服装设计论文

一、民族文化元素的价值体现服装文化的发展

取决于人的审美及民族特性等方面。不同国家的服饰文化各有差异，随着社会的发展，我国的服装从“西方化”到如今的国外著名服装设计师在设计时运用中国民族文化元素，在设计中把中国民族文化元素与西式服装进行融合，运用后现代的解构的设计手法，将中国的经典纹样、民族色彩、建筑形态、生活器皿等当作一种语言符号，进行解构重组，民间手工与现代技术相结合，形成古今融合、中西合璧的新型美，体现民族文化价值。中国民族文化在发展过程中，有很多都是手艺人祖传或口述教授的，不带有任何伪造模仿的痕迹。例如许多少数民族服饰已形成系列，在保持本民族特色的基础上进行款式变化，适合不同类型的人穿着，所有的图案及工艺制作都经过了精心设计，这些具有民族特质文化的服装都是独具风格的艺术珍品。现代服装设计在运用民族文化元素时常常会结合民族审美、民族风格、民俗等方面，在服装造型设计及服装图案设计中呈现出来，使其具有现代美，设计中具有民族传统文化意蕴。在西方，民族服饰文化和艺术的载体功能比较突出，成为世界上的承载着丰富文化信息的载体。服装设计师们积极从世界各民族传统文化中汲取元素，并使之转化为时尚艺术。中国风格的高级时装在这个奢华当道、缤纷热闹的世界里独树一帜，西方设计师在设计中将这些民族文化运用得极其灵活，丝毫没有生搬硬套的痕迹。如英国的著名服装设计师 Hussein•Chalayan就曾在其会上运用中国苗族服装的配色效果，以黑色为主调，再搭配不同比例的对比色、互补色等鲜艳色，从而形成鲜明的视觉效果。

二、民族元素在时尚服饰中的运用

我国的民族文化与艺术为服装设计领域提供了极其丰富的表现形式和设计素材，如唐三彩、中国水墨画、青花瓷、园林景观、民间手工艺、少数民族服饰品及工艺品都可以激发设计师的灵感。例如“东北虎”打造的就是中国奢侈品牌服装，在设计中常常运用旗袍、唐装、汉服、折扇、书法、刺绣等民族文化元素，每次会都蕴含中国民族文化；“天意•粱子”的作品中，很多都是采用中国传统桑蚕丝面料，借鉴中国书法艺术、刺绣等设计元素体现本民族的形式美和神韵美；“玫瑰坊”郭培的设计常常借鉴中国宫廷服饰造型、青花瓷、吉祥图案、刺绣等民族文化元素，设计师在运用刺绣时强调色彩的配色、过渡、分割与合成等方面；而吉祥图案元素可以较自由地运用解构、移位、变形等方法，再将图案进行设计重组，形成新的独特效果。例如香港服装设计师张天爱曾运用鲜艳的晚清时期龙纹苏绣，在设计过程中龙纹仅仅是龙纹，不具有任何的象征意义，只是作为一种服装图案。因此，在运用民族文化元素时，必须从整体出发，考虑服装的款式、材料、色彩及服饰配件，包括化妆都要形成统一。从现代的审美情趣出发，把民族文化与时尚相融合，对这些设计作品的元素符号进行视觉设计的表达，展示东方式的生活美学。

三、结语

今天服装设计师所探索和追求的就是让民族文化融于世界文化，服装设计师马可曾说：“设计师要力求去掉中国的形，留住中国的魂。”民族元素不是对民族传统文化的模仿，而是对民族文化精神、心理、审美、习俗、风尚等的深入发掘，是对中国文化、艺术的升华与创造。我们应当客观地看待民族文化和西方时尚文化，将产业效益的提升与弘扬中华民族服饰文化的目的同步进行。运用现代化设计原理，使民族元素与中国风格的服装成为国际服饰时尚的主流趋势之一，在国际上与西方风格的服装设计比翼齐飞。江西省教育厅人文社科立项资助项目：高校服饰文化博物馆公共服务平台构建与应用研究。

作者：丁莺 单位：江西服装学院

服装论文范文:戏剧服装设计论文

一、服装设计与舞台美术设计的和谐

戏剧作品是一种综合艺术，包括文学、音乐、绘画、雕塑、建筑、舞蹈等。戏剧舞台美术设计要把握舞台表现的整体观感，其造型要素是多方面的。舞台表现整体观感的产生和形成，是舞台美术设计与灯光设计、音响设计、服装设计、化妆设计、道具设计、饰演者之间的综合和谐体。舞台服装设计以演员为载体，以塑造人物为本，统一于舞台美术整体设计风格，实现舞台服装设计所达到的舞台美术创作要求。

（一）服装设计风格来自于舞台美术设计基调

戏剧是综合艺术，服装是其中一个不可分割的组成部分。对饰演者造型设计来讲，剧本是前提，导演是主导，表演是归宿。舞台美术设计是全剧造型设计的依据，也决定了服装的风格和标准。舞台上，服装是塑造角色外部形象的艺术手段，既要明确年龄、身份、民族、职业、个性、时代特征等一般要求外，还要适应戏剧的主题、动作、矛盾、规定情境、艺术风格等。服装本身在舞台美术设计的舞台场景、舞台表现的各方面散发着视觉的冲击力，它具有自己特有的舞台艺术表现力与创意，散发出它的强烈的艺术张力，是加强舞台表现力的形式语言。服装设计统一于舞台美术设计并赋予演员在舞台上的表现的艺术和谐统一，形成了戏剧的风格。

