钢琴教学论文篇1

音乐理论主要包含乐理知识、视唱练耳、和声理论、作品欣赏和分析等，钢琴弹奏是一个需要长期、全方位学习的学科，对于学习钢琴弹奏的人来说，只有把学习实践和音乐理论知识融合在一起，才能真正提高自己的钢琴演奏技能，提升自己在钢琴学习方面的综合水平。

三、音乐理论在钢琴教学和演奏中的应用

（一）乐理知识在钢琴教学和演奏中的应用

如果连最基础的钢琴乐理知识都不懂，那么想要弹出流畅且动人的音乐，必定是不切实际的想法。举个简单的例子，假如你还没有学好乐理知识就想去学习弹奏钢琴，那么在学习的过程中，老师不仅要花更多的时间为你讲解乐理知识，而且你会发现，在实际练习弹奏练习的乐谱中有很多不认识的音乐符号，那就必须在有限的练习时间里花费更多的时间去请教老师和同学或自己查阅资料，这样不仅浪费时间，还可能因为强烈的挫败感而打击自己学习钢琴的积极性。所以，在钢琴弹奏和教学中，首先要掌握好乐理知识，对乐理知识烂熟于心并透彻理解，才能在练习过程中掌握娴熟的弹奏技巧，才能在音乐弹奏中真正理解音乐术语，把握音乐弹奏速度的快慢缓急，演绎更加流畅动听的乐曲。只有掌握好乐理知识，才能从乐谱中感知作者真正表达的思想感情，进而在演奏中投入自己的思想感情，演绎出一曲有血有肉的音乐作品来。

（二）视唱练耳在钢琴教学和演奏中的应用

学习钢琴的基础之一是对于音乐乐谱的熟练识别，在识谱技能的练习中，视唱练耳是一项十分重要的训练，这项训练的目的主要是为了培养学生对于音乐的敏锐感知能力，同时也加强了学生在音乐学习方面的视觉和听觉练习，逐渐锻炼学生的独立识谱能力，也培养了学生在音乐演奏实践中的随机应变能力。学生在练习识谱时，会看或听大量的音乐素材，不仅可以获得丰富的学习材料，也增强了对音乐的感知能力，培养了自己在音乐欣赏方面听觉和视觉的敏锐度，对音乐世界的领悟能力得到了提高，在进行钢琴弹奏时可以更深入感知乐符间蕴含的节奏和情感变化，可以更轻松地完成对不同作品的完美演绎。

（三）和声理论在钢琴教学和演奏中的应用

和声理论是钢琴教学和演奏中的核心内容，音乐教师在教学过程中巧妙地将其融入到钢琴教学中，可以让学生在音乐学习中将理论和实践相结合，增强钢琴学习的趣味性，为学生提供展示自我能力的机会，增强学生的音乐鉴赏力，使学生可以全面了解钢琴学习的内容。在钢琴教学和演奏中，和声是必不可少的组成部分，教师在钢琴教学中会特别重视对于和声知识的传授和讲解，同时还辅助大量的和声练习，以增强学生在音乐方面的情感表达能力。将和声理论应用在钢琴教学和演奏中去，可以使学生开阔眼界，鼓励学生即兴表演的积极性。只有扎实掌握在钢琴演奏中对于和声的恰当应用，才能将音乐作品所蕴藏的思想境界淋漓尽致地表达出来，才能真正用音乐去感染观众，让听众产生情感上的共鸣。

钢琴教学论文篇2

一、视唱练耳的内涵

视唱练耳是音乐教育过程中必备的素养，对学生掌握音乐的题材内容、结构形式、风格特点有着极高的辅助作用。主要的实践过程是让学生对音乐的基本旋律进行了解，并且能够跟唱出来，并且对学生的听觉能力进行训练，锻炼在音高音准和节奏方面的听力要素。音乐学习最基本的层面是“视”，也就是学生在学习音乐的过程中能够具备一定的乐谱阅读能力；“唱”是音乐教学的目的所在，在音乐学习中鼓励学生大声唱出来，对学生音准能力的提高发挥着积极的作用；“练”是在学生反复练习的过程中，让学生学会理解音乐、表达音乐；“耳”即为“听”，在音乐教学中听觉分辨能力也是一项训练内容，帮助学生掌握正确的表现手法和音乐技巧，为学生的专业发展奠定基础。

二、视唱练耳在幼儿师范钢琴教学中的意义

在幼儿师范教育专业中，专业学生的音乐认知一般都处于一个初级的水平，难以理解音乐中的艺术性和价值性，难以准确的掌握音乐的意境和情感。通过视唱练耳，学生逐渐掌握音乐的基本素养，有效的将音乐作品的艺术性和思想价值融合在一起。视唱练耳在幼儿师范钢琴教学中应用，能够积极的引导学生将自己的情感融入到音乐当中，调动学生的积极情绪，有效的培养学生的音乐素养和艺术想象力。其次，通过视唱练耳，可以帮助学生建立起一种很好的音乐思维，开拓幼儿师范学生的音乐视野，能够利用自己视唱练耳的基本功来表达钢琴音乐的艺术情感，提高钢琴音乐的记忆力和鉴赏力，为今后幼儿教育实践创造条件。

三、视唱练耳在幼儿师范钢琴教学中的具体应用

（一）认识到视唱练耳在幼儿师范钢琴教学中重要性

师范专业学生对于钢琴乐曲教学的内容理解能力较差，单凭旋律、节奏，学生往往难以准确把握乐曲的精髓，以及准确表达乐曲的意境。专业教师应该提高对视唱练耳的重视，指导学生展开视唱练耳，让学生准确的把握钢琴曲表达的重点。在练习《青春舞曲》这首歌曲的时候，学生在歌词和旋律中很难发现传达出怎样的思想感情。教师引导学生对乐曲展开视唱练耳，利用欢快的节奏，自由的节拍，让学生在不断的演奏练习中领悟到歌曲表达的青春像鸟儿一样，自由洒脱。

（二）幼儿师范钢琴教学中融入乐理知识

乐理知识内容包括音乐技术理论和音乐学理论，都是音乐技巧的重要组成部分。所以在幼儿师范钢琴教学中应该融入乐理知识，丰富师范学生的音乐认知。但是乐理知识的学习因为理论性太强，所以学生在学习的过程中往往会觉得枯燥乏味，教师也难以调动学生的积极性，导致教学效果不佳。在钢琴教学的过程中应该善于引导学生掌握音乐的规律，抓住音乐的层次，利用美妙的乐曲来体现乐理知识，提高学生乐理学习的质量。同时，教师应该运用灵活多变的语言，将抽象的乐理知识形象化，为视唱练耳打下音乐基础，为学生的专业发展奠定基础。

（三）幼儿师范钢琴教学中应该做到理论联系实际

掌握基本的乐理知识是不够的，幼儿师范专业的学生在乐理学习的时候应该与实际的演奏结合起来，认识到理论联系实际的重要性。例如，《青蛙跳舞》属于难度较高的曲子，因为乐曲里面不仅有跳音与保持音及双音的不同演奏形式、有强、弱等感情标记，而且在识谱方面音符的跨越性比较大，还有三个最近刚学的音符。先练习右手部分，教师示范讲解跳音弹奏要领：乐曲活泼、可爱、可用指尖部分把跳音弹出来，弹轻巧。再练左手，手指准备好，有跳跃感，利用好休止符的时间来快速的找下一个双音，双音下键统一，音色统一。