（二）服装设计与舞台美术设计和谐塑造人物形象

舞台美术设计包括服装设计。服装设计造型是戏剧人物于舞台表现的重要造型手段，服装设计如果忽略了演员、忽略了表现形式，忽略了创作、造型的具体对象，然终成败笔。因此需要设计人员具备观察能力、感受能力、思考能力、理解能力、记忆能力和想象能力。由于整体形象设计具有依赖于表象的特点，要求服装设计人员对演员身体进行符合人物形象的改造、包装，赋予其视觉和心灵感受，从而在舞台展现完整的饰演形象。服装设计的表象性意义在于通过化妆、服饰、体态等表象的事物，来反映这个形象内在的东西。形象设计的审美，一方面在于它与人的自然形体融为一体，表现人的外在美；另一方面它又与人的气质、性格、思想、情趣、爱好等相适应，表现人的内在美。而内在美总是通过外在美取得结合点，当衣（服饰）、形（体态）、神（气质）三者和谐统一于舞台表现时，服装与化妆人物形象设计才是成功的。

（三）服装设计与舞台表现的风格

统一与其他舞台美术造型设计艺术一样，舞台服装造型设计与舞台表现呈现为一种和谐关系。这种和谐关系体现在多方面，推动符合剧本的剧情，成为导演构思的主导，并以戏剧目的为风格要求，以舞台美术设计为基调，以灯光变化为影响因素，从设计服装色彩的科学搭配以及面料、材料的合理使用等方面造型于演员，最终表现为为舞台而设计的服装特定样式，从而多方面达到舞台表现。其中，最重要的是处理好服装造型设计风格，在舞台美术设计的舞台表现基调上，要与灯光设计、化妆设计、道具设计的基本要素之间凭借形式的基本规律和法则，使多种舞台造型设计形成统一的和谐表现整体系统。基于上述三点：在田沁鑫版本《罗密欧和朱丽叶》的大反派提伯尔特的造型，当然在新剧中他是朱丽叶表哥铁博。首先，分析一下原剧中提伯尔特的性格。用茂丘西奥的话来说，是“捉耗子的猫”，他擅长决斗，请按一刻值得凶残生活过于忧裕，百无聊赖，傲慢自大。茂丘西奥告诉罗密欧说：“我可告诉你，他不是个平凡的阿猫阿狗。啊！他是个礼数周到的人。他跟人打架来，就像照着乐谱唱歌一样，一板一眼都不放松，一秒钟的停顿，然后一，二，三，吃进人家的胸膛。他全然是个穿礼服的屠夫，一个决斗专家，名门贵胄，击剑能手。”在田导的话剧《罗朱》剧中铁博也是一个有钱有势的“官二代”，“富二代”，他嚣张的个性和草菅人命的生活作风大有红楼梦中薛蟠的纨绔败类的影子，是一个充满冷暴力的绅士形象。他的裤子是黑色加链条的牛仔裤，搭配黑色带柳丁朋克风格皮夹克，，与光、景，黑色基调的舞台和满是铁锈的脚手架，呈现给观众的是叛逆不羁的感觉，充满了死神的魅力。之所以加入朋克元素也是因为朋克更融合于舞台风格，更加倾向于思想解放和非主流的尖锐立场。在哲学层面，朋克是反叛制度，反叛枯燥和毫无激情的生活状态。在美学层面，朋克是“达达主义”。在文学层面，朋克意味着“垮掉的一代”。黑色给予黑暗魔鬼的气质，皮革给予力量和不可侵犯的感觉，尖尖的铆钉给人以暴力和尖锐，暗示他的“穿礼服的屠夫”，金属戒指则显示角色有一定社会和自我膨胀。这套黑暗绅士装束加上演员激进的台上表演，这就是“危险”的铁博了。融于舞台设计，和谐塑造了人物形象，更使之和谐与舞台表现风格。

二、服装设计与舞台表现的和谐

舞台服装是舞台表现的重要手段之一，它和化妆、灯光、布景……都是运用造型艺术手段进行创作的。就人物造型来说，服装、化妆与表演紧密结合，直接塑造剧中的人物形象。服装是戏剧中审美客体最直观的舞台外在表现形式，通过现实主义、浪漫主义、象征主义三种主要表现形式强化服装设计在戏剧综合因素中的主动性，使之更和谐地服务于戏剧中舞台人物形象的塑造和个性的表现。现在话剧舞台的服装大多以剧目的类型风格为基调，以导演对剧目的构思为参照，围绕着舞台表现的整体而定。制作人员大多把话剧分为年代剧、现代剧、时尚剧、实验剧……是以灯光、置景、音响、服装、化妆、道具，和谐统一为完整的舞台美术设计风格的舞台表现。

（一）服装设计中现实主义风格的舞台表现

现实主义就是尊重历史上的真实性，在严谨的历史剧中，力求以历史背景、以服装的真实性来再现生活。在现代题材的戏剧中，现实主义在舞台上的表现意义不仅限于重复、还原历史，而是通过服装设计艺术的舞台表现形式语言成为加强戏剧表现力的助释手段。例如在复演话剧《火神与秋女》重新补充设计中，运用符合时代背景的一块红头巾，贯穿整部话剧的火神、爱、质朴心的火红舞台表现主题，舞台的表现和观众形成心灵的共鸣与和谐。

（二）服装设计中浪漫主义风格的舞台表现

浪漫主义分割指的是服装设计运用舞台美术的综合设计达到诠释戏剧的舞台表现，以强烈的灵感、激情、想象空间，使戏剧艺术化、风格化。例如在2003年12月人民大会堂直播的《同一首歌》中，我采用的表现形式是浪漫主义的。我运用金利来领带设计在舞台上的表现时，大胆利用浪漫主义想象空间，幻想着芭比娃娃似的经典元素，成功地运用了大众审美关注点，用领带进行再创造，用色彩的协调统一、反差，对称与交错、拼接手法，夸张地塑造了每位身披金利来领带模特身体与领带的和谐美，反映了金利来领带多姿的形象内涵，讲述了每条、每个系列的色彩、风格故事。同时将当今人们的审美情趣及自己的审美理想相结合，创立了自己的灵感风格。在这种富于灵感的创造性活动中，真与幻找到了一个很好的契合点，运用单调的领带造型服饰与舞台人物表现相吻合，令现场舞台生辉。其效果是金利来领带在舞台表现上获得了一次全新的生命，唤起了观众的审美激情，达到了舞台表现的较大化。因为此舞台表现是用一条条金利来领带拼接成象征性服装穿在模特身上，史无前例，表演成为一种纯粹的艺术创作，这给我的设计带来了极大的想象空间与自由。它是唯美的，可以称之为“梦的宣述”（德国戏剧家沙克语）。梦幻与舞台表现的和谐之美。

（三）服装设计中象征主义风格的舞台

表现象征主义式服装设计指的是在戏剧中运用联想的方式找到具有象征意义的载体，从而达到“形象与意义的高度统一”。例如在《社会形象中》，角色身份为第三者的女孩儿一袭黑色长披，并且始终贯穿于剧目中，以黑色象征女孩被现实社会黑暗理念包围着。而女主人则以白色长披着装，象征着现实中作为家庭主妇的本分。妻子对家庭做出了最质朴的无所求的奉献，身患绝症。白色正好象征性地代表了平淡无色彩的一生。四、服装设计与舞台形象的和谐戏剧是一种“综合艺术”，每一种艺术因素在综合整体中起着不同作用。戏剧舞台服装造型在舞台上的表现，在于以舞台美术设计为主，集灯光、化妆、道具、音响、置景为统一的和谐体，为饰演者提供创造更大的、更好的、更有效的、更和谐的表现空间与要素条件，展现的艺术效果。要以演员的表演艺术居于主导地位，它是戏剧艺术的核心。在舞台服装造型及舞台艺术的设计上要尊重表演艺术的手段即“动作”，这是戏剧艺术的基本手段。因此，以演员表演艺术为本体，对多种艺术成分进行吸收与融化，构成了戏剧艺术的外在形态，与舞台演员形象达成和谐一致。但是，现实中存在一些不和谐现象。如一些缺乏舞台实践经验初做话剧的设计者，常常会有主观服装造型设计和现实舞台表现不和谐的错误。他们主观上为寻求服装设计造型的风格，把造型对象即饰演者这个载体与所设计的服装分离开来，主要表现为在服装选料、制作、装饰上异想天开。如有的面料厚重到需要两只手一起用力才能将衣服拿起，有的服装只能看，不能穿，还有的为达到服装造型独树一帜的设计效果，在服装上随意添加沉重金属、锋利的装饰，或者在设计的服装上喷洒刺激呼吸、不适用于人体皮肤的化学试剂等。化学气味刺激演员的喉咙，使演员皮肤过敏，分散了饰演者的舞台注意力，破坏了饰演者塑造人物的激情，干扰降低了演员诠释戏剧的表现力，也切断了服装设计形式语言在舞台上的表现，称之为不和谐。而舞台经验告诉我们，服装的穿着感是演员在舞台上表现人物的重要因素。服装设计不能因迎合舞台美术艺术效果而脱离人体基本构造、脱离饰演人自身条件、脱离饰演者在舞台上展现的景况，要让舞台服装造型艺术与表现本体和谐呈现于舞台。

三、结束语

戏剧舞台服装设计与舞台之和谐，在于综合各种艺术表现形式巧妙组合，以舞台美术设计为基调，设计人物形象，赋予舞台创造力、空间感、想象力、表现力的形式语言，统一和谐表现于舞台。随着高科技，声、光、电、新材料、新技术的国际化步伐到来，话剧的艺术表现形式会更加多样、更复杂，通过这些高科技的手段和舞台美术各个造型的设计，引进、发展舞台新材料、新配饰、新元素，经过演员、舞台美术设计综合的舞台艺术表现多样化，舞台技术与舞台艺术的舞台表现丰富的变化的和谐统一，统一中求变化，变化中求统一，呈现给观众的舞台必将是和谐的视觉盛宴。

作者：李莉 单位：中国国家话剧院舞美中心

服装论文范文:传统元素服装设计论文

1中国传统元素的类型元素，亦称要素

主要有这样几个释义：指一个组合整体中的基本的、最主要的、不可再缩小的组成成分；构成事物的必要因素；事物必须具有的实质或本质、组成部分。据此可以为中国传统元素下一个广义的定义：构成中国传统的基本的、最主要的成分或部分。由于中国这一概念的外延十分丰富，也就决定了中国传统元素外延的宽泛性。服装设计领域所提及的中国传统元素，可以从不同的角度和层面，根据不同的分类标准，划分为众多的类型，从而形成一个庞大的体系。譬如按照构成学理论划分，分为概念元素、视觉元素、关系元素、实用元素等；按照设计要素划分，可以分为色彩元素（中国传统的用色制度、习惯、设色方式等）、图案元素（传统的内容、形式、表现手法、象征意义，图案的属性、题材、风格、套色、形式等）、工艺元素（加工工艺、编织形式、裁剪方式、缝纫方法、熨烫方法、锁扣方法等）、造型元素（服装的廓形和各个局部的造型）、结构元素（结构的属性、规格、处理等）、材料元素（种类、成分、外观、质地、手感、厚薄等）、部件元素（零部件的种类、造型和色彩等）、装饰元素（装饰的属性、材质、造型和色彩等）、配饰元素（配饰的种类、材质、造型和色彩）、形式元素（形式美原理）等。