（四）养成良好的视唱练耳学习习惯

视唱练耳是钢琴音乐学习的基础所在，幼儿师范专业的学生在钢琴学习的过程中，应该眼、耳、手、脑并用，首先观察基本的乐谱规律，发挥大脑的思考和判断作用，按照严格的乐理逻辑，演奏出富有张力的钢琴曲。所以要将“视唱练耳”作为一种音乐手段来实施，让学生通过视唱练耳训练培养出良好的划分乐句的习惯，在演绎音乐作品的时候，能够把握作品中的音乐语言，展现视唱练耳的效果。注重钢琴基本功的练习，表达出歌曲的主旨内容，例如，《大海啊故乡》这首歌曲是用自然、和谐的声音有感情地演奏，并且节奏较为缓慢，幼儿师范专业学生在钢琴演奏的时候要找准歌曲的定调和节奏，将自己的情感投入到歌曲意境的意境中，有效的培养幼儿师范钢琴学生的节奏感，调动这些学生的音乐思维，增强学生对于钢琴音乐作品的表现力，并且让钢琴音乐作品能够表现的更为优美而富有旋律。幼儿师范专业的学生不仅要掌握钢琴编配、和声等理论知识，还需要具有半分解和弦、分解和弦、柱式和弦等多种演奏类型的掌握，保证演奏与乐曲风格保持一致，表达出歌曲的真实意境。这就需要专业教师引导幼儿师范专业的学生积极培养自身长期进行视唱练耳训练，并养成良好的学琴习惯。学生在钢琴学习的过程中，要眼、耳、手、脑并用，积极发挥大脑的协调功能，通过观察和赏析，弹奏出具有张力的钢琴音乐。

综上所述，视唱练耳则是音乐学习的基础所在，主要通过听、写、唱等基本技能的练习和掌握，对幼儿音乐教师的专业能力培养有着重要的作用，打好钢琴演奏的基础，为今后从事幼儿教育事业提供积极的因素。幼儿师范学校的学生应该积极探索视唱练耳在钢琴教学中的应用价值，认识到视唱练耳在幼儿师范钢琴教学中的重要性，在幼儿师范钢琴教学中融入乐理知识，做到理论联系实际，养成良好的视唱练耳学习习惯，帮助幼儿师范专业学生深入了解音乐的内容，激发其对音乐的共鸣。

作者:刘奕君 单位:陕西学前师范学院音乐系

参考文献：

[1]纪丽民.视唱练耳及其在幼儿师范钢琴教学中的应用探析[J].黑河学刊，2013（06）.

钢琴教学论文篇3

音乐的速度和节奏变化影响着作品的表情达意。同一首曲目若变换速度，音乐情感的表达就会出现巨大反差。举例来说，哀乐往往节奏缓慢低沉，但是如果加快节奏，就会变成欢快的音乐。所以学生准确和扎实的速度感觉是基础。节奏是音乐的脉搏，表现着作品的情感。由于钢琴作品的风格不同，如交响曲、催眠曲、小夜曲等不同的风格对节奏也有着不同的要求，需要教师在教学中对作品予以正确讲解和良好的示范演奏。学生在钢琴弹奏的时候往往把握不好节奏和速度，有的是过于紧张或随意，有的是因为指法和力度不够，这就要求教师因材施教，针对不同学生的情况进行专门指导。

(2)对乐曲的独特认识。

在有了扎实的技术基础之后，想要完美的表现一首作品，还需要对作品做出合理的诠释和处理，要把谱子背后的意义读出来。比如德彪西的作品，他是印象派的代表人物，演奏他的作品，就要对作品的朦胧性和不确定性进行格外的关注，倘若缺少了特别注意，那么印象派钢琴的表现力，也就无从谈起了。

2强化学生的音乐基础素质

(1)注重听觉的训练。

“用耳朵练琴”是钢琴教学中强化学生音乐基础素质重要的一环。音乐是诉诸听觉的艺术，听觉的感知能力直接影响对作品的把握。“钢琴教学中，我们首先要教会学生倾听自己的琴声，这里的听不是随随便便的听，而是要通过听来发现自己的不足，这种听的过程要全身心地投入，要充满了对乐声的追求，还要凭借丰富的想象去进一步表达。”也就是说，要用听来感知曲作家的创作意图，通过与自己弹奏琴声的对比来发现是否很好地表达了内容。具体到教学环节中首先要让学生建立对优秀钢琴演奏的感知，然后在学生弹的过程中引导他们学会倾听，能够分辨出弹奏出现失误的地方。

(2)注重学生演奏表演能力的培养。

传统的钢琴教学较多重视技能的操作性练习而忽视技能的驾驭，也就是说学生往往只是单一性的掌握了技巧，但是面对不同的作品，学生不知道何时使用何种技巧来表现作品。由于钢琴演奏涉及复杂的心理境界和思维活动，加强心理学理论在钢琴教学中的运用，注重学生演奏方法的培养势在必行。以属于心理学范畴的“内心视象”为例，“内心视像”又称为内心的视觉表象，分为再现内心视象和再造内心视象。再现内心现象是将过去看过或者经历过的映象通过记忆在脑海里重现，再造内心视象则是对信息源进行想象的结果。举例来说，钢琴演奏中对演奏动作的记忆就属于再现内心视象，通过引导学生将看过的教师示范演奏或名家的演奏动作反复在脑海里再现，把外部视象逐渐转化为内心视象，进而习得最佳表演动作记忆，这样学生就能在演奏记忆的指引下形成相似于教师或名家的演奏动作，再假以时日不断练习自然能够提升自身的演奏表演能力。

3提升学生的综合文化素养

“音乐是作为一种文化具体而存在的，它的发展是与社会环境以及民族文化的变迁有密切关系的，这对于我们钢琴教育来说，具有重要的启迪作用。”钢琴音乐本身作为一种文化形态与其他各类文化有着必然的联系，在文化艺术繁荣发展的今天，钢琴音乐与其他艺术、与其他学科之间都存在相互交叉的现象。学科的交叉要求教师以一种兼容并包的心态从多视野多学科的角度引领学生从不同维度认识音乐，认识钢琴演奏。具体来说，钢琴教育不仅有技巧的传授，还应有各种音乐理论知识，并使这种音乐文化素养的培养贯穿于每一节课和每一首作品的处理中。此外，文学、美学、哲学等相关学科的知识都应给学生开出相应的阅读书目，并且教师可以结合教学内容对相关知识予以引申和介绍，课后开展学生之间的读书心得交流，不断提升学生的综合文化素养。

钢琴教学论文篇4

（一）“去钢琴化”声乐教学是声乐学科改革和发展的探索与实践

采用钢琴进行声乐教学是当今世界主流的声乐教学模式，这种模式早已被各国认同，而且建树颇丰。无论是声乐教学还是演出、比赛，钢琴都在展现其优越的性能和特点，成为现代声乐元素中不可缺少的一部分。当然，使用钢琴进行声乐教学也存在一定的缺陷和不足，一方面钢琴是十二平均律与大、小调式的典型乐器，在音乐构成上只适合西方音乐体系以及类西方音乐风格，对于其他类型的调式、旋律均不适宜。另一方面，钢琴的表现力重在“写生”而不为“写意”，钢琴虽然能表现出音乐的背景与人物的情感，但其渲染得更多的是音乐本体的叙述与表达，对于特定环境与文化内涵的把握尚有不足，特别是对于一些民族性与地域性较强的声乐艺术的表现还差强人意。所以，对于声乐学科进行“去钢琴化”的改革与创新，有助于声乐学科摆脱依赖钢琴进行声乐教学的单一格局，使声乐教学的形式更加丰富、多样，教学方法更加灵活、有效。

（二）“去钢琴化”声乐教学是中国民族声乐教育的重大变革

当前，西方音乐教育模式在中国所进行的渗透与影响已达到空前状态，特别是波及到了中国音乐教育的定位与方向，危及到了中国民族音乐艺术的传承与发扬，更是将西方音乐审美及价值观植根在了当代中国的音乐教育理念之上。因此，导致了中国的声乐教学普遍走向了一条照搬西方声乐教学模式，崇尚美声唱法的“一元化”道路。由于中国声乐学科的发展起步较晚，当前还没有形成固定的、具有自身特色的声乐教学模式，现有的教学方法基本上来自于西方理论，对于中国声乐教学的未来发展之路还处于论证、探索阶段。“去钢琴化”声乐教学从根本上是中国民族声乐教学的改革与创新，通过合理有效的实施，不但为中国民族声乐教学的未来方向寻找到了突破口，而且为中国民族声乐艺术多元化的发展提供了实践机遇和平台。此外，“去钢琴化”声乐教学还有助于带动声乐文化产业和与师资结构的调整与优化，使中国的声乐艺术走向良性化发展道路。