2中国传统元素运用的意境层次

在国际服装界掀起的中国热潮中，许多世界顶级时装品牌都在推出中国特色时装秀的同时，大举进入中国成衣市场：Gucci品牌在纽约和北京的广告中曾以蓝色调中国风格的裙子为主打产品；GiorgioArmani品牌推出旗袍领的衬衫；Prada品牌和MiuMiu品牌也推出结合盘扣和旗袍领的西式衬衫以及装饰中国旗袍领的棉运动衫等。确实，很多国外设计师设计出了大量的具有中国元素的服装，这些服装具有很强的视觉冲击力。但是也必须看到，这些设计师往往以猎奇的心态，用西方现代的设计理念和设计方法来演绎中国元素。结果是作品很好看，但很难领会到中国文化的精神内涵。同样的素材，设计成什么样的产品，要看产品设计的目标。这当中素材的价值和设计目标都是变量。同样，中国传统元素在服装设计中的运用也有着不同的价值取向和意境层次，在此仅就意境层次加以分析。结合品牌文化与品牌定位，中国传统元素在品牌服装设计中运用的三个层次则是：表形、达意、造势。“形”是物象的外形与结构，它是表象。“意”是指物象所蕴含的象征意义、美好寓意。外在形态是内在意义借以表达的方式，是内在含义的外化和物化。在“意”的层面上，中国元素成为各种象征意义的载体，设计师用充满想象力的表达形式，把人们内心深处的祝愿以文化符号的形式再现了出来。“势”通常指“形”所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛，“势”能传达整个形的精神。在服装设计中，“形”和“意”相对比较好掌握，因为这还是停留在一种对中国元素浅层次的理解和认识层面上。而一种新的民族形式的创造，是需要在研究中国元素时能够摆脱其物化表面而深入到它们精神领域的内部。因为只有在深入领悟了中国元素的精华之后，结合现代西方服装设计理念，兼收并蓄，融会贯通，找到传统与现代的契合点，才能打造出属于中华民族、同时又是国际化的现代服装。

3运用中国传统元素的品牌服装设计

思维在服装创意设计中，感性思维和理性思维是交织在一起的，以中国传统元素为切入点的设计自然也是如此。创意设计过程，一般会经历五个阶段：初步灵感、累积、孵化、启发和验证。虽然不同设计各个阶段的时间长短不尽相同，而且可以相差悬殊，但是启发阶段在任一个案中都是极短的——如同一道光束投射到主题上。一般来说，初步灵感的获得，感性思维占据主导地位，其时间也相对较短。当某个（些）中国元素成为你的设计灵感源或表现趣味点之后，就进入时间相对较长的累积和孵化阶段：收集大量的相关素材、分析比较、理解品牌定位、画草图以及冥想。这一过程是各种复杂的、矛盾的、含混的事物并存的时期，感性思维渐居主导地位。正是因为这种状况，一切都不是线性的了，原有的思想、模式、定律都可以被打破，原创性的设计才会破土而出。在累积和孵化阶段，作为理性思维首先就要区分中国元素运用的类型：如果是作为纯视觉符号运用，那么形式感就几乎是设计的全部，中国元素的运用一定要脱离所借鉴原型的束缚。对于传统图案可以较自由地运用打散、切割、错位、变异等方法，将这些形元素进行新的设计重组，达到一种独特的效果。也可以改变配色关系，如将传统的龙纹图底配色变换为黑白关系，龙纹仅仅是龙纹，不具有象征意味，不代表九五之尊，它只是图案。在国外的设计师中，有不少运用中国图案的，演绎非常成功。因为他们不受中国传统文化的束缚，就只是把龙、凤、中国红当作很好的素材来运用。正所谓：“横看成岭侧成峰，远近高低各不同。不识庐山真面目，只缘身在此山中。”在设计中国风格的服装时，就要在理解中国文化的基础上，充分运用现代设计理念进行中国元素的演绎。“中国风格”是世界的视角，词汇本身就说明了国际性，所以中国风格的设计要将传统与现代结合起来。

4结语

中国传统文化的传承既是中华民族文化复兴的需要，也是中国本土品牌走向世界的需要。中国传统元素的挖掘、提炼、运用需要在学理层面和实践层面齐头并进，以加快设计运用的广度与深度提升。本文仅对中国传统元素的概念、分类、运用的意境层次以及设计构思进行了初步的阐述，希望能有更多的专家学者共同来研究相关课题。

作者：吴春胜 单位：浙江科技学院艺术设计学院

服装论文范文:服装面料再造传统艺术论文

一、服装面料“再造”的理念

在艺术设计再造创作过程中，首先是激情和兴趣，然后才是技术和能力，把艺术像生活一样去享受去追求，如同让凤凰的“羽毛”要找到自己的“前世”那样，面料再造的表现有很多方面，同样表达风格多样。从款式，从设计，同时从面料入手进行再造设计，国外高级服装也专注于此，如平面缝线、刺绣、编结、缀饰、镶拼、镂空、蜡染、扎染、印染、砂洗、水洗、手绘、喷绘等。还可用对多种面料和纤维材料进行叠加组合，制造出刚柔相间的别样效果，还有起褶、编织等立体形式让服装设计凸显出源于咱中国自己个性的特点，传统国画入面料中的应用就成为了在面料设计中出彩的一笔。

二、传统艺术在面料再创造中的应用

中国传统画白色为底，黑色为骨，用最基础的黑色，做到墨透纸背，华滋华彩，而留白之处更显层次感，韵味十足，引人入胜，饰以虚着实的无限遐想。我曾设计过的一些作品，即采用面料再造的手法，展现服装图案整体的水墨画效果，在对面料的中国画再造制作中，综合运用了云纹、叠加、丝线等不同质感材质的再造尝试，最终利用纤维的粗糙肌理与丝滑面料的对比冲击，恰如其分地营造出虚虚实实、面面变幻、层次莫测的水墨印象，让面料艺术效果更加丰富多采。然而在中国传统画与面料结合的绘制过程中，不管先前有多么细致的构思和设想，当毛笔与绢绸织品的材料特性相遇时，水、墨的含量，下笔力度的轻重，画面的最终效果必定是与预想存在一定距离。这个距离绝不能覆盖重画来挽救，而是因势利导，利用水墨在面料上形成的变幻效果，添加不同质感材料或纤维融入整体晕染效果，这些重现在面料再造的构成中，以达到其意想不到、天然偶成的艺术效果。

一个艺术家潜移默化的功底是选用最原始的材料进行创作。为作品艺术增加看不见的平面内容，进而升华到立体意念层次。而这艰难复杂的提升过程，一定要保留材料元素在原生命中的趣味，在此高度的提升是前人经验的实践重构。本文就是以纺织材料的再造运用，表现传统中国画的面料新形式，我们的作品只有在对传统文化的消亡拯救中，取长补短，设计创新，才能更加充实、深厚。中国传统资源中的国画书法、篆刻印章、木版水印、剪纸脸谱、太极竹简、玉雕漆器、刺绣蜡染等元素，足够辅助我们在艺术领域高瞻远瞩。在继承发扬传统资源的同时，用各种形式创新艺术表现形式，才有提升我们民族新文化延伸的可能性，若背离传统，刻意追求没根基的元素，作品则定浅薄、苍白、无力。面料再造与中国画具体的结缘点是绘画要依靠质地而存在。中国绘画作品中单纯、空白的纸，是承受艺术表現的面，这不引人们关注的纸，其实就是艺术品的一部份。传统的创作者，视纸材为艺术创作的媒介物，运用纸的特性，并将其特性挥洒到。面料再造从中国水墨的思维考虑，从理念的达成至效果的凸显，且将面料的特性始终依附于笔趣墨韵的表现之中，而对服装面料与人体艺术表现的对应关系，将水墨画当成服装艺术呈现的主体，织品材料特性更是艺术作品的构成元素，在视觉过剩的当下，中国传统画的神韵飘然在一个新作品之中。因此，必定引发出对中国现代化进程的隐喻和思考，水墨画的性是在世界任何其他地方都不可能获得的。

作者：孙雅楠 单位：西安美术学院

服装论文范文:拉链作用下的服装设计论文

1拉练的分类

现在的拉链有宽度、长短各种不同的规格，有滑头的，有自动的，也有可以来回移动的等30多种。大致可以分为下面几种类型。

1．1按材质分类

1．1．1尼龙拉链

尼龙拉链轻巧、柔软、光滑和色彩多样。链齿较薄，可绕性好。尼龙拉链广泛应用于各种服装和箱包，特别是应用于内衣和面料薄型的品质服装上。

1．1．2树脂拉链

树脂拉练材质坚韧、较耐磨损也抗腐蚀，主要特点是适用的温度范围大。适合各种运动装。

1．1．3金属拉链

金属拉练牢度强，坚固耐用、缺点是链齿比其他类别的拉链更易脱落或移位。适合牛仔装，箱包等。

1．1．4编织拉链

编织拉练轻柔，韧性好。是品质西裤。

1．2按结构分类

1．2．1封尾型拉链

拉链的牙链下端设有紧锁件，是固定的，只能从上端拉开。这种拉链大多数被应用在普通包袋中。

1．2．2开尾型拉链

拉链的牙链下端没有设紧锁件，将拉头拉靠锁紧件而将锁紧件分开，链齿即可分开。这种拉链广泛应用与于服装及一些需要时常拉开的物件。

1．2．3双开尾型拉链

头、尾都装有拉头，方便从任意一端拉开或闭合。这种形式的拉链十分适用于大型的包装袋、被服、帐篷等。

1．2．4隐形拉链

即缝合后拉链牙齿是隐藏着、看不到的一种拉链。使用它可以使服装成品后看起来更美观，穿着时人也更感贴体、舒适。

2拉练的作用

拉链在服装设计中的作用，主要是用来是连接和固定衣服裁片，与钮扣、钩袢的作用相似，但又不同于它们。若说扣子在审美方面注重突出的是点的效果，拉链则强调线的意识，给人流畅的感觉。拉链在穿、脱衣服时刻能快速完成，而且牢固，能符合现代生活中人们追求轻松、随意、方便和安全的心理要求。扣子在进行服装裁片的连接时只能起到固定一个点的作用，不能闭合，其间会有空隙，若穿着者需要在封闭身体的条件下穿着，如在粉尘环境下作业，拉链就能起到很好的封闭性。拉链在穿、脱衣服时可以快速完成，符合一些特殊条件下穿着服装快速度、高效率的节奏，所以拉链通常在运动装、工作服、休闲装和日常便装中应用比较多。