（三）“去钢琴化”声乐教学是中华文化艺术传承与发扬的时代契机

由于中国地缘广阔、民族众多、文化多样，中国的声乐艺术也呈现出丰富多彩的形态与内涵。各地区、各民族的声乐艺术百花齐放、百家争鸣，声乐的演唱风格与形式也各具特色。中国声乐教育的发展在根源上是中国文化艺术的传承与发扬，所以依托“去钢琴化”声乐教学进行中国传统艺术文化的研究与保护具有划时代的意义和价值。“去钢琴化”声乐教学不但可以丰富中国声乐教学的形式与内容，还可以为中国声乐艺术的发展创造更多空间和机遇。中国传统的声乐演唱形式、审美观念、情感表现以及伴奏乐器都将陆续登上世界声乐的表演舞台。

三、“去钢琴化”声乐教学的实施原则

（一）立足现有声乐教学体系，发展多形式的声乐教学模式

中国现有的声乐教学体系虽然充斥着西方声乐理念，但在发展过程中也创造出了中国特有的民族唱法以及民族美声唱法等新的概念和理论，所以在此基础上进行“去钢琴化”声乐教学具有一定的可造价值。同时，应当发展具有中国特色声乐教学模式，如中国传统民歌教学模式、少数民族原生态演唱教学模式、歌唱与传统戏剧的交叉教学模式等。

（二）“去钢琴化”声乐教学要理性实施，合理构建

“去钢琴化”声乐教学不是完全否定钢琴在声乐教学中作用和价值，也不是要将钢琴与当前的声乐教学分离，而是要以现实为基础，改变当前普遍崇尚西方声乐理念的思维体系，结合中国声乐艺术特色，建立适应中国声乐教学的方法及策略。“去钢琴化”声乐教学要切勿盲目、主观、消极地实施，特别是不能一概肯定或否定某种文化的意义和价值，也不能一蹴而就、急于求成，而是要以辩证唯物主义的指导思想将声乐学科的发展与中国声乐艺术的特性进行融合与加工，逐步将钢琴这一关键性的因素进行合理规划与分配，建立以中国元素为基础的声乐教学模式，已达到“去钢琴化”声乐教学在中国的普遍适应性。

（三）在实施过程中要灵活多变、因材施教

首先，对待西方声乐教学体系要秉持去粗取精、为我所用的态度和原则，将有利于中国声乐艺术发展的观点及理论要进行保留和利用。其次，“去钢琴化”声乐教学要根据具体地域、民族、作品进行规划与实施，教学定位不能固定不变，而要以中国文化艺术为背景进行多元化、多方位的发展。特别是对于少数民族与地域性较浓重的声乐艺术而言，更要体现出文化、语言、歌曲风格、伴奏乐器等特性。当然，在教学过程中，更加合理的使用钢琴以及将钢琴与中国传统乐器进行编配教学具有一定的前景与发展空间。

四、“去钢琴化”声乐教学的方法与途径

（一）逐步转变以西方音乐价值体系为主导的声乐教学模式

声乐表演艺术的发展是声乐学科建设的方向与目标，对于声乐教学具有一定的启迪和影响。目前，中国的声乐表演艺术基本上处于类西方模式，从声乐表演的组织形态、演唱形式、声乐伴奏（包括钢琴、管弦乐队）以及观众观摩都交织着西方因素，中国元素仅限于声乐作品的语言和曲调。在此之中，中国本土乐器所发挥的作用和价值十分有限，仅在部分声乐作品的局部使用。所以转变现有声乐教学理念以及创建中国本土声乐教学方法具有特殊的意义和价值，这也是中国声乐文化摆脱西方价值体系与建立自身艺术特色的有力举措。“去钢琴化”声乐教学不但要逐步削弱钢琴在声乐教学中的主导地位，而且要创建以中国民族乐器为教学工具的新的教学思路和方法。在实施过程中要根据不同地域、不同民族的特性进行具体伴奏乐器的选择。例如各民族可以将本民族乐器逐步纳入到声乐教学的范畴，不但可以改善民族文化的传承，还可以增强民族自信心，推动民族文化的发展。

（二）以中国本土乐器为突破口，寻求适合中国声乐作品演唱的伴奏乐器

中国的本土乐器博大精深、形式多样，各地区、各民族都拥有为数众多的歌唱伴奏乐器，有我们所熟知的琵琶、笛子、箫、笙、埙、胡琴、扬琴、筝、阮、唢呐、鼓等传统乐器以及各少数民族所使用的弹布尔、都塔尔、热瓦普、马头琴、冬不拉、伽倻琴、库姆孜、铜鼓等都可作为我们今后声乐教学的辅助教学器材，在某种情形下还可替代钢琴成为新的教学工具。中国古代的大曲、相和歌、清商乐、琴歌以及各个戏剧中都设定了明确的伴奏形式以及相关乐器，这也可以作为今后声乐教学改革的参考与方向。

（三）声乐师资调整以及中国本土声乐伴奏人才的培养

“去钢琴化”声乐教学不仅是教学模式的改革与创新，更是声乐师资队伍的建设与发展，这也为声乐教师在授课过程中提出了新的要求与目标。教师在授课中不但要把握作品的风格与特征，而且还要掌握一定的非钢琴乐器的使用与伴奏。同时，各艺术类院校应当建立一支中国民族声乐伴奏的乐队，通过一定的组合与编配，丰富中国声乐作品的演唱，配合声乐教学的有序进行。

（四）以“去钢琴化”声乐教学为契机，构建中国特色声乐教学新模式

当前，体系化发展已成为声乐教学的必然趋势。中国声乐教学要想取得特色化发展，就必须不断进行探索与实践。首先要逐步完善现有的教学体系，对普遍存在的问题和不足要加以纠正与补充，对影响声乐教学的各个环节和因素要逐个优化、调整。其次还要制定中国声乐教学的发展方向与目标，这就包含了如何发展、如何进行的具体事例。“去钢琴化”声乐教学既是思路，又是具体做法；既改善了当前中国声乐教学的单一格局，又推动了中国特色声乐教育的发展。

钢琴教学论文篇5

一、在钢琴教学中要有正确的弹奏方法

正确的弹奏方法是获得正确的、一定程度的技术技巧的基本保证，这样才能在钢琴上奏出美妙的旋律。什么是正确的弹奏方法呢？

第一，调整好坐的位置。座位正确能为双手、双臂在键盘上的活动提供最大限度的方便，也是发挥正确技术的前提之一。否则，会影响到对技术的掌握，严重的，还会造成弹奏中的毛病。可归纳成简单的一句话：对准坐在琴的中间点坐下，双脚踏实着地，放在踏板前。臀部坐在琴凳靠近钢琴一侧的半部，腰要直，胸不挺不塌；

第二，双手置于键盘之上，上臂与前臂形成略大于90度的钝角，手肘略高于键盘的平面。

第三，手型应放松而端正，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触及琴键。五个手指的指端之间呈半圆形，掌关节自然拱起。好象松松地虚握一个圆球，手腕大约与键盘平行，不要拱起或塌陷。大指第一关节应略略弯曲，不要全“躺”在琴键上，仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。

二、钢琴教学要有科学的练琴方法

练琴最终能否得到完美的演奏，取决于练习的质量，而练习质量又取决于良好的练琴习惯。有的孩子每天花了时间练，但效果并不好，原因就在于练琴习惯的科不科学。因此，在练习时必须同时做到：

第一，认真读谱。初学钢琴的孩子，在教学中，我尤其强调读谱。因为读谱是器乐教学中的重要环节，正确的演奏乐器应该从认真的读谱开始。拿到曲子后，先看清调号、拍号、速度等，对难以分清的地方先做好标记，如升降音、手腕的呼吸、反复等。

第二，先分手练习，再合手。幼儿的读谱能力还不强，如果一开始就双手合奏新谱难免会读错什么地方。所以，建议拿到曲子后，先分手单手把个声部的旋律弹熟，再合手慢速弹奏。当这方面的能力提高后，也可以双手合奏新谱。