3服装拉练的要求和特色

带拉链的服装，应满足以下要求，并具有一定的特色。

3．1方便简单

由于使用拉链操作简单，能符合人们生活节奏加快的需要。军服中运用拉链，能达到兵贵神速的需要。

3．2安全严密

某些工作制服使用扣子时对身体不能起到封闭作用，存在安全隐患，易造成工伤事故。衣服口袋部位运用拉链，可使内装物品不易失落。冬装使用拉链可起到严密、保暖的效果。

3．3变化灵活

现代生活方式多样化，复杂化，人们求新求异的心理日益增强，巧妙采用双开尾式拉链，可使服装穿着方式多样化、个性化，某些部件可拆卸自如，产生款式变化。

3．4整体性

有的服装在设计中，需要开口穿脱，使用隐形拉链可使服装更具整体协调性。对于女裙与礼服来说，柔软、顺滑的隐形拉链使得服装更平服、完整，使女性的曲线之美得到了的呈现。

3．5干练、力量感

拉链独具魅力的直线造型，运用在服装上给人以麻利、干练的感觉。它比直线的感觉更加突出，能起到很强的装饰作用。拉链缝制在效果比较挺括的面料上，其直线感觉更加突出。服装由于拉链的点缀，更加能体现出强有力的男性的刚劲、硬直的力度。因为线的变化在服装风格设计中是很重要的，拉链的结构本身就具备粗犷、豪放的线的视觉特点，所以运用拉链表现线的设计在服装设计中早已成为设计师们关注的重点。为了强调服装个性化风格，丰富设计语言，往往会把拉链运用到服装分割线、拼接线的位置，巧妙运用在省道、裁片拼接处、口袋、育克分割、前襟等位置用以加强视觉审美效果。

3．6随意性、舒适性

紧张工作之余，穿着运用拉链制作的夹克衫服装，有方便、随意、舒适之感。

3．7节奏感

拉链的直线造型与服装中的其他连接线，其长短、方向的不同排列组合，形成节奏感，使服装增加魅力。

4拉练的创新

为适应当今市场的变化，针对特殊功能需求，拉链生产企业进行了开发创新，生产设计出具有个性化的时尚产品，如防火拉链、防透水拉链等，利用特殊的技术手法对拉链进行处理，使其具有防水、防火的功能，用于特殊作业服的需要。拉链产品不断丰富，在家纺制品、箱包、鞋业和体育用品等多个领域也在快速地发展。未来几年，环保型拉链将成为趋势，国外市场新环保指令频出，“低污染、低耗能、低碳”三低的环保型拉链将得到大力发展。

5结语

设计师们将拉链的独特特点应在服装设计中，发挥其强调线的造型变化功能的作用，传达着不同的情感。拉链的作用可谓是集装饰功能与实用功能为一身，拉链的形态千姿百态，材质也是五花八门。拉链是服装设计师们发挥才能的很好材料。

作者：于江玲 单位：江西服装学院

服装论文范文:原创影响下的服装设计论文

1原创在服饰文化发展中的价值意义

服装设计师以及专家学者普遍认为，继承和发扬我国服装体系，追赶世界服装设计高水平的步伐，提高服装原创设计自身设计水平就要借助我国服饰文化力量的优势。在现代服装设计中融入中国服饰文化已经成为当代中国服装原创设计的重要特征。服装原创设计可以以服装为媒介以原创设计为手段，发扬中国传统服饰文化，向世界展示中国独特的服饰文化，接受中国传统服饰文化。让世界了解中国的服饰文化，领略中国服饰文化的魅力，也让中国服饰文化走向世界。世界服装产业的格局仍是以法国、意大利、英国、美国和日本为中心，他们也是世界五大时装中心的所在地。这些时尚中心的服装产业发展与其本国文化密切相关，尤其是法国。服装对于法国人而言不仅作为艺术品标志着文化艺术的发展，甚至已经成为了法国文化艺术的形象代言。在其一百多年的服装发展中，已形成了独立完整的体系，设计思维、结构理论、服饰文化等方面都值得我们学习和深入研究。众多具有百年历史的世界级品牌从风靡世界的高级时装到高级成衣，都渗透着深刻的文化内涵、独特的服饰文化理念。其发达的服装产业源自于服饰文化理念在现实环境下的实现。法国服装产业的成功也为我国服装产业发展提供了经验和启示。美国作为一个多民族的国家，拥有众多的哲学和艺术流派，对外来文化具有很强的吸收性，的设计师们将美国人的生活方式和性格在服装上表现得淋漓尽致。大众文化对其服装业的发展具有深刻的影响。亚洲的服装强国———日本，在服装产业起步之初，发展状态与我国服装产业的发展极为相似，凭借其独特的日式东方文化在服装产业发展中取得成功，日本服装产业的成功与其服饰文化的发展经验值得我们借鉴。当服饰文化被提到一个产业的高度时，服装产业对服饰文化的认识也开始进入到一个更深的层面。中国服装品牌在经历由小到大、再由大到强的发展历程中，如何通过服饰文化去提升品牌的内涵，实际上是摆在我国服装产业面前的一大命题。

长期以来，我国服装品牌都处于一种跟风模仿的状态，只有数量和规模的发展一直是我国服装发展的困境。我国服装设计受“外来文化”的影响，作为“外来文化”背景下的产物，我们的设计没有自己的文化积淀，没有本民族的文化内涵。民族文化和国际时尚是对立统一的关系，在继承与发扬本民族文化的基础上吸收外来文明。国际化的设计是我们的服装走向世界的前提，本民族服饰文化是我们的服装在世界立足的根本。在世界经济一体的背景下，如何应对国外服装品牌的市场竞争是首要考虑的，我国过去的“服装加工厂”方式己经不能继续适应服装国际市场。此时此刻，服装原创性设计被推上了至关重要的位置。服装业发展至今，现代女装设计将服装作为一种精神语言，更加注重体现女性的个性，多方位地诠释自我。因此，服装设计再也不能像以前那样抄袭、模仿、照葫芦画瓢，应当是焕发时尚并且充满文化气息的自主设计产品，其灵魂就是原创。原创的本质在于服装的文化底蕴，好的服装设计折射出来的文化底蕴需要服装设计师丰富的想象力和创造力，服装设计师将文化内涵的理解转化为自身的意念，通过自身的专业技术将这种文化和艺术融入到服装设计中。一个好的设计理念的实现，需要服装设计师对服装文化内涵有深刻了解，将服饰文化的意识观念转化为设计师自身的理解，挖掘出这种服饰文化潜在的深层涵义，通过自身的专业技能对其表达和传播。中国具有悠久的历史文化，传统文化内涵极其丰富，服装设计师们可以从多方面和不同角度来挖掘传统服饰文化。而继承传统的正确态度是将原有的传统文化加入现代元素，不断地丰富和推陈出新，使传统与现代相互融合，创造出有独特个性的新风格服装。

2结语

设计永远不会停滞，在服装产业快速发展的今天，服装原创设计更是起到举足轻重的作用，影响到我们的生活以及未来服装的发展。不断地开拓服装原创性设计领域，推出新颖的、耐人寻味的服装，以此推动服饰文化的发展。

作者：邱书芬 单位：江西科技师范学院 江西服装学院

服装论文范文:休闲风格服装设计论文

1休闲风格在女性居家服装设计中的体现

休闲风格在女性居家服装中的具体应用，主要是通过面料的应用、色彩的展示、款式的设计以及功能性与装饰性等各方面来体现，以实现和满足现代女性在居家生活方式下对服装的物质需求和精神需求。

1.1面料的应用

回归自然和绿色环保是现代居家休闲观念重要的组成部分，主要通过服装的面辅料体现出来，以棉、毛等具有极强舒适性的天然纤维为主，强化休闲服装贴近自然的整体效果。在市场中，女性居家休闲服装的面料主要运用棉、毛、棉绸等成分，以不同的款式、色彩、工艺和搭配，表达不同的效果，呈现出一种自由随意、宽松舒适的感觉，受到众多女性消费者的青睐。同时，它也是目前市场不可缺少的服饰，满足了消费者的物质和精神需求，推动了休闲居家女装的发展，体现出休闲居家女装的核心价值。

1.2色彩的体现

在休闲风格居家服装中，根据不同的类型，以柔和的自然色调、层次丰富的灰色系、淡雅的中性色调，以及明艳的纯色系为主要的色彩选择范畴。随着时尚流行趋势的变化，都有着不同的流行色出现，给人不同的视觉感受和愉悦的心情。在女性居家服装色彩设计中，应掌握并顺应人们的各种联想，结合色彩对人心理所产生的冷暖轻重、华丽与质朴等方面的感觉，把色彩与人的形体修饰、心理感觉和周边环境相协调，进行适当的综合运用，展现一种温馨、愉悦的整体效果。

1.3款式的设计

休闲风格居家服装的穿着，主要以舒适方便兼具时尚特点为核心，服装的造型主要表现为O型、H型、A型等，营造出一种休闲风格居家服装的氛围。随着产业的不断发展壮大，服装出现了多元化的发展趋势。休闲风格居家服装作为人们消费的主流，长短不一，不对称、不同面料的拼贴，大口袋的设计，宽宽松松的廓型、蝙蝠衫的造型等都成为了受欢迎的元素。

1.4功能性与装饰性的结合

休闲服装设计中，功能性的设计往往与服装的装饰效果结合在一起，起到一举两得的作用，舒适性能的休闲风格居家服装的装饰性设计是一个重要的特色。为了保障休闲风格居家服装在穿着过程中的牢固性和安全性，压线、套结等的设计与应用最为常见，被广泛地使用在休闲风格居家服装中。此外，口袋、肩章、襻带的设计也是休闲风格居家服装设计的一个重要元素，这些设计更多的是起到象征性的功能效果，明确地表现出休闲风格居家服装带给穿着者的方便和舒适安全的性能。

2女性居家休闲服装发展分析

2.1发展持续升温

随着生活水平的逐步提高，人们对休闲时间的活动越来越重视，因此，各式各样的休闲方式越来越流行。在服装方面，休闲服装也就应运而生，有了更好的发展空间，对休闲风格居家服装的需求直接扩大了市场的容量，完善了市场，满足了更多顾客的需求与消费。因为这一风格定位年龄层次跨度较大，适合各类人群穿着，成为了市场上最主要的服装风格。

2.2销售势头强劲

随着休闲服装在国内市场的持续升温，各地经销商纷纷看好这一巨大市场，均通过不同的渠道和方法来进行销售，有力地加大了女性休闲风格居家服装经营的比例。如在各大商场内专设“运动休闲馆”、“都市休闲馆”等场地销售休闲风格居家服装等。