第三，难处练习法。任何一首乐曲在技术上都存在着难点。将个别有难点的地方找出来，重点练习，待把难点练熟了，再从头至尾的练习。

第四，慢速练习。开始练习一首曲子时，一定要慢慢地认真练习。一些孩子在练习一首新的作品时，一开始就练得很快，以至于在节拍、音准、句子、奏法上都有很多错误，待熟练后再改就难了，同时也浪费很多时间。只有养成从慢到快的练琴习惯，才能得到良好的练习效果。

三、钢琴教学要注意孩子的心理

很多学琴的孩子都是带着一种好奇而又浓厚的兴趣进入钢琴学习的，但是，对有些学琴的孩子面对艰辛的练习过程，弹琴时就会出现坐不住，心不在蔫的现象，三天打鱼，两天晒网，久而久之，也就中断学琴之路了。事实上孩子学习钢琴半途而废是并不少见的。因此，教学中还要注意一下几点。

第一，在教学中要注意激发学生的兴趣。如在幼儿在学习认识音符、五线谱时，在要求手型的时候就可以用一些形象化的比喻；在教学中多做示范，让幼儿对乐曲有一定的感性认识；在教学中要多鼓励和表扬孩子，可以画五星或奖励小贴画，还可以让年龄相近的孩子互相观摩，激发他们“争强好胜”的上进心。

第二，灵活的教学方法。在教学过程中要根据每个孩子的不同特点，因材施教、循序渐进也是不可忽略的一个方面。由于每个孩子在家庭环境、生活习惯、兴趣爱好及性格特征方面都有一定的差异，因此，每个钢琴教师有必要了解每个学生的不同特点，这样才能作到“对症下药”、因势利导。在教学内容上，有必弹的（包括有一些引不起兴趣的内容），还有选弹的。对于必弹的可以少而精，选弹的，老师可以弹给孩子听，让孩子自己选择。

第三，积极和家长沟通。帮助确立固定的练琴时间，家长不能完全不过问，要起到“助教”的作用但也不能代替孩子学习比如替他说出音名、找到键盘等。

第四，多鼓励和提供一些表演机会，让孩子体会到成就感，增强自信心。

幼儿的钢琴教育，除了教授正确的弹奏方法，还要针对儿童的生理、心理的特点，采用适合的方法进行教学,让孩子学习时感到愉快而有趣。如果采用成人的方法去教孩子,就将事倍功半，那样的学习容易使孩子产生厌恶的情绪，更不要说在学琴中获得快乐了。

钢琴教学论文篇6

在教学示范要做到有的放矢，明确示范的目的，有些教师没有明确目的，虽然具备良好的演奏技巧，但没能科学合理的运用示范演奏，最后使得教学的效果大打折扣，甚至适得其反。

（一）明确示范演奏的目的。

钢琴教学课程中的示范，不同于音乐会的演奏，不必完整的演奏整首作品，在几十分钟的课堂上，音乐作品有些长达几十分钟，完整示范演奏全曲也是不现实的。课堂上的示范演奏不但可以片段性的，还可以分声部，单乐句甚至单音的示范。不仅要示范美的声音，正确的声音，还要会模范学生错误的声音，以便学生学会对比，辨别正确的声音。有些教师在做示范没有明确目的，只是将乐曲流畅的整首弹奏下来，未能针对提出的问题进行针对性的师范和讲解，达不到预想教学效果。例如，当学生弹奏乐曲总出现中断，这时要分析中断的原因，如若是技术问题导致接不下去，这时教师可以在中断的地方进行示范，（而不是整首乐曲示范），并加以剖析讲解，逐一解决“衔接”的问题。这样才能更有效解决弹奏中断不流畅的问题。

（二）动作的规范性和可模仿性。

教师的示范将是学生模仿的版本，从弹奏的动作到音乐的起伏变化，细节的处理，甚至教师下意识的一个动作，都将成为学生的模范对象。因此，在示范时教师一定要根据学生（教学对象）的情况进行合理的安排。例如在给初级阶段的学生示范弹奏音阶琶音，教师就要用慢的速度进行示范，不能自我炫技，否则，会导致学生模仿快速弹奏，即使教师不断的强调学生要慢练，但由于在示范时教师的“炫技”给学生“印象深刻”，学生就是总要做不到慢弹，而快速弹奏是初级阶段的学生没办法达到的，最后导致弹不清楚。因此，示范演奏重在于运用恰当，在于“精”而不在于“滥”。这也是有些教师虽然具备良好的演奏技巧，但没能科学合理的运用示范演奏，最后使得教学的效果大打折扣的主要原因。

钢琴教学论文篇7

内容通过形式来反映。那么作曲家的内心思想这一内容需要通过外在的某种形式来表述,这“某种形式”就是我们通常所说的音乐作品形式——曲式。曲式(拉丁语“forma”)意味着作品的结构方法。从外在形态来说,曲式是曲作者艺术思想和内容的外在呈现方式,也是曲作者用音乐这种语言来表达的方法。作曲家的人文、美学、哲理思想只有通过音乐形式(曲式)来表现与反映。因此,音乐作品的曲式观念、曲式构架很大程度上与作曲家的思想紧密联系在一起,这种曲式观念将超越曲式自身的内部结构而成为曲式的本质问题。从内在结构来说,曲式是构建音乐作品成为整体性的一种方法,这种方法越具有多样性,曲式就越具有丰富性;对这种多样性的统一、调和能力越强,曲式的完美性就越高。通常构建曲式的音乐材料有:旋律、和声、节奏、结构关系、织体、力度、速度等。

在钢琴教学中,对作品曲式特征的准确定位实际上取决于对构建作品曲式材料的分析。例如,乐段的准确划分、调性的准确判断、音乐织体的形态分析、节奏形态分析等等。在弹奏过程中,这些分析结果主要通过“对比”来完成。音乐作品演绎时内部结构的“对比”本身不是目的,而是为了更清晰地体现出作品的曲式特征,使作品的曲式结构轮廓得以准确显现,以达到对曲作者思想的准确再现。比如音乐织体的对比、力度强弱的对比、乐章之间速度的对比、调性色彩的对比等等。因此,严格地指导学生做出音乐“对比”是钢琴教学中的重要任务。

二

作曲家对构建、形成音乐作品曲式的各种音乐材料的不同组合与个性化使用就会形成音乐作品的风格。“艺术风格和形式、结构一直以来是欧洲艺术学中关注的焦点,并在欧洲艺术史中占有统治地位。在许多艺术学理论课程中,研究艺术风格的发展与变化是一条基本主线。”作品风格是作曲家所在的社会时代背景、人文精神的一种痕迹体现,也是不同作曲家作品的标签。这一内容的研究将有利于音乐表演中对作品特征的把握。对作品风格的熟悉将极大地提高作品演绎的客观性与准确性。同时,这也是挖掘作曲家艺术思想的有效途径。

第一,作品的风格与创作者的个性思想有着密切的关系。就这种看法,风格可以定义为——艺术家自身那种由于成熟性或天才性因素而形成、产生的独特或非独特思想的

自然反应。创作者这种独特与非独特的思想深受所处的社会时代背景、人文精神的影响。作品风格的存在使作曲家的特殊性(创作思维)成为了与众不同的“个体”。例如,俄罗斯作曲家柴可夫斯基、塔尼耶夫、拉赫玛尼诺夫三位大师,尽管他们是师生关系(前者是后者的导师),在某些方面有着许多共同之处,但是三人之间的风格区别是显而易见、毋庸置疑的。

柴可夫斯基作品的风格特征主要体现在“强烈的、饱满的”甚至“外溢的”情感表达上。作品中那种“迫不及待”的情感宣泄和“热情洋溢式”的“冲动”,常常使听众产生强烈的共鸣,并深受感染。笔者猜想,柴可夫斯基的这种急需别人了解的欲望和外溢特征与他个人情感问题有着密切的关系,如他的钢琴奏鸣曲、钢琴协奏曲等。从作品中可以深刻感受到作曲家“音乐表现手段绝对服从情感表达”的创作思想。