2.3产品种类多样化

随着休闲服装业的快速发展，女性居家休闲服装产品日益丰富，产品结构不断细分，并呈现出系列化发展趋势；款式多种多样，有长款、短款、中长款、宽松和修身等。同时注重随意搭配；在色彩上逐渐拉开层次，有花色、素色和条纹色等，呈现出各种明度和纯度的颜色，形成对比；面料大多以纯棉、纯毛为主，并不断开发高科技功能性新面料，穿着舒适，体现自然、健康的生活态度。

3结语

简洁、舒适的休闲风格居家服装，赋予了人们一种现代生活方式，是人们在经过喧闹之后，对淳朴自然之风的向往与追求。现代都市女性因其素质的提高，在服装上要求与环境融合，既实用又美观大方，不失时尚，人与服装和谐，并与自然融为一体。未来的休闲风格居家服装，倡导轻松、活泼、张扬、奔放的休闲文化，展示出现代都市近期流行趋势，必将引领未来的时尚潮流。

作者：陈国强 单位：江西服装学院

服装论文范文:服装艺术专业网页设计论文

一、服装艺术设计类专业网页设计课程

教学内容选取根据网页设计课程在服装艺术类专业中的定位及服装艺术类专业学生特点，教学内容要有合适取舍。根据多年的教学经验，课程主要内容选取如下：及时章为网页制作基础，主要包括认识网站和网页、网站开发基础、初始Dreamweaver、站点基本操作、网页文档基本操作。第二章为应用表格布局网页，主要包括创建和选择表格、设置表格和单元格属性、拆分与合并单元格、行列的添加与删除。第三章为设置网页内容，主要包括网页基本设置、文本输入与编辑、应用图像、应用动画和多媒体。第四章为应用超链接和行为，主要包括常规超链接、热点链接、电子邮件链接、图片链接、下载链接、命名锚记链接和制作浮动的广告，设置状态栏文本、弹出信息及制作收缩放大的图像等效果。第五章为应用CSS样式，主要包括样式表的基本应用及样式表的高级应用。第六章为应用Div+CSS布局网页，主要包括Div+CSS布局基础、Div+CSS布局中的定位方式及应用Spry布局对象。第七章为应用框架布局网页，主要包括框架网页的创建、框架和框架集基本操作。第八章为应用模板和库，主要包括创建和编辑模板、应用和管理模板、创建库项目及应用和编辑库项目。第九章为动态网页制作入门，主要包括安装和配置IIS、配置动态站点及应用表单和表单对象。第十章为测试和网站，主要包括虚拟空间和域名、站点本地测试及站点。课程的重点是文本处理、图像处理、超链接、使用表格、CSS样式，难点是使用框架、CSS样式。在课程的阶段，教师设定技术框架和规模，要求每位学生独立完成网站的设计与制作，学生通过自主选题，内容收集与整理，然后，学生在规定的时间内，完成创意、设计和制作的全部工作。

二、服装艺术设计类专业网页设计课程教学方法

课程主要采用案例教学法。每个章节知识点都以项目任务进行贯穿讲解。在每个任务讲解后，通过课后练习让学生及时巩固知识。每堂课教学过程分为4个阶段：及时，任务说明阶段。教师展示本堂课案例的最终效果，并对此进行简易的分析和评价，指出本案例所用的新知识点和所要实现的目标，对于旧知识点根据实际需要进行必要的复习提示。第二，相关知识点讲授阶段。针对案例中的相关知识点，通过小型辅助案例进行分析讲解，激发学生的想象力，完善知识体系。要求学生在课堂练习和课后学习中，根据各自的想象去拓展该案例，为后续自主命题设计与实践打下良好基础。第三，任务实施阶段。在本阶段中，教师首先给出任务实施的具体要求，让学生结合课堂案例的实现方式和流程，独立去完成任务实施。然后，针对本项目所涉及的讲解案例以及相关知识点、设计与制作方法、创意效果进行总结，完成课堂教学任务。第四，课后练习阶段。在练习阶段，教师提出技术框架要求及创意设计要求，让学生自主选题、自由创意进行设计制作网页。在自主选择网站主题时，提倡学生面向学科应用需要，面向实际进行选题。如：以服装服饰的文化、设计和生产，或者服饰流行趋势等为网站主题。选题时，要考虑对网站内容的理解和把握程度，对相关文本信息、图形图像信息和媒体信息的收集、归纳和整理的水平，因为这些也在很大程度上决定网站的创意、设计和制作水平。自由创意让学生发掘自身的专业潜能，利用所学计算机技术把创意效果展现在网页上。做到主题鲜明，内容完整，色彩搭配美观，页面构图简洁合理等。此外，在这个阶段，教师可以通过多种方式，比如QQ、微信等，对学生的技术问题给予个性化的指导和帮助，对内容设定、创意设计给予点评，引导学生制作设计出作品。

三、实施结果与分析

首先，学生出勤率及作业上交情况有了很大的提高，也就是学生的学习兴趣有了很大的提高。其次，作品所占百分比有了较大幅度的提高，也即说明学生的网页创意设计有了很大的进步，也即是更多学生能将创意艺术与计算机技术进行结合设计网页，提高了教学质量。

四、结束语

在服装艺术设计类专业中开设网页设计课程，主要是顺应了时代需求，培养服装艺术设计与计算机技术相结合的能力，从而提高学生把计算机应用在专业领域中的能力。根据服装艺术设计类学生具有的审美和创意设计的优势，对教学内容进行必要的取舍，在教学过程中应注重网页的创意设计，不应像理工类学生那样只注重计算机技术的培养，在教学方法上以案例教学为主，贯穿讲授知识点，并要给学生留有足够的创意设计时空。

作者：徐照兴 单位：江西服装学院服装商贸分院