塔尼耶夫作品的风格特征是把一切美好的愿望和激动的感情放在了音乐作品“冷静”的行进速度中,音乐的魅力通过音乐自身的动力行进体现得完美无缺,如Op.27等。在这部作品的第二首《傍晚》中,Andante的速度是四分附点音符等于72拍,这样的速度是不多见的,可以看出作曲家希望通过这样的速度以达到内心深处的诗意化情感表达。从作品中可以感受到作曲家“在时间的运动中理性平稳地变化、发展情感”的创作思想。

拉赫玛尼诺夫在情感的饱满上丝毫不亚于柴可夫斯基和塔尼耶夫,但他既不像前者那样的“热情洋溢、迫不及待”,也不像后者那样的“过于冷静、深藏”,而是把自己饱满、汹涌的情感有节制地、大方地装载在了宽厚、丰满的和声织体行进中,以实现思想的完满表达。从作曲家的钢琴协奏曲、前奏曲等作品中可以感受到他“在音乐织体与时间行进的融合中发展情感”的创作思想。

作品的风格特征作为一种创作思想通常通过卓越的音乐形式(曲式)体现出来。比如,莫扎特在室内乐领域写作的音乐形式(奏鸣曲形式),与非莫扎特时代作曲家的奏鸣曲式相比在才能与个性上有着相当大的区别。这就是作品风格与社会背景、创作者自身修养、人文精神密切有关的反映。因此,对作品曲式的正视有利于作品风格的进一步正确把握。

第二,作品风格与作曲家的创作语言(作曲技术)有着密切的关系。作品风格的形成依赖于作曲家自身的那种特殊(个性化)音乐语言的运用。因此,不同时代、不同作曲家会形成不同的作品风格特征。比如,普罗科菲耶夫的钢琴音乐,作曲家在作品中也非常喜爱运用浪漫主义时期的“半音化”体系,但与把“半音化体系”推向成熟风格的肖邦相比有着明显的不同,前者把半音化思维运用到了调性的变化、发展中。例如,在作曲家的第二奏鸣曲(Op.14)的27—57小节中间由d小调转向bD大调,第三奏鸣曲(Op.28)的29—52小节,其中有b小调转向#c小调,并且作曲家把半音线条思维运用到了全曲的和声思维中,在第七八奏鸣曲中还出现了“半音调性同一性”。②此外,在普氏的钢琴作品中,还出现了异常刚毅、锋利的节奏特征,“他(普罗科菲耶夫)的节奏像花岗岩那样坚实,像钢铁一般的坚不可摧”。③这些音乐语言的个性化使用形成了普氏音乐作品色彩新颖、效果独特的风格,他的作品经常会在和声的作用下出现出人意料之外的效果。而肖邦的“半音化”体系更多地运用在旋律的发展中,加上其在功能和声之间插入附属和弦,以至延伸功能和声的变换频率,使音乐更具有柔美、哀怨、长气息的倾诉风格。

如果狭义地理解“风格”问题的话,可以认为风格是作曲家常用的、反映自己思想的创作手法的综合。这种创作手法的综合所形成的风格异样,源自于音乐作品形式(曲式)中的各种材料的个性化使用。除此之外,音乐作品的风格与体裁同样有着密切的关系。音乐体裁不同,风格也不同。如夜曲、幻想曲、进行曲、奏鸣曲、前奏曲等相互之间在风格上有着较大的区别。

因此,在钢琴教学中,不仅要弄清楚作品的体裁,还要弄明白作品的风格。这是实现准确演绎作品的重要保障。

三

为了准确、客观地挖掘作曲家的思想,除乐谱表面上的各种音乐术语及文字表述以外,还需注意乐谱以外的、隐藏在音乐史学内的其他诸多与作品有关的客观性因素。例如,笔者在留学期间,在一次“巴哈的赋格”钢琴课上,导师伊利娜告诉笔者:在1735年巴哈见到由德国音乐教师斯僚戴尔发明设计的新式钢琴时,他正热衷于羽键琴作品的创作,巴哈对这种新式钢琴并不认可,他认为羽键琴的声音更具深刻性和原始性。另外,巴哈深信各类大小调式都能表达各种性格特征,反对当时音乐

理论界对大小调性格特征的狭义定论(大调只能表达宏伟、博大的气概,小调只能描绘细腻与温柔等等)。因此,他的第一首C大调前奏曲、赋格会写得如此的优美和富有歌唱性,而第二首c小调前奏曲,却写得那样的气势磅礴……而且48首平均律是为当时他钟爱的羽键琴所创作,因此,音域范围从来没有超过四个八度(C-c3)……之后,教授要求笔者在带有八个踏板的羽键琴上进行弹奏,以体验这古老乐器的各种性能和触键感觉等。至今对其纤细、柔和音色和富有弹性的触键还有着深刻的印象。笔者最不能忘记的是从羽键琴教室回到钢琴教室的走廊里伊利娜说的话:“……尽管羽键琴的音色柔弱、又有颗粒性,但是你在演奏时,耳朵需要听见教堂圣咏中各声部横向极其优美连贯的歌唱性……。”这更让笔者明白了弹奏巴哈《平均律》的技术要求和人文要求。同时,使笔者明白了翔实、丰富的史料学习、研究给钢琴教学所带来的极大帮助。

钢琴教学中的本质是探寻作品演绎的客观性、准确性、原创性。为了实现这一目标,深层解读音乐历史是基础,定位作品曲式、风格是手段,探索作曲家创作思想是根本。最后,笔者用俄罗斯钢琴演奏家、教育家涅高兹说过的话来结束全文:“在作曲家演奏自己的作品时,听众可以听到艺术的真谛并感到这种真谛那不可逆转的吸引力,因为任何一个正常人,都是生来就喜欢真正的事物,而绝不喜欢任何虚假作风和伪造品。”④

注释:

①(俄)海涅高兹著《涅高兹谈艺录》,焦董建董茉莉译,人民音乐出版社,2003年,第240—241页。

②孙维权巢志珏编《普罗科菲耶夫钢琴奏鸣曲》序言,2005年,上海音乐出版社。

③(俄)海涅高兹著《涅高兹谈艺录》,焦董建董茉莉译,人民音乐出版社,2003年,第265页。

④(俄)海涅高兹著《涅高兹谈艺录》,焦董建董茉莉译,人民音乐出版社,2003年,第266页。

钢琴教学论文篇8

其次，钢琴音色的变化关键在于手指的触键程度。

（1）指尖触键与指面触键。手指立起，琴键受力直接，音色明亮；指面平坦会形成一种受力的缓冲，使声音柔润、细腻。

（2）手指触键的高度和力度。要得到明亮的颗粒性声音，常需手指提高，伴以垂直方向用力弹奏；而对声音柔美的连奏则要求利用柔软的指面，在手指向前或向后的水平动作中以平稳的贴键方式触键，从而获得飘逸但不失集中凝练的音色。

（3）手指触键的速度。一方面影响着声音的强弱，触键速度越快声音越强，反之越弱；另一方面，影响着声音色彩。例如，要演奏明亮、颗粒性强的声音，指触速度要快，弹完马上将力量松开，触键面可略小；要声音浓厚、圆润、歌唱性强，除运用手指力量外，指触速度要慢。不同的声音要求运用不同的指触方法来弹奏，演奏者要根据听觉和作品的需要用心体会。

（4）手腕的松弛程度。充分利用好手腕的调节，才能使弹奏出的声音独具钢琴音质铿锵有力而又柔和的美感。在弹奏歌唱性旋律时手指可贴近键盘，手腕保持平稳、有弹性。不同的音色对手腕也提出不同的要求，在教学与演奏中一定要灵活运用。

第三，正确运用踏板可以丰富音响色彩。

俄罗斯钢琴家鲁宾斯坦曾说过，“踏板是钢琴的灵魂”，可见其重要性。钢琴踏板包括左踏板（弱音踏板）、中踏板（睡眠踏板）和右踏板（延音踏板），每一个踏板对声音的改变各不相同。常用的是右踏板，除延长和保持音的作用外，它还能不断地混合多种共振泛音来丰富钢琴的音质，从而使其音色丰润奇妙；中踏板是增加色彩和使音乐织体简洁清楚的重要工具，尤其适用于保持极长的低音进行；左踏板不仅仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和度，并祛除掉音质中敲击的成分。

钢琴教学论文篇9

培养正确的读谱是钢琴教学和学习十分重要的课题。正确读谱是演奏一首作品的基础。演奏者通过认真细致地研究乐谱，对音乐作品的忠实理解进行二度创造和创作，在作曲家与广大听众之间架起一座沟通心灵的桥梁，使静止的乐谱转化为变化万千、令人难忘、丰富多采的音乐语言。读谱包含两层涵义：第一，必须严格遵循作曲家在乐谱上的一切标记，以及标记所约束和决定的意思。这里包括谱号、调号、拍号、节拍的律动、音高、指法、奏法、速度、力度、表情记号等等。因为作曲家在乐谱上标写每一个标记以及每一个音乐术语时都饱含深意。第二，要准确、科学的透过这些标记，进一步弄清乐谱的曲式结构、和声、乐句、乐段；旋律与伴奏的关系；特别要注重复调因素、注意乐谱上音符的符干朝向，弄清声部的层次，做好保持音和不同层次、不同音色的对比，决不能忽视休止符。另外，还要从谱面上的各种符号中领会音乐的内容和本质，推测作曲家的意图，以及作曲家字里行间更深刻的涵义，揭示音乐的内容和精神。譬如：对作品的创作时代、风格、旋律、节奏、和声布局、句子段落、声部、结构，音乐的性格特点，写作手法和织体特点，有什么对比，主题如何发展，有哪些高潮，最主要的高潮在哪里，以及音响的想像，使之在乐思的奔流中，展现它们应有的生命力。在教学中，要严格要求学生对乐谱进行深入细致的研究，不断地挖掘探索其中的内涵，悉心领会作曲家的创作精神，加入时代感，以至完全正确地把乐谱中的精髓全部诠释出来为止。

(二)正确掌握节奏和速度

节奏是音乐中最重要的构成因素之一。节奏展示了音乐的生命和存在，它是音乐的脉搏，是音乐的骨架，也是音乐的灵魂，任何音乐都离不开节奏。没有节奏的音乐就像人失去了脉搏,音乐可以不用乐音，但永远离不开节奏。一首作品往往是通过一种特定的节奏韵律来表现出它的性质和风格。弹奏者只有把握乐曲节奏的均代、不同作曲家、不同体裁的作品匀、弹性、动力、惯性、重音、各种特性节奏，才能和谐有致的抒情达意。加强节奏教学，培养和提高学生的节奏能力是提高学生音乐表现力的重要途径。在教学中，教师除了要在概念上对之强调和固化，要特别强调它除了是稳定音乐的要素，更是把握音乐的运动趋势的能力，是决定提示音乐主题、增强音乐表现的根本保证。一首乐曲的特殊节奏抽象地概括这首乐曲，能使听众在丰富的联想中还原作品。如李斯特改编的《魔王》开篇便以其独特的节奏揭示了音乐的内涵。在全曲的气氛渲染中，出现的在同音上的三连音(表现疾奔的马蹄声)起着很大的作用，这时隐时现、时弱时强的三连音除了具有描绘的写实作用外，也是造成局促不安的心理的重要因素，低声部的间息乐句则暗示不时掠过的林间阴风。在教学中，教师应该选取诸如此类的具有很强代表性的作品，作为节奏的训练，注重学生的体验，并注意尽可能地体现作品的强弱、断句和起伏，使学生获得良好的直觉。所有的音乐作品,除了特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现其不同的性质和风格。乐曲的性质指乐曲内容、情绪、形象意境等所决定的乐曲的局部特性和总体风格，而音乐风格则是遏制音乐分享有些样式或有某些元素共同兴趣的类别。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？要根据乐曲的性质来确定。一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。在教学中重要的是，教师要指导学生从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，练琴方法上，教给学生难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹得和较容易的部分一样好才行。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度来确定。弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。

处理好力度力度就是音量,即声音强弱、轻重、大小的程度。音乐是表现人的心情的,而人的心情变化和活动不像机器那样呆板,必然有强、有弱、有急、有缓。因此力度处理对于音乐表现有着重大的意义。在古曲音乐中,一般从pp(很弱)到f(f很强)间就有p(弱)、mp(中弱)、mf(中强)、f(强)的六个不同层次。而浪漫乐派及后期作品从pppp(比弱还要弱)到ffff(比强还要强)，幅度更宽,还有sf(个强)、sfz(突强)或crese(渐强)、dim(渐弱)等,这些具体的力度记号，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。对于没有力度标记的作品，我们可依据音的自然倾向和音乐发展的自然趋势。如在弹奏音阶时，根据音一级一级向上推动的原则，我们可以把音乐处理成渐强，反之，则可以弹成渐弱。另外，音乐本身的特性也会告诉我们应该如何运用力度。如进行曲是坚定有力的,舞曲是活泼欢快的。强弱在音乐中不是一种外部现象，也没有无缘无故的强弱及变化，它同音乐表现的内容、形象及情感连在一起，在教学中还要指导从音乐表现的内容、形象去把握音乐的力度，从而提高学生音乐表现力。例如《雪绒花》主题音调在全曲中出现三次，赞颂祖国祝愿祖国之情贯穿全曲。A段节奏舒缓，旋律起伏较小。B段节奏变化出现休止，与前段相比，情绪更加激动，力度加强，要表现出主人公热爱祖国的感情。

（四）掌握良好的触键方法

旋律在音乐语言中是最具感染力的，好的旋律是音乐表现的一个方面。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法。首先是指法的训练。音阶、琶音、和弦等都有它规律性的指法，如白键音阶，右手上行除F大调外都是1231234指，左手上行除B大调外都是543213-21。但没有绝对固定不变的指法。在一定的原则下，根据乐曲的要求、作曲家的风格，再结合每个弹奏者自身的生理特点、手的条件来灵活地选用指法。手有大、小，宽窄之分，指的距离有松紧之分，手指有长、短、粗、细、强、柔之分，不强能求一律。根据乐曲要求，对照各种不同版本，分析、考虑、确定指法，并赋予它一定的艺术处理，是钢琴教学中提高学生音乐表现力的重要环节。正确的触键犹如画家的神笔，笔下生花，反之则是拙劣的涂鸦。此外，还需要正确运用踏板。踏板的学习和运用是音乐表现的重要内容。俄罗斯钢琴家安东•鲁宾斯坦曾说“钢琴的踏板是钢琴的灵魂”，他甚至夸张地提到能运用好踏板，就是演奏成功的四分之三。钢琴的踏板使用首先要以和声、色彩效果的需要、以作品的不同风格为依据。例如三个踏板，即强音踏板、柔音踏板和保留音踏板，作用各不相同，如强音踏板能产生很多泛音，使声音更优美、更和谐，根据需要按踩踏板的深浅，可分为全踏板、半踏板、四分之一踏板、三分之一踏板等。教师必须要求学生了解三个踏板的不同作用，分析乐曲和声的进行与层次，按照不同色彩、不同风格来运用踏板，使其成为音乐表现的重要手段。

二、学生把握音乐作品内涵能力的培养

钢琴教学论文篇10

音乐是情感的艺术，只有亲身实践才能体验到音乐中的情感。而对于初学初级钢琴的学生来说，音乐中很多深刻的情感内涵并不容易体验到，而通过创设情境的目的就是运用各种策略让孩子们在亲身实践中进行丰富的情感体验，培养听觉想象的能力。同时，也因为很多乐曲本身的体裁和表现内容也都具备情境性，为情境的创设提供了依据。我们以小步舞曲为例，这一体裁起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，中庸速度，音乐能描绘许多礼仪上的动态，因其舞蹈的步子较小而得名。在实际教学中教师可以根据小步舞曲的体裁特征来创设情境，将音乐教室想象成宫廷，让学生模仿几个简单的舞步，仿佛将他们带回19世纪的欧洲宫廷，使学生们在情境中体会小步舞曲的音乐风格，体验音乐情感。当学生在情境中感受到小步舞曲的情绪和律动之后再去用手指来表现音乐，他们便会发自内心的来还原音乐原本的面貌。

三、重视示范积累听觉样本

此处的“示范”并不仅仅是指老师的示范，同时更重要的是指钢琴家的录音、录像以及现场的音乐会。虽然有一些初级钢琴教师认为听示范会让学生产生依赖感，时间久之后只学会了被动弹琴，却不会主动思考自主练琴。但笔者认为，如果内心没有积累过足够的音响材料是无法进行内心听觉想象的。正如优秀的作家一定是在积累过丰富的生活经验基础上去写作的，凭空想象的情节必然空洞无味。但是，教师在给学生做示范或者引导学生听音响、音乐会时要做适当的指导。

首先，要指引学生去聆听不同版本的同一首音乐，详细分辨出每一版本的区别在何处，并选出自己喜欢的版本。其次，教师需要向学生介绍音响的一些基本信息。如作曲家的简介、作品的创作背景以及演奏家的表演风格等等。第三，在学生仔细聆听之后，要对学生进行提问。例如让学生去思考，为什么演奏家以这样的情绪来演奏、为什么要用这样的方式来处理细节？是演奏者自己的想法还是根据作曲家的意图还是谱面上的提示？这样的演奏给你带来了什么样的感觉？示范中的弹奏和你的弹奏区别在哪里？等等问题。因此，一首作品必须要反复聆听数遍才能做到以上三点要求，而当这位学生能够学会独立自主的反复聆听音乐时，他的听觉能力一定得到了提升。

钢琴教学论文篇11

钢琴即兴伴奏主要是指依照曲子的韵律快速弹奏伴奏音乐的技能，它不仅融合了钢琴的演奏能力、钢琴的理论知识能力，更是融合了演奏的灵活性和应变能力，是一门培养综合能力的课程。

（二）学前教育钢琴即兴伴奏教学特点

据调查研究，我国目前幼儿教师以及学前教育专业的学生们在教学实际工作中，声乐水平较好，但是在钢琴即兴伴奏时理论和实际演奏能力较差。由于在钢琴伴奏方面存在着诸多的问题，因此，在实际教学中，会使学生审美疲劳，使得学生在乐感的培养和启发上得不到锻炼和加强，更提高不了学生对音乐的审美能力，最终使得在未来学前教育钢琴即兴伴奏课程实际教学中，音乐课对幼儿失去了吸引力。

二、学前教育中钢琴即兴伴奏教学效率的提升途径

由于我国目前的学前教育高琴即兴伴奏教学中有着诸多的不足，因此，结合我国教育形式，课程的实际特点来分析，探索出提升钢琴即兴伴奏教学效率的有效途径：

（一）加强教师的团队建设并提高技能

教师的教学质量，在教学过程中直接影响着学生们学习的能力和效率。因此，必须保证学前教育专业的教学质量，进而使学生的能力得到不断的提升。首先，学前教育钢琴即兴伴奏教学的老师必须拥有钢琴理论知识、曲式、和声、视唱练耳等一些音乐专业知识以及操作实践的能力，并把握好教学的灵活性，才使得钢琴即兴伴奏教学更有效。学校开展的实践活动，一定要结合教学实际工作需求。例如：可以让学前教育专业的学生到各个幼儿园中去听课，使学生对幼儿园教学的实际工作情况、特点以及需求有比较更深入的了解。学生要积极探索新方法、新思路并融入到幼儿园的教学环境、教学任务中。这样使得学生在未来学前教育钢琴即兴伴奏的实际教学课程中，能够更有效地开展和进行教学课程，也使教学的内容和形式更加贴近幼儿园实际教学特点和情况。

（二）注重钢琴即兴伴奏教材的编写

在钢琴即兴伴奏教材的编写过程中，首先要以教材的实用性为基础，确保教材的编写具有立体型。从我国的教学形式来看，除必修的一些文化课程外，教育专业有十几门课程，因此，诸多的课程使得学生很少有弹奏的时间。针对以上问题，教材编写工作人员，在编写的过程中要注意科学性、合理性，不能以展现教材的广泛性为目的开设更多的课程。没有练琴时间，就会造成能力下降，在对孩子的教育教学过程中，自身的能力水平将会大大下降，因此，教材的编写要具有实用性。

（三）加强钢琴即兴伴奏教学的实践

通过目前社会形势来看，大多数毕业生在进入工作岗位之后，几乎没有独奏的机会，但是钢琴的即兴伴奏应用之处却非常多。因此，这就要求在教学过程中一定要针对教学工作的实际情况以及特点来进行教学活动；注重教学实践，强化训练，让学生在行为和思想上认识到钢琴即兴伴奏的重要性，并充分重视起来，使自己学会主动学习，也使得教学更加高效。而对于老师来讲，一定要培养出符合工作能力要求的学生，才可以使学校教育逐渐的达到一个良性循环，促使校园文化氛围逐渐浓厚。在教学过程中，要加强对钢琴即兴伴奏的重视力度，不断的改进教学措施以提高高琴即兴伴奏的教学能力水平，为未来学前教育钢琴即兴伴奏的教育培养优秀的技能型人才。

钢琴教学论文篇12

（一）教学目标不够清晰

我国高校音乐教育中，普遍存在教学目标不太明确的现象，导致学生缺乏明确的学习目标，影响学习能力的提高。要实现教学目标，首先必须明确教学目标的具体要求，而在实际教学过程中，很多教师讲课时只针对某一作品的技术难点进行大致的技术要求讲解，这种教学的盲目性比较大，不利于学生更加深入地掌握其技能技巧。

（二）对学生的了解不够深入

教师在教学时往往只注重自身教学的方式，而忽略了学生的接受能力。教师对每位学生的具体学习情况了解不深入，很难进行因材施教的教学。这种方式往往会导致教学内容不适合每位学生的学习，使学生的音乐学习产生两极分化的情况。

（三）忽略钢琴教学的系统性教育

音乐课程是一种系统性很强的学科，教学时必须循序渐进，慢慢渗透。但是在实际钢琴教学过程中，教师授课时比较随意，解决问题时不注重问题的系统性联系，致使学生在音乐演奏中时常出现技术性的问题，影响学生音乐学习的提高与音乐素养的培养。

（四）缺乏与其他课程的联系

在钢琴教学中，各课程之间是相互联系的，但教师往往忽略各课程间的联系，致使学生在学习过程中对音乐知识的积累及学习比较散乱，没有将各音乐课程建立相互联系的意识，不利于学生音乐素质的全面培养，也不利于学生音乐认知结构的建立。

三、将学习迁移理论引入钢琴教学中的意义

面对钢琴教育中存在的诸多问题，高校钢琴教学应该在吸取传统优秀教学方式的基础上，引入新的教育方式，利用现代教育理念中的美学、心理学、运动学等方面的理论，进行教学改革，提高学生学习钢琴的综合能力。其中学习迁移理论就是现代教育心理学中的一个概念，它是指在学习过程中，各个学科与技能之间存在彼此相互影响的现象，也就是学生已有知识、技能对新知识与技能所产生的影响。

（一）有利于培养学生自主学习能力

教育的最高境界不是教给学生多少知识和技能，而是让学生掌握学习的技巧与方法，培养学生的自主学习能力，使学生从主观方面积极主动地学习，而不是被动地接受知识。学习迁移理论的运用，就是一种授人以渔的学习方式，其注重培养学生的自学能力，让学生学会学习。从这方面来说，一个学生学习能力的高低与其学习迁移能力的强弱有着非常重要的关系。学习迁移不仅能有效提高学生的自学能力，而且能提高学生的学习兴趣和学习效率。

（二）为实现高校教育目标提供条件

教师在教育过程中是否教会学生学习的迁移能力，是教学质量提高的关键。因为只有让学生拥有了学习迁移能力，才能够使其拥有自我学习能力以及可持续发展能力，使其积极主动地积累知识和技能，从而更好地构建知识与认知结构，以便于在钢琴学习中全面发展，提高学生知识技能的综合运用能力，推动高校钢琴教学中教育目标的实现。

（三）有利于教学改革的实施与教学质量的提高

把学习迁移理论引入高校钢琴教育中，不仅为高校的钢琴教育提供一种有效的教学方式，而且通过各个课程之间的相互联系与相互影响，可以很好地提高高校钢琴教学效率和教学质量。从而为社会培养更加优秀的钢琴师资人才。

（四）为高校钢琴教育提供系统化指导

高校钢琴教育是一种系统化要求很高的课程教育活动，在教学过程中必须有几个相互联系的步骤组成，而学习迁移理论运用到钢琴教育中，可以贯穿于教学的每一个环节，使各钢琴课程以及同一课程不同单元之间建立相互联系的有机统一体，使高校钢琴教育在统一的整体下进行相互之间关联性的学习。利用系统化的教学方式，使学生的钢琴认知能力及钢琴素养得以提升。学习迁移理论不仅能提高学生的学习效率，而且能够有效地促进教学方法的改变。高校钢琴学科领域知识丰富、文献众多，学生不可能在短短的几年内掌握全部内容，教师在教学中利用学习迁移理论，积极创造学习迁移条件，使学生在原有知识上，进行新知识的学习，以达到事半功倍的效果，同时提高学生积极主动学习能力，为他们以后的工作和学习奠定坚实的基础。

四、有效实施迁移教学的措施

钢琴演奏是一种技能，而技能是一种心智活动方式，通过练习获得钢琴技能动作，这种技能主要指手指、手腕、前臂、后臂以及整个身体之间的协调能力，同时也需要学生有很高的理论知识与艺术表现力。在此基础上利用迁移学习方式，可促进其技能的提高与素养的修炼。

（一）新旧知识的相互影响与联系

学习迁移是一种通过新旧知识相互联系形成一定的影响，而促进学习的一种教学方式。从这方面来讲，教师在进行教学时要注意新旧知识之间的联系，在新知识讲解之前，首先对旧知识进行复习，做到温故而知新，并根据教学中可能出现的迁移点，引导学生发现实际迁移点，从而结合已有的知识，实现知识的迁移。在教学过程中进行示范演练，演练时注意提醒学生感受演奏中的异同点，帮助学生学会运用比较法进行新知识的学习，通过详细的比较可以发现二者之间的联系和区别，找到其异同，以便促进共同点的迁移。对于学科的基本概念及原理等一些具有广泛迁移价值的内容，应多提倡自主学习，要求学生对所学的内容进行理解式记忆，然后对知识进行归纳、总结，再把总结好的知识引入原有知识的积累中，以旧知识促进新知识的掌握。从而促使学生更好地把握学习的方向，打破思维定式，培养创造性思维，提升学生钢琴练习的效率和水平，以及学生的学习技巧与学习能力，促进学生的全面发展。

（二）注重创造迁移条件

在教学过程中，教师要时刻注意迁移条件的创造，注重学习对象之间的共同因素。学习内容之间的相同原理越多，迁移现象就越明显，也就越有利于学生的学习。比如在训练八度弹奏技术时，教师可以将游戏的动作机理迁移到弹奏方法的动作要领上，能起到事半功倍的效果。教师可以举些例子，比如我们在玩拍皮球时，需要放松手腕和小臂，利用手腕的弹性来拍动皮球，动作自然、轻柔、缓和，顺势而为等，弹奏八度时手腕与排皮球时手腕的状态有异曲同工之处。C.H.贾德在概括化理论中指出，学习中产生迁移的必要前提是，两个学习活动中存在的共同成分，而在学习活动中概括出两个学习活动之间的共同原理是产生迁移的关键，对于原有知识经验概括水平的高低直接影响着迁移的可能性。因此，在教学过程中，教师应注重对学生已有经验泛化水平的提高，为迁移创造条件，如音阶的弹法与五指训练、琶音的训练在训练要领上有很多共同之处。因此，在教学过程中，三者的训练方式可以相互借鉴，通过学习一种技能前、后对另外两种技能的训练，引导学生概括三者的共同成分，从而实现学习的迁移。

（三）保持良好心理状态

学生的心理状态对学习的迁移也有着很大的影响，心理状态不佳，如过度紧张、注意力不集中、没有兴趣、没有迁移的愿望等，都会对学习迁移造成障碍。因此，在教学过程中，除了要积极为学生创造迁移条件外，还应关注学生的心理状态。在教学的过程中，可采取谈话法、观摩鉴赏法、练习法等多样化的教学方法，营造良好的课堂氛围，使学生保持轻松、良好的心理状态，从而更好地使学生的思维处于活跃状态，有效地实现学习迁移。在钢琴练习中，可采取分阶段练习，练习的时间不宜过长，容易造成身心疲劳，在休息的过程中可以对练习中遇到的问题进行研究和探讨，从而使钢琴练习能够顺利进行，同时摆脱消极情绪，达到更好的学习状态。

钢琴教学论文篇13

（一）迁移理论的分类

学习过程中的迁移理论，主要有形式训练说，共同因素说，关系理论，迁移的情境性理论等等一系列类型。在钢琴教学中，迁移理论的设计与实现对于学生的长足发展有很重要的作用。

（二）形式训练说的应用

迁移理论中的形式训练说，主要是指一种把学习当做心理训练过程的方式。实质上也就是一种心理能力的锻炼。简单来说，在钢琴的教学中，学生对琴谱的认识与练习是需要通过不断地锻炼而加强的。因此，在教学活动中，教师不仅要在课堂中加强学生对基础性知识的记忆，不断地通过各种各样的方法锻炼，坚持较长时间的琴键练习等等。形式训练说，总体上更加重视学生能力的培养和学习的迁移，强调通过长时段，有效率的锻炼而加强记忆。对于教师的钢琴教学以及学生的钢琴学习有重要的积极意义。

（三）共同因素说

理论上，迁移理论的共同因素说，是两次学习在刺激反应联结上的相同要素。简单来说，就是两种学习过程因为具有相同因素的影响，因而对彼此的学习可以提供极大的帮助。在教学过程中就有实例可循，比如，学习过小提琴之后，对于钢琴的学习与理解都会有相应程度的提高。因为二者的学习过程中，小提琴是西洋弦乐类中难度较大的乐器，所以在学习了小提琴之后，首先在心理上就会产生一种松弛的心态。这对于钢琴的学习过程来说就会降低难度。在钢琴教学中，教师可以适当应用迁移理论的共同因素说原理，采取对学生进行较高难度知识的传递，在学生的感悟与学习过程中，逐渐灌输难度较先前知识低的知识理论教学，这样，既能在较短时间内完成必要的知识引导与教学，又可以拓展学生的认识面，有利于学生更好地理解钢琴文化知识。

（四）关系理论

关系理论，这一理论的代表人物Kohler认为，领悟情境中的一切关系，是获得迁移的根本条件。这个理论在一定程度上是比较抽象的，对于关系理论的理解，简单来说，就是在教学过程中，假设学生对一中类型的乐曲学习兴趣较浓厚，那么对与之相关的另一种类型音乐也会在心理上产生兴趣。在钢琴教学活动中，教师要善于发现学生的兴趣点，利用学生对当前学习课程某一方面的有效成果，合理的安排相似的，但是具有更高难度的知识点进行教学。这样，学生对之前知识点的学习兴趣，也会逐渐的有一小部分进行迁移，进而转移到新教授的知识中。这一理论在实际操作中的难度较大，所以在教学互动中，无论是老师还是学生都有一定的挑战性，但也能够极大程度的激发学生的学习兴趣，更好的促进他们的钢琴课程的学习。

（五）迁移的情境性理论

迁移的情境性理论主要是重视学习的情境性。也就是说，教师的教学活动要在特定的教学情境下进行，并能够帮助学生构建良好的认知结构。在钢琴教学活动中，教师要注重当时课堂所讲内容与教学情境的相互关联性。在情境性学习中教师创造真实的或虚拟现实的情境使学生融入其中愉悦的学习，目的主要是在今后的实际生活中能够学有所用。比如，在学习《命运交响曲》时，教师可以在课前准备一些相关的资料，比如作者贝多芬的生平经历，创作这首曲子的原因，以及当时的社会背景，民众舆论等等。这一切的宗旨都是为了给学生的学习提供一种形象的，具体的情境，使之能够更好的学习以及深入了解乐曲